Categoría: real

HITOS CONJUNTO DIRECTO

XNUMX-XNUMX pm. Comenzamos nuestro paseo en la Plaza de Oriente. Rodeados de estatuas y jardines, llegamos al Teatro Real, que iremos dejando atrás a medida que nos acerquemos al Palacio Real.

Sobre nosotros se alza un impresionante edificio flanqueado, a la derecha, por los Jardines de Sabatini y, a la izquierda, por la Catedral de la Almudena, donde podemos visitar la cripta y la iglesia. Desde allí, tomamos la calle Bailén que nos conduce a la calle Mayor.

XNUMX-XNUMX pm. Si tomamos esta calle, pronto veremos la Plaza de la Villa y poco después, el Mercado de San Miguel. ¿Te apetecen unas tapas? Quizá unas ostras con una copa de cava. Si preferimos algo más tradicional, también podemos tomar una tapa de jamón ibérico y un vermut. Al salir, llegamos a la Plaza Mayor donde vemos una mezcla de turistas y lugareños contemplando la belleza de su arquitectura.

XNUMX pm-XNUMX am. Por la calle del Prado, llegaremos a la Plaza de Santa Ana. Tómate unas tapas o una copa en cualquiera de sus bares y terrazas y después dirígete a la calle Huertas, uno de los centros de ocio nocturno de la ciudad. Decenas de bares, locales y pubs abren sus puertas hasta altas horas de la madrugada.

Vista previa feat. John O’Brien y Alex Otheguy

La Dirección General de Arquitectura y Vivienda del Ministerio de Vivienda ha adjudicado a FCC Construcción las obras de rehabilitación del Teatro Real Coliseo Carlos III, edificio histórico situado en pleno centro histórico de Aranjuez, Madrid. Las obras tendrán una duración de 26 meses y un coste de 5,8 millones de euros.

El proyecto de rehabilitación y restauración del teatro ha sido diseñado por Bayón, Arquitectura y Urbanismo, y se basa en el diseño original de mediados del siglo XVIII, preservando aquellos elementos históricos que aún se conservan del edificio original.

Este singular teatro, construido en 1769 y diseñado por Jaime Marquet, ha sufrido diversas mejoras a lo largo de su historia, con los consiguientes cambios en su estructura original. Incluso se convirtió en cine en 1933.

Lacrimosa-Requiem en re menor KV626 de Wolfgang

Así que permítanme quedarme en la España real y contarles un poco más sobre los maravillosos monumentos de la ciudad principesca de Aranjuez, Comunidad de Madrid, y el maravilloso Teatro Real Carlos III. Por supuesto, usted puede navegar por mis entradas anteriores sobre Aranjuez, pero siento que este teatro no se mencionó lo suficiente en el blog. Este post va a remediar que creo y le doy las gracias por leer.

El edificio del Teatro fue construido en 1768 por el rey Carlos III. Por lo tanto conocido como el Teatro Real Carlos III. El teatro tenía una fachada porticada con cinco arcos de ladrillo, y en el frontispicio se colocó un grabado con la inscripción traducida como en Aranjuez se combinan las delicias del campo con los placeres de la ciudad, el rey que lo construyó y el año de su inauguración. El texto procede de la página web oficial del Teatro, como se indica a continuación.

Inaugurado ya en el siglo XX, este teatro pasó a manos privadas y fue rebautizado como Gran Teatro Maestro Guerrero. En él se exhibieron obras teatrales, hasta que en sus últimos años se convirtió en sala de cine, e incluso se rodaron películas. Terminó cerrando sus puertas en 1989.

TEATRO REAL – COMPAÑÍA ANTONIO GADES

Jaime Marquet (nacido Jacques Marquet, en París, 1710-1782) fue un arquitecto francés que trabajó extensamente en la España de los Borbones, y entre cuyas obras más importantes figuran la plaza central de Madrid conocida como Puerta del Sol y el monumental edificio adyacente, la Real Casa de Correos, hoy sede de la Presidencia de la Comunidad de Madrid[1].

En la década de 1750 recibió el encargo de Fernando de Silva, XII Duque de Alba, a la sazón embajador de España en París, de construir un nuevo palacio en la sede familiar de Piedrahíta, lo que tuvo lugar entre 1755 y 1766.

El duque de Alba le introdujo en la corte de Fernando VI, tras lo cual recibió el encargo de reformar el empedrado de la ciudad de Madrid. En 1755 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre 1756 y 1760, mientras iniciaba su carrera en la capital española, el rey Fernando VI encargó al arquitecto Ventura Rodríguez que dirigiera la demolición de las manzanas 205 y 206 que lindaban con la Puerta del Sol, y que construyera un edificio sede para el servicio postal español Correos.

Puccini: La Bohème del Teatro Regio de Turín

El director Nicola Luisotti se mueve perfectamente en este repertorio y ofreció una sólida lectura de la ópera, cuidando bien a los cantantes y sacando un buen rendimiento de la siempre sobresaliente orquesta del Teatro Real.

En el primer reparto, Michael Fabiano fue Rodolfo. Posee una hermosa voz en el registro medio y, aunque algo justa en las notas altas, creo que ahora está mejor que hace algún tiempo. El problema es que su canto es monótono: no hay ni un atisbo de voz media y, por tanto, no puede haber emoción.

Estaba previsto que Andeka Gorrotxategi cantara el papel de Rodolfo en el segundo reparto, pero canceló por problemas de salud. Le sustituyó el tenor Joshua Guerrero, a quien no había tenido la oportunidad de ver antes. Causó una impresión muy positiva y ofreció una interpretación que igualó la de Michael Fabiano en el primer reparto. Su voz es atractiva y uniforme, y es un intérprete correcto.

Lucas Meachem como Marcello resultó poco convincente. Su voz es ancha, como se nota desde los primeros compases de la ópera, y su canto refleja poca emoción. El segundo Marcello fue Andrzej Filonczyk, cuya voz es atractiva. Me pareció un cantante más fuerte que Meachem.

La Bohème – Puccini – Acto 1 – «Rodolpho conoce a Mimi»

La producción cinematográfica de Giancarlo del Monaco de la popular obra maestra de Puccini se sitúa entre las grandes interpretaciones de los tiempos modernos. Jesús López Cobos dirige a un reparto excepcional, encabezado por Inva Mula y Aquiles Machado, en una grabación que marca un hito, filmada con cámaras de Alta Definición y auténtico sonido envolvente.

La producción cinematográfica de Giancarlo del Monaco de la popular obra maestra de Puccini se sitúa entre las grandes interpretaciones de los tiempos modernos. Jesús López Cobos dirige a un reparto excepcional, encabezado por Inva Mula y Aquiles Machado, en una grabación sin precedentes filmada con cámaras de Alta Definición y auténtico sonido envolvente.

La Boheme – Teatro Real (HD)

El director artístico Joan Matabosch se puso en marcha para traer sustitutos de última hora para cubrir las partes de Rodolfo, Schaunard, Mimi y Marcello en la representación de Giacomo Puccini de la infidelidad y los celos entre los jóvenes artistas en 1840 París. «Nunca antes habían cantado juntos y hoy han estado ensayando todo el día… Han estado en casa estudiando vídeos de espectáculos anteriores», dijo el portavoz.

Sin embargo, su tiempo en el candelero podría ser limitado, ya que varios de los cantantes originales podrían quedar libres para actuar si el martes dan negativo en las pruebas. «El Teatro Real no quiere decepcionar al público (…) tenemos que convivir con esta pandemia», dijo el portavoz.

Cuarteto del tercer acto de La Bohème (grabación virtual)

Fue realmente una noche muy especial en el teatro, que todos los presentes recordarán sin duda durante mucho tiempo. Livermore nos brindó una puesta en escena llena de humanidad, que nos llevó desde el más alto de los subidones hasta la mayor de las penas. Pero, por supuesto, no habría tenido el efecto mágico que tuvo, si el lado musical de las cosas no hubiera sido tan positivo, y esta noche fue una de esas veladas en las que cada elemento dio tanta satisfacción. El público valenciano respondió frecuentemente con aplausos generosos y desinhibidos.

Gira Acústica Londres Royal Albert Hall (Trailer)

DescripciónInformaciónEl cantante visitará el WiZink Center el 6 de diciembre como parte de su nueva gira Me Siento vivo Tour 2023. En el espectáculo, el artista interpretará temas de su nuevo álbum, así como sus grandes éxitos.

Tras ganar la primera edición del famoso talent show Operación Triunfo, Bisbal lanzó su álbum debut, Corazón Latino, que fue un gran éxito, vendiendo más de un millón de copias y encabezando las listas de éxitos durante siete semanas consecutivas.

Es uno de los artistas más importantes de España y ha recibido numerosos galardones, con más de 80 premios nacionales e internacionales, entre ellos tres Grammy Latinos, 3 Billboard Latinos, 3 World Music Awards y 2 Premios Ondas. Tiene 11 discos de Diamante y ha vendido más de 5 millones de entradas en más de 1.000 conciertos en todo el mundo en grandes recintos como el Royal Albert Hall, el O2 Arena de Londres, el Carnegie Hall, el Barclays Center de Nueva York, el Teatro Real de Madrid y el Olympia de París.

Bustamante – Júrame (En Directo En El Teatro De La Ciudad

Desde entonces ha publicado cinco álbumes de estudio, todos ellos en los primeros puestos de la lista española de álbumes, además de grabar varios discos en directo. Ha realizado giras por toda Europa y América Latina y ahora se le considera un artista crossover internacional.

A fecha de 2019, David Bisbal ha vendido más de seis millones de discos en España y América, consiguiendo 69 discos de platino, 20 de oro y dos de diamante. Corazón Latino y Bulería han recibido sendos IFPI Platinum Award, la certificación oficial de haber vendido más de un millón de copias en toda Europa.

David Bisbal nació el 5 de junio de 1979 en Almería, España. Sus padres son José Bisbal, boxeador profesional que fue campeón de España de peso gallo y pluma[1] y formó parte de un trío de músicos flamencos, y María Ferre Montoya. Es el menor de tres hermanos, un hermano llamado José María y una hermana llamada María del Mar. De niño, Bisbal mostró talento para la interpretación, pero siempre fue muy tímido a la hora de hacerlo en público.

Bisbal estudió en el instituto IES Al-Andalus de Almería, pero abandonó los estudios en su penúltimo año, alrededor de los 15 años. Tras abandonar los estudios, su padre le llevó a trabajar a un invernadero de Almería, que fue su primer empleo conocido. Unos años más tarde conoció al productor de Orchestra Expressions, un grupo popular de Almería. Tras escuchar y descubrir su calidad vocal, el productor le ofreció trabajo como cantante principal del grupo.

David Bisbal – ASK:REPLY (Mercedes)

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Bisbal revolucionó el panorama musical con un concierto acústico sin precedentes en un Teatro Real de Madrid que agotó todas las entradas. Bisbal se entregó en cuerpo y alma a su eufórico público, que abarrotó todos los pasillos del Teatro Real durante un concierto espectacular.

Es una actuación absolutamente impresionante, ¡ojalá hubiera estado allí! Por suerte, la grabación es magnífica; realmente se percibe el espacio y el entusiasmo del público. Si le gusta la música pop latina interpretada con aspiraciones acústicas, descubrirá que Bisbal supera los acompañamientos musicales y añade «corazón y alma» a la música. (Equipos de reproducción: Sony Vaio de estado sólido, Foobar 2000, auriculares Monster Cable turbine pro; EMM Labs DAC 2, amplificadores Conrad Johnson, altavoces Piega). Regálate un CD, no descargas.

David bisbal silencio en directo

El último álbum de David Bisbal, En tus planes, que entró directamente al número uno de las listas de ventas en España, ya es triple disco de platino. Tras recibir el Premio Odeón 2021 al mejor álbum de pop, el intérprete español recorrerá el país, así como otras ciudades de Europa, Latinoamérica, México y Estados Unidos, para interpretar las canciones de este disco y su repertorio compuesto por sus éxitos más queridos. Un directo que sorprenderá al público de principio a fin y que no dejará tiempo para recuperar el aliento. El público se contagiará de la enorme energía de David Bisbal y no parará de cantar y bailar durante toda la actuación.

Ganador de 3 Grammy Latinos, 3 Billboard Latinos, 3 World Music Awards y 2 Premios Ondas, David Bisbal ha reunido más de 80 premios internacionales durante sus más de 20 años de carrera musical, así como 11 discos de diamante, vendiendo además más de 5 millones de entradas para más de 1000 conciertos en todo el mundo. El artista español ha actuado en escenarios legendarios como el Royal Albert Hall de Londres, el Barclays Center de Nueva York o el Teatro Real de Madrid, y ha colaborado con artistas como Alejandro Sanz, Miley Cyrus, Rocío Jurado y Rihanna.

Obertura de La cenerentola

La Cenerentola – Cenicienta. La ópera de Rossini es un caramelo de fuegos artificiales musicales. Todos conocemos la historia. Una joven se ve obligada a servir como criada en su propia casa. Su familia es cruel y la trata como a una sirvienta. Pero llega un príncipe y, con la ayuda de un hada (…en la ópera de Rossini es un viejo filósofo), se gana su corazón. Rossini se encontraba en un periodo de intensa productividad, pero aun así consiguió crear un maravilloso acontecimiento musical que se extendió como la pólvora tras el estreno. Hoy en día, La Cenerentola es su segunda ópera más representada, después de El barbero de Sevilla. Sin embargo, durante muchos años la situación fue a la inversa.

Jacopo FerrettiLa Cenerentola contra Cenicienta.Ferretti y Rossini utilizaron como base Cendrillon de Charles Perrault, aunque la historia básica se puede encontrar en todo el mundo, y tan atrás en el tiempo como antes de la era común.Si ha visto la versión animada de Disney de 1950, aquí hay algunas cosas diferentes. Las elecciones se hicieron para encajar mejor en el nicho de la ópera cómica. También era importante minimizar cualquier riesgo de ser censurada o, peor aún, prohibida. La policía moral de la iglesia católica romana era un poderoso oponente para cualquier compositor con ideas.

La cenerentola teatro real duración ópera

Vuelve la efervescente versión de Rossini de la historia de Cenicienta, con la mezzosoprano en ascenso Tara Erraught en el papel principal y el tenor sensación Javier Camarena como su príncipe azul. James Gaffigan dirige la animada acción, que también cuenta con el bajo-barítono Maurizio Muraro como el torpe Don Magnífico, el bajo-barítono Christian Van Horn como el benevolente Alidoro, y el barítono Vito Priante como el astuto sirviente Dandini.

Estreno mundial: Teatro Valle, Roma, 1817. La historia es sencilla: Una joven es denigrada por su propia familia, pero finalmente exaltada por un príncipe que ve su verdadero valor. La versión operística de Rossini del cuento de Cenicienta («Cenerentola» en italiano) es encantadora, hermosa y conmovedora en algunos momentos, trascendiendo sus raíces como cuento de hadas infantil y convirtiendo la transformación de la heroína del título en una transformación de carácter y no en un estereotipo.

Gioachino Rossini (1792-1868) fue el compositor de ópera más importante del mundo en su época. En sólo dos décadas, creó más de 30 obras, tanto cómicas como trágicas, antes de dejar inexplicablemente de componer óperas en 1829, a la edad de 37 años. Jacopo Ferretti (1784-1852), poeta que también escribió libretos para Donizetti y otros compositores, fue el autor del texto de La Cenerentola, adaptación del cuento clásico del escritor Charles Perrault (1628-1703).

La verdadera historia de Cenicienta

El Teatro Real comenzó su temporada de ópera 2021-2022 con este popular título de Rossini, que regresa a Madrid tras 20 años de ausencia. Esperemos que esta nueva temporada sea también una temporada más normal después del año anterior en el que la pandemia perjudicó a las programaciones de todos los teatros.

Se inaugura así la centésima temporada de ópera del Teatro Real, y las representaciones de La Cenerentola están dedicadas a la inolvidable Teresa Berganza, cantante rossiniana emérita y Angelina para el recuerdo.

Los teatros de ópera suelen dar mucha importancia al inicio de temporada con grandes estrellas en los papeles principales, pero no me parece que haya sido el caso aquí. También es habitual que en la apertura de temporada se encarguen nuevas producciones, pero este montaje procede de la Den Norske Opera y la Opéra National de Lyon (Oslo y Lyon respectivamente). Se estrenó en la capital noruega en 2017 y pudo verse después en Lyon y en el Festival de Edimburgo.

Stefan Herheim es el director, y no recuerdo haber visto antes producciones suyas en Madrid. Esta parece un homenaje al director francés Jean-Pierre Ponnelle -al principio de la ópera coinciden en su planteamiento-. Durante la obertura, una joven está barriendo el escenario, cuando aparece Rossini, que está preparando su nueva ópera, y decide hacer La Cenerentola con la chica como protagonista. El propio Rossini asumirá el personaje de Don Magnífico.

Significado de Cenicienta

Según el relato del libretista Jacopo Ferretti, la génesis de esta obra -cuyos aspectos literario y musical se crearon con sorprendente rapidez- comenzó en diciembre de 1816. Rossini se encontraba en Roma y se le encargó escribir una nueva ópera para el Teatro Valle, que debía representarse el día de San Esteban. Un libreto existente, Francesca di Foix, había sido inesperadamente vetado por el censor papal, lo que no dejaba tiempo para modificar el texto de modo que satisficiera a todas las partes implicadas (censura, empresario y autores). Había que encontrar un sustituto.

Ferretti, a pesar de albergar cierta animadversión hacia Rossini (el maestro había rechazado un libreto suyo para El barbero de Sevilla), se reunió con el compositor y el empresario Cartoni y aceptó unirse al proyecto. Sin embargo, cuando empezó a sugerir temas para la nueva obra, uno tras otro fue rechazado: demasiado serio para la temporada de Carnaval en la que se estrenaría la ópera; demasiado frívolo; demasiado caro y difícil de montar. Ferretti propuso más de dos docenas de temas sin éxito.

Plano de asientos de Carré amsterdam

Una adaptación escénica de Jack Thorne | Basada en la novela sueca y la película de John Ajvide Lindqvist | Dirigida por John Tiffany | Director asociado/movimiento Steven Hoggett | El Teatro Nacional de Escocia Producción en asociación con Marla Rubin Productions y Bill Kenwright | Teatro Roda | 20 de mayo-25 de junio de 2023

Escrita por Lauren Yee | Con canciones de Dengue Fever | Dirigida por Chay Yew | Una producción de Signature Theatre | En asociación con Alley Theatre, Arena Stage, ACT Theatre/5th Avenue y Center Theatre Group | Roda Theatre | 25 de febrero-2 de abril de 2023

Teatro de Plymouth

Aunque nuestro paquete de 5 espectáculos ya no está disponible, nos complace ofrecerle nuestro paquete especial SHOW TRIO (la compra del paquete sólo está disponible hasta el 1 de febrero de 2023). El paquete incluye entradas para CLUE: ON STAGE, MATILDA THE MUSICAL, Y SINGIN’ IN THE RAIN, ¡todo por 99 $!

Este encantador clásico moderno de Disney ha conquistado los corazones de niños y adultos de todo el mundo. Frozen Jr. de Disney, una historia de amor verdadero y aceptación, da vida en el escenario a la mágica tierra de Arendelle y a sus adorables personajes, como Anna, Elsa, Olaf, Kristoff y Sven. Basado en el musical de Broadway de 2018, Disney’s Frozen Jr. incluye todas las canciones memorables de la película de animación y varias nuevas en una aventura musical inolvidable y divertida que todos disfrutarán.

Mientras 2nd Stage se toma un descanso esta temporada para algunas mejoras muy necesarias en la casa, están llevando sus espectáculos a la comunidad para un Festival de Teatro Fringe de dos semanas en Royal Oak en Five15 en Washington Ave y en Ferndale en Affirmations en Nine Mile Rd. Fieles a la tradición de 2nd Stage de poner en escena lo no tradicional, estos espectáculos especialmente seleccionados van desde estrenos locales a revistas musicales. Puede adquirir espectáculos individuales o comprar un paquete. Todos los espectáculos tienen un contenido clasificado como «maduro».

Teatro programa amsterdam

En muchos sentidos, la próxima temporada de ópera será una época de nuevos comienzos, representados no sólo por el inicio del mandato de Lorenzo Viotti como director titular, sino también por la gran variedad de proyectos que figuran en el programa. En palabras de la directora de la DNO, Sophie de Lint: «Más que nunca, estamos comprometidos a explorar la urgencia de la ópera».

En muchos sentidos, la próxima temporada de ópera será una época de nuevos comienzos, representada no sólo por el inicio del mandato de Lorenzo Viotti como director titular, sino también por la gran variedad de proyectos programados. En palabras de la directora de la DNO, Sophie de Lint: «Más que nunca, estamos comprometidos a explorar la urgencia de la ópera».

En muchos sentidos, la próxima temporada de ópera será una época de nuevos comienzos, representada no sólo por el inicio del mandato de Lorenzo Viotti como director titular, sino también por la gran variedad de proyectos programados. En palabras de la directora de la DNO, Sophie de Lint: «Más que nunca, estamos comprometidos a explorar la urgencia de la ópera».

Esta perspectiva puede apreciarse en las dos producciones con las que el maestro Viotti abre la temporada, al frente de «su» Orquesta Filarmónica de los Países Bajos. La temporada comenzará con Der Zwerg, de Zemlinsky, una obra maestra absoluta, dirigida por el renombrado director de cine y teatro holandés Nanouk Leopold. Será su primera incursión en la ópera. Es una obra impresionante que consigue unir el poder de la ópera a un tema urgente y profundamente humano: ¿cómo tratamos a los demás?».

Teatro Delamar

Con un estreno mundial, dos éxitos del teatro y la pantalla, una obra premiada en Broadway, una obra favorita de los fans, una obra de una nueva voz del teatro americano y una celebración musical reimaginada.

Mylinh tiene la oportunidad de impulsar su carrera y hacer contactos importantes en su nuevo hogar en Washington DC – todo lo que tiene que hacer es traducir una simple cena de encuentro entre los padres de sus amigos – suegros americano y vietnamita. Cuando las dos parejas chocan en el transcurso de la velada, Mylinh debe navegar y desactivar la incómoda y complicada política cultural, nacional y social entre los dos países que conforman su propia y única identidad.

Una disputa familiar de proporciones imperiales. Ambientada en las Navidades de 1183, León cuenta la perversamente divertida historia del rey Enrique II, su reina encarcelada, Leonor de Aquitania, y sus tres hijos con derechos y doblez que compiten por el trono. Más conocido por la adaptación cinematográfica protagonizada por Peter O’Toole y Katharine Hepburn, este drama viciosamente divertido es una partida de ajedrez de alto riesgo en la que las piezas cambian constantemente y nadie se libra de la espada. Traición, alevosía y luchas a muerte: ¡otra alegre Navidad de la Familia Real!

Teatro real madrid führung

DescripciónInformaciónEl teatro de la ópera de Madrid, diseñado por el arquitecto Antonio López Aguado durante el reinado de Isabel I, fue inaugurado en 1850 (aunque la primera piedra se colocó el 23 de abril de 1818). Situado a un paso de la Puerta del Sol, el edificio fue uno de los principales teatros de Europa durante más de 75 años, hasta que en 1925 se consideró inseguro y cerró durante 41 años. En 1966 se reabrió como sala de conciertos con la Orquesta Nacional de España como orquesta titular. En 1977 fue declarado Monumento Nacional y en 1997, tras 7 años de obras, el Teatro Real volvió a ser sede de la ópera madrileña.

El edificio presenta una combinación de estilos arquitectónicos. Sin embargo, la joya de la corona del teatro es su espacio escénico de 1.472 m². Es el corazón de la ópera y permite cambios escenográficos muy complejos gracias a sus 18 plataformas articuladas que permiten múltiples combinaciones tanto en el escenario como en el foso de la orquesta. Con un aforo de entre 1.748 y 1.854 localidades, en función de las necesidades escénicas, el teatro cuenta con 28 palcos en sus diferentes plantas, además de ocho palcos de proscenio y un palco real de doble altura.

Opera madrid entradas

El Teatro Real tiene algunos asientos con visibilidad reducida o nula, y algunos asientos que no son tan cómodos como otros. Estos se pueden encontrar en el plano de Asientos, y también están claramente marcados durante todo el proceso de compra de entradas. En cualquier caso, si tiene dudas sobre qué asientos comprar, siempre puede comprobar la vista en 3D desde los asientos antes de comprar.

Si compró las entradas por teléfono, puede recogerlas en las máquinas situadas en el vestíbulo principal del teatro utilizando la tarjeta de crédito o débito con la que realizó la compra. La entrada principal se encuentra en la Plaza de Oriente, s/n. Si tiene algún problema, puede solicitar ayuda a cualquier empleado de la taquilla.

Según las condiciones de compra de entradas en el Teatro Real, una vez adquiridas las entradas, éstas no podrán ser cambiadas, devueltas o anuladas. La excepción es el sistema de devolución de entradas reservado exclusivamente a los abonados de danza y ópera (el resto de abonos no están incluidos).

Por razones técnicas, artísticas, de fuerza mayor u otras circunstancias ajenas a su voluntad, el Teatro Real se reserva el derecho de cancelar funciones y cambiar fechas, horarios, espectáculos o algún miembro del elenco ya anunciado.

Teatro real concierto

El Teatro Real de Madrid es más conocido como Teatro Real. Fue diseñado principalmente para funcionar como un gran concierto para albergar ópera. Inicialmente, el teatro fue el mayor anfitrión de la Orquesta Nacional de España, además de albergar numerosas actuaciones de Salvador Dalí, el músico español mundialmente célebre. Más tarde, el teatro fue renovado con la incorporación de técnicas de diseño especiales que facilitaban al público tener una visión completa de la representación en curso, independientemente de su posición respecto al escenario del concierto.

El Teatro Real acoge anualmente más de 15 espectáculos de ópera de producción propia o europea. También acoge a lo largo del año numerosos grandes conciertos de ballet y concursos de recitación. El equipo y toda la unidad de funcionamiento de la orquesta del Teatro Real es la Orquesta Sinfónica de Madrid, reconocida internacionalmente.Consejos para viajar al Teatro Real

Horario taquilla teatro real 2021

Explore sus espacios, salones y el Palco Real a su ritmo con nuestra visita audioguiada. Pasee tranquilamente escuchando la historia oculta a cada paso desde su propio teléfono móvil, disponible en español e inglés.

Basada en los aspectos técnicos de la construcción del Teatro Real, como los movimientos de tarimas y palos, el montaje y construcción de decorados, el proceso de preparación de un escenario de ópera (montaje y desmontaje), instalación de la concha acústica.

*Se aconseja estar 10 minutos antes del comienzo de la visita. La puntualidad es esencial. Una vez iniciada la visita, no se podrá acceder a la misma e implica la pérdida del derecho a realizarla.

Basada en el montaje de una representación de ópera desde el punto de vista artístico: cómo se montan los ensayos (individuales y de conjunto), cuáles son las funciones de los departamentos de caracterización y vestuario (tanto antes como durante la representación), cómo se organiza la entrada al escenario, cuál es el papel de los comisarios, cómo son los camerinos por dentro, etc. Además, se proporcionará información artística sobre la producción actualmente en cartel (vestuario, disposición de los intérpretes, etc.) y sobre la producción que se está preparando, con una visita a la sala de montaje.

Guía de viaje de Puebla – Deambulando por el México magnífico

El extravagante teatro de Loughborough, con capacidad para 500 espectadores y situado en los encantadores Cotswolds, se ha consolidado como el lugar al que acuden los wagnerianos de todo el mundo. He informado desde allí en varias ocasiones desde 1999 y he disfrutado viendo cómo se ganaba la envidiable reputación que tiene ahora. Las instalaciones escénicas siguen siendo limitadas, pero hay que ir por la música, y ahora se pueden escuchar -de la mano del incomparable Anthony Negus y su orquesta- algunos de los mejores Wagner que se pueden oír en cualquier lugar.

Durante la obertura conocemos a una Senta obsesionada por la historia del Holandés Errante y su semejanza en el libro que no puede dejar. La página con su retrato es arrancada más tarde y Senta intenta clavarla cerca de su corazón antes de que, al final de la ópera, se apuñale a sí misma con -supongo- cualquier cosa con la que intentara hacerlo. Mientras oímos el tema de la redención, el Holandés vuelve para acunarla en sus brazos.

La voz del fornido y barbudo Simon Thorpe tardó un poco en centrarse durante «Die Frist ist um», pero fue de menos a más. Al principio, la idea de Guthrie se centra claramente en el holandés como forastero -o «judío errante», si se quiere- que busca asimilarse a una comunidad. Thorpe fue convincente vocal y dramáticamente, desde su primer y lento paso a la acción hasta su ira y resentimiento por la aparente traición de Senta al final.

El mundo sobrehumano de Wim Hof: El Hombre de Hielo

En estos tiempos de crisis, la gente se concentra en los fundamentos de su religión. En esta producción, nos concentramos en los fundamentos de la ópera: en Verdi y en su música. Escuchamos a la orquesta, contemplando lo que significa el Templo . Cuando el coro se reúne y rompe a cantar, el impacto es explosivo.

Pero Nabucco no es nada sin los coros. Como siempre, los coros de la Royal Opera House, dirigidos por Renato Balsadonna, estuvieron excelentes. Como no se les exigió que alardearan de «actuación», pudimos apreciar su canto. «Va, Pensiaro» se escenificó con tanta sencillez que pudimos escuchar cómo las voces se fundían como instrumentos de una orquesta. Una luz pura y limpia brillaba desde arriba, realmente «ove olezzano tepide e molli, l’aure dolci». Se hizo un gran esfuerzo para conseguir los equilibrios y las posiciones correctas. Estos coros, y el juego orquestal a su alrededor ilustraron el significado de esta ópera.. Los dioses de Babilonia son estructuras huecas que no pueden perdurar. Los hebreos sobreviven juntos porque tienen ideales más elevados y nobles.

Whitaker Point Hike- Bosque Nacional de Ozark- Arkansas

El Holandés Errante de Wagner es un cuento no sólo sobre la redención a través del amor, sino también sobre la desamparada situación de los seres humanos frente a fuerzas sobrenaturales obstinadas y vengativas. En manos de Wagner, el mítico Holandés, en lugar de ser un recolector de almas errantes en el mar, se ha convertido en un intrépido aventurero condenado al eterno vagabundeo marítimo. Los tres protagonistas -el Holandés, Senta y su antiguo amante Erik- están unidos por un destino de desplazamiento y alienación, y encarnan la idea de «Sehnsucht» (anhelo o añoranza). El solitario holandés busca claramente la paz terrenal; el enamoramiento de Senta por un marino legendario al que nunca ha conocido la aparta de sus compañeros; y al despechado Erik, cazador entre una comunidad de marineros, probablemente le resulte difícil integrarse.Se ha escrito mucho sobre la importancia de la obra en el desarrollo operístico en general, y su lugar en el estilo del drama musical de Wagner en particular. Sin embargo, para el público, su verdadera importancia radica en ser un sucinto anticipo de la vasta y cada vez más exigente producción de Wagner. Con una duración de menos de dos horas y media, no requiere una resistencia sobrehumana para disfrutarla, y si se suspende la incredulidad sobre la verosimilitud de la trama, El Holandés Errante es un poderoso drama con una música convincente.

El holandes errante teatro real online

La emisión del 9 de mayo de 2020 de esta producción en 98.1 KING FM se grabó originalmente el 14 de mayo de 2016. Cuenta con Greer Grimsley como el Holandés y Wendy Bryn Harmer como Senta. La lista completa del reparto está disponible más abajo.

ROMANCE MÍTICO. MÚSICA ÉPICA. El Holandés, un marinero fantasmal condenado a vagar por toda la eternidad, pisa tierra cada siete años en busca de una novia que pueda traerle la paz. En un pequeño pueblo pesquero noruego encuentra a Senta, una joven obsesionada con su leyenda. ¿Podrá el poder del amor verdadero romper la maldición y poner fin a su sufrimiento?

Más de 125 artistas del Coro de la Ópera de Seattle y de la Orquesta Sinfónica de Seattle actúan junto a los cantantes principales en esta producción de larga duración. Las arrolladoras orquestaciones de Wagner, que recuerdan a la banda sonora de una superproducción cinematográfica, evocan el poder del mar.

Daland, un capitán de barco, echa el ancla cerca de su puerto natal y ordena al timonel que vigile. El hombre, cansado, se queda dormido y no ve la llegada del barco del holandés, que fondea junto a la nave de Daland. Cuando Daland descubre el extraño barco, llama a su capitán, que se identifica simplemente como «un holandés» y ofrece una rica recompensa por una noche de alojamiento. A continuación, ofrece su fabuloso tesoro como dote por la mano de la hija de Daland, que acepta encantado.

TRISTAN UND ISOLDE Teatro Real (Madrid) 2

El tenor Joel Prieto, nacido en Madrid y criado en Puerto Rico, regresa a su isla para clausurar el Festival Casals 2018, dirigido por el director artístico de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, Maximiano Valdés. El evento apela al apoyo y la comprensión internacional, tras la tragedia ocurrida recientemente en Puerto Rico, al ser asolado por los huracanes Irma y María. «Juntos estamos luchando por recoger los pedazos de nuestro país», afirma Prieto, «y la actividad musical, que reconforta el alma y da fuerzas a la gente para seguir adelante, es muy importante en momentos como estos.» Prieto acudirá al Festival Casals para actuar en la ceremonia de clausura, en la que cantará el Réquiem de Mozart el 17 de marzo junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, el Coro Filarmónico de San Juan y solistas como la soprano Zulimar López, la mezzosoprano Celia Sotomayor y el bajo Hermán Iturralde.

El tenor viajará al Caribe en un descanso entre sus representaciones de la ópera Street Scene de Kurt Weill en el Teatro Real de Madrid (que se estrenó en febrero y volverá al teatro madrileño en mayo y junio). En abril asumirá el papel de Don Ottavio en la ópera Don Giovanni, también de Mozart, cuando regrese a la Ópera Nacional de Santiago de Chile. Posteriormente, a principios de mayo, regresará a Puerto Rico para ofrecer un concierto con el Coro de Niños de San Juan.[:de]

Verdi – Requiem – Confutatis maledictis – Maharram Huseynov

El tenor inglés Jeremy Ovenden, reconocido como uno de los mejores intérpretes de Mozart del mundo, ha colaborado en el escenario y en el estudio de grabación con Daniel Barenboim, Fabio Biondi, Ivor Bolton, Myung-Whun Chung, Alessandro De Marchi, Nikolaus Harnoncourt, René Jacobs, Ton Koopman, Marc Minkowski, Riccardo Muti, Sir Simon Rattle y muchos otros destacados intérpretes.

Los proyectos de las últimas temporadas incluyen el Réquiem de guerra de Britten con la Orquesta Sinfónica de Amberes bajo la dirección de Philippe Herreweghe y su Serenata para tenor, trompa y cuerdas con la Filarmónica de Bamberg, Zaide de Mozart con la Orquesta de la Radio de Múnich bajo la dirección de Rinaldo Alessandrini, el Réquiem de Mozart con la Orquesta de Filadelfia bajo la dirección de Bernard Labadie, el Oratorio de Navidad de Bach en Bergen y Stavanger y el papel principal en Idomeneo de Mozart en el Teatro Real de Madrid. Jeremy Ovenden interpretó la Harmoniemesse nº 14 en si bemol mayor (Hob: XXII) de Haydn bajo la batuta de Fabio Biondi en el Festival Herbstgold de Eisenstadt y, junto con Jonathan Cohen y su Arcangelo Ensemble, Theodora de Haendel en el Konzerthaus de Viena. En la ópera, es especialmente solicitado para La Clemenza di Tito de Mozart, cuyo papel principal ha encarnado en varias nuevas producciones en el Theater an der Wien, así como en los teatros de ópera de Rennes, Nantes y Angers. En el campo de los conciertos, Jeremy ha interpretado El Mesías de Haendel en la Wiener Musikverein, la Misa en si menor de Bach con la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y la Pasión de San Mateo de Bach con la Orquesta Filarmónica de Rotterdam.

LA Opera Chorus – Mozart Las Bodas De Fígaro

Otros hitos incluyen la Serenata de Britten y su Réquiem de Guerra con la Orquesta Filarmónica de Estrasburgo y la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, el Réquiem de Mozart en el Festival Internacional de Edimburgo y los Proms de la BBC bajo la dirección de Iván Fischer y la Orquesta del Festival de Budapest, Las Estaciones de Haydn con la Orquesta Sinfónica de Londres, la Deutsches Symphonie Orchester bajo la dirección de Andrew Manze, el Gabrieli Consort bajo la dirección de Paul McCreesh (también documentado en una grabación) y con la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks bajo la dirección de Sir Simon Rattle. El repertorio de concierto de Jeremy Ovenden también incluye obras como Elijah y The First Walpurgis Night de Mendelssohn, Missa solemnis de Beethoven, The Dream of Gerontius de Edward Elgar y L’enfance du Christ de Hector Berlioz. Jeremy Ovenden también actuó como solista bajo la dirección de René Jacobs en los oratorios Saul, Il trionfo del Tempo e del Disinganno y La Resurrezione de George Frideric Handel.

Jeremy Ovenden ha interpretado obras de Johann Sebastian Bach, entre ellas como solista en su Oratorio de Navidad con la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Vladimir Jurowski, como Evangelista en la Pasión de San Mateo con la Filarmónica de Rotterdam, como Evangelista en la Pasión de San Juan con la WDR Sinfonieorchester, y como tenor (arias) en la Pasión de San Mateo con la Royal Concertgebouw Orchestra bajo la dirección de Ivor Bolton.

RÉQUIEM MOZART TEATRO REAL ARANJUEZ CAMERATA

A menudo, al escuchar los primeros compases del Réquiem, se tiene la sensación de estar escuchando la noche más oscura del alma, cuyo consuelo llega con la entrada de la soprano solista. De antemano, cabría esperar que los efectos visuales concebidos por Castellucci estuvieran a la altura. En cambio, nos lleva de la muerte a la vida y a la conciencia final de la muerte. En la escena inicial, una mujer yace muerta en su cama, sola en un escenario negro. A medida que se desarrolla el «réquiem», el escenario se vuelve completamente blanco, la vida renace literalmente ante nosotros. Castellucci puebla su escenario con decorados mínimos. En su lugar, utiliza a los cantantes del Ensemble Pygmalion, así como a los solistas y a un cuerpo de bailarines del PNSD Rosella Hightower, para crear imágenes escénicas en constante evolución.

En varios aspectos, se trata de una puesta en escena hermana del Moses und Aron madrileño de Castellucci, en la limpieza inicial de los visuales, el uso de las fuerzas corales para crear cuadros escénicos, así como el uso de la pintura combinada con leyendas en el fondo del escenario para ambientar la escena. Lo que sorprende inicialmente es el uso de la danza folclórica. La idea de que el coro baile el «dies irae» puede parecer extraña en un principio, pero lo consigue en dos aspectos: magnifica el atletismo balletístico de la propia música y, además, en lugar de encontrar el miedo en la muerte, encuentra la vida. Es un recordatorio de que, incluso en los momentos más oscuros, la vida continúa, y de que el duelo también puede ser un momento de celebración comunitaria de los recuerdos del pasado.

Aida teatro real

DescripciónInformaciónEl teatro de la ópera de Madrid, diseñado por el arquitecto Antonio López Aguado durante el reinado de Isabel I, fue inaugurado en 1850 (aunque la primera piedra se colocó el 23 de abril de 1818). Situado a un paso de la Puerta del Sol, el edificio fue uno de los principales teatros de Europa durante más de 75 años, hasta que en 1925 se consideró inseguro y cerró durante 41 años. En 1966 se reabrió como sala de conciertos con la Orquesta Nacional de España como orquesta titular. En 1977 fue declarado Monumento Nacional y en 1997, tras 7 años de obras, el Teatro Real volvió a ser sede de la ópera madrileña.

El edificio presenta una combinación de estilos arquitectónicos. Sin embargo, la joya de la corona del teatro es su espacio escénico de 1.472 m². Es el corazón de la ópera y permite cambios escenográficos muy complejos gracias a sus 18 plataformas articuladas que permiten múltiples combinaciones tanto en el escenario como en el foso de la orquesta. Con un aforo de entre 1.748 y 1.854 localidades, en función de las necesidades escénicas, el teatro cuenta con 28 palcos en sus diferentes plantas, además de ocho palcos de proscenio y un palco real de doble altura.

Madrid oper spielplan

El Real Frente al Palacio Real se encuentra el Teatro Real, el principal teatro de ópera de España. Inaugurado en el cumpleaños de la Reina Isabel II en 1850, ha sido durante mucho tiempo un teatro de primera categoría: su acústica es aclamada como una de las mejores del mundo, y su decoración conserva un aire lujoso del siglo XIX tras una remodelación en los años 90.Tras pasar un tiempo como sala de conciertos -acogió el concurso de Eurovisión en 1969, con una escultura escénica de Salvador Dalí-, el Real ha vuelto a sus raíces como lugar para la ópera, con unas 17 producciones al año, además de algunos títulos de ballet y recitales clásicos. También es la sede de la Orquesta Sinfónica de Madrid.Entre bastidoresSi no está aquí para asistir a un concierto, hay una variedad de visitas diarias que operan en este Monumento Nacional oficial. Una «visita artística» permite al público -que antes no tenía acceso a las entrañas del teatro- descubrir dónde se produce la magia detrás de una producción de ópera, en los talleres de vestuario y escenografía, ensayos y camerinos. La «visita técnica» abarca la preparación del escenario y la acústica. Por supuesto, si está aquí para ver un espectáculo, puede asistir a una amplia gama de óperas, a menudo protagonizadas por grandes estrellas como Plácido Domingo. Las butacas más baratas están lejos del escenario, pero la acústica es magnífica y en las paredes superiores se proyectan imágenes en directo para que todo el mundo tenga una buena visión de la acción.

Die nase teatro real

El Teatro Real fue nombrado Compañía de Ópera del Año en la última edición de los Premios en 2021 y, para celebrar este reconocimiento, la compañía de ópera ofreció acoger los Premios en su histórico teatro de Madrid.

Los Premios Internacionales de Ópera 2022 se celebrarán el lunes 28 de noviembre e incluirán actuaciones de las principales estrellas de la escena operística con la orquesta del Teatro Real bajo la dirección de Maurizio Benini.

«Los International Opera Awards siempre han sido internacionales, con ganadores de todo el mundo, ya que la ópera es una de las formas de arte más internacionales. En todas las producciones operísticas participan talentos de todo el mundo que se reúnen para crear la magia que sólo la ópera proporciona. Agradecemos a nuestros colegas del Teatro Real que se hayan ofrecido a acoger los Premios de este año y esperamos poder mostrar y celebrar el mejor talento operístico».

Los nominados anunciados hoy proceden de más de 30 países, lo que refleja la verdadera naturaleza internacional y colaborativa de la ópera y de los International Opera Awards. Artistas, producciones y compañías de toda Europa y Norteamérica se unen a los de Ucrania, Sudáfrica, Corea del Sur, Uzbekistán, Samoa, Chile, México, Australia, Turquía, Lituania y Rusia.

Teatro real tristan

DescripciónInformaciónEl Teatro Real acoge el 5 de mayo la actuación de Vicente Amigo, referente indiscutible de la guitarra flamenca. En esta ocasión, subirá al escenario acompañado por músicos de primer nivel para interpretar sus personales composiciones que le han convertido en un referente de la guitarra flamenca en el panorama actual.

Nacido en Guadalcanal, Sevilla, en 1967, Vicente Amigo alineó su destino con la guitarra desde la infancia y encontró en ella una forma de vida. Su carrera musical comenzó con la publicación de los discos De mi corazón al aire (1991), Vivencias imaginadas (1995) o Poeta (1997), este último con textos de Rafael Alberti. Alcanzó la cima de su fama en 2000 con Ciudad de las ideas, un álbum inspirado en los poemas del poeta griego Constantin Cavafis, con el que ganó su primer Grammy.

Le siguieron otros discos en solitario, como Un momento en el sonido (2005), Paseo de Gracia (2009), Tierra (2013) o Memoria de los sentidos (2017), con el que ganó otro Grammy Latino y fue nominado a un Grammy americano.

Firedance – Nina Corti y Roby Lakatos

Durante un mes, la Ópera Real de Madrid y la plataforma de descubrimiento de experiencias Fever traen a EE.UU. un estimulante espectáculo de danza, Nueva York y Washington D.C. Con bailarines galardonados de España en el centro del escenario, entre ellos Amador Rojas y Yolanda Osuna como bailarines, Manu Soto y Bernardo Miranda como cantantes, José Tomás Jiménez a la guitarra, Sergio de Lope a la flauta y el saxofón, y Lolo Plantón a la percusión; la actuación en la Parroquia de Harlem -un lugar emblemático que ha acogido eventos multidisciplinares- te lleva a un recorrido por las costumbres españolas. La iglesia se transformó en un local de tablao que, de repente, se sintió original a lo que se puede ver en el Teatro Real de Madrid.

El director general de Fever explica: «Nuestra compañía fue fundada por tres nativos españoles, y estamos orgullosos de traer nuestra cultura, herencia y nuestro estilo favorito de baile a Nueva York este otoño. Estamos encantados de compartir nuestro amor por el flamenco, que fue inscrito en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO en 2010.»

Compañía de Danza Limón – Missa Brevis (extractos)

El flamenco es una expresión de pasión y emoción; con él se honran y celebran los sentimientos que nos hacen humanos. Tanto si es un ávido amante del flamenco como si es la primera vez que lo ve, no hay forma mejor y más auténtica de presenciar de primera mano el poder en bruto de este cautivador arte español.

Admira la asombrosa producción de la Ópera Real de Madrid, la institución de artes escénicas más importante de España. En 2019, fue galardonada como la mejor compañía de ópera del mundo por los International Opera Awards, y descubrirá por qué en Auténtico Flamenco. Con canciones y bailes que viajaron de España a América Latina y viceversa, experimenta un espectáculo vibrante lleno de sensibilidad e imágenes poderosas.

El espectáculo tendrá una duración de 60-70 minutos. Las puertas se abrirán 45 minutos antes de la hora de comienzo indicada en su entrada y le recomendamos que acuda al menos 15 minutos antes de la hora de comienzo. El espectáculo comenzará puntualmente a la hora indicada y las puertas se cerrarán una vez iniciada la representación. En ningún caso se permitirá la entrada tardía.

Compañía de Danza Limón: Del 29 de mayo al 2 de junio de 2019

Idioma de la producción InglésPaís de origen EscociaDescripción En 1635, cuando Pedro Calderón de la Barca, de treinta y cuatro años, escribió La vida es sueño, el Siglo de Oro español estaba en pleno apogeo, produciendo obras maestras de época como la Celestina de Rojas, el Quijote de Cervantes y las luminosas pinturas de Velázquez. Considerada a la altura de Hamlet y El Rey Lear, la fantasía de Calderón, que alerta sobre el espíritu de la época, está plagada de romance, tragedia, intriga, comedia y contemplación moral.

La vida es sueño narra la historia de un desventurado príncipe Segismundo que, encarcelado desde su nacimiento por su padre, que miraba las estrellas, por miedo a que el niño le derrocara algún día, se convierte en rey durante un caótico día. La Royal Lyceum Theatre Company de Escocia, en su debut en Estados Unidos, y el equipo catalán de director/diseñador formado por Calixto Bieito y Carles Pujolwhich, se han enriquecido con esta obra. Esta producción aventurera y maravillosamente cinética (representada en inglés) fue el gran éxito del Festival de Edimburgo de 1998.Identificador 1999f.00670

Clase de pregrado en directo dirigida por Luke Birch

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W.A.Mozart: «Apollo et Hyacinthus» K.38 (1767)

Marc Piollet dirige a la Staatskapelle Weimar con la Séptima Sinfonía de Mahler. Una sinfonía «típicamente» Mahler, que a menudo recibe menos atención entre sus obras hermanas, la sonoramente poderosa Sexta y la grandilocuentemente exagerada Octava.

Al igual que en la temporada 2015/2016, Marc Piollet estará invitado en Belgrado este año para un compromiso de concierto con la Orquesta Filarmónica de Belgrado. Esta vez -más concretamente, el 8 de noviembre de 2019- con un programa que dejará clara la conexión histórico-musical de Berlioz con Beethoven: A la Primera Sinfonía de Ludwig van Beethoven le seguirá la Sinfonía fantástica de Hector Berlioz, inspirada sobre todo en la obra de Beethoven y considerada una de las piezas más importantes del programa.

En 2014, Marc Piollet ofreció un debut operístico grabado con entusiasmo en Cincinnati con Carmen, de Bizet. The Enquirer escribió: «Una de las estrellas de la noche fue la Sinfónica de Cincinnati. En el foso, Marc Piollet hizo su debut estadounidense en una matizada interpretación la colorida partitura de Bizet.»

Verdi – Otello – Kunde, Jaho, Petean (Palumbo)

En cualquier caso, representar esta obra el Viernes Santo, cuando los cristianos recuerdan la muerte del nombre más ilustre de su fe, tiene mucho sentido. Sin embargo, ¿cómo conjurar el ambiente necesario para las exequias en medio de un teatro bello, pero no por ello menos recargado y dorado? Esta lectura de la obra por el Coro y la Orquesta del Teatro La Fenice bajo la dirección de Claus Peter Flor iba a verse inevitablemente comprometida por la disposición impuesta: la orquesta repartida por todo el espacio del suelo del auditorio y el coro extendiéndose hacia la zona del escenario en las contrahuellas. Ya es bastante difícil para los cantantes (unos 30 en total) cuando hay distancia de por medio, pero además pedirles que actúen a través del impedimento adicional parecido a la gasa de las máscaras faciales es prácticamente inhumano. Las palabras se perdían a menudo en la confusión del sonido, pero lo más importante es que el ataque, cuando más importaba, sencillamente no se producía.

Flor, oriundo de Leipzig y con edad suficiente para haber sido influido por la escuela de Karl Richter de abordar las obras sacras de forma reverencial, plasmó las líneas de este Réquiem con cuidado y ausencia de manierismos personales. Pero incluso si uno se alegra de que se resten importancia a los elementos teatrales de la partitura, el oído busca constantemente esos detalles instrumentales que permiten que la música cobre vida de verdad. Aunque el oscuro colorido de los fagotes y los cornos di bassetto resonó al principio, y los timbales se hicieron más firmes en el Sanctus que en otras partes, las trompetas tuvieron pocos momentos de celebración y los trombones en el Tuba mirum nunca proporcionaron esa importantísima base de apoyo para complementar la línea del bajo solista. El armonio era visible, pero no audible.

Mozart – Ave verum corpus (Claus Peter Flor)

Otros hitos incluyen la Serenata de Britten y su Réquiem de guerra con la Orquesta Filarmónica de Estrasburgo y la Orquesta Sinfónica Nacional Danesa, el Réquiem de Mozart en el Festival Internacional de Edimburgo y los Proms de la BBC con Iván Fischer y la Orquesta del Festival de Budapest, Las estaciones de Haydn con la Orquesta Sinfónica de Londres, la Deutsches Symphonie Orchester con Andrew Manze, el Gabrieli Consort con Paul McCreesh (también documentado en una grabación) y con la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks con Sir Simon Rattle. El repertorio de concierto de Jeremy Ovenden también incluye obras como Elijah y The First Walpurgis Night de Mendelssohn, Missa solemnis de Beethoven, The Dream of Gerontius de Edward Elgar y L’enfance du Christ de Hector Berlioz. Jeremy Ovenden también actuó como solista bajo la dirección de René Jacobs en los oratorios Saul, Il trionfo del Tempo e del Disinganno y La Resurrezione de George Frideric Handel.

Jeremy Ovenden ha interpretado obras de Johann Sebastian Bach, entre ellas como solista en su Oratorio de Navidad con la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Vladimir Jurowski, como Evangelista en la Pasión de San Mateo con la Filarmónica de Rotterdam, como Evangelista en la Pasión de San Juan con la WDR Sinfonieorchester, y como tenor (arias) en la Pasión de San Mateo con la Royal Concertgebouw Orchestra bajo la dirección de Ivor Bolton.

Mozart : Don Giovanni (Jérémie Rhorer, Philippe Sly, Julie

Ivor Bolton es uno de los directores más distinguidos en el campo del repertorio barroco y clásico; su versatilidad, sin embargo, no tiene fronteras. Grabó una serie de sinfonías de Bruckner aclamadas por la crítica con la Mozarteumorchester de Salzburgo, de la que fue director titular durante 12 años. Además, dirigió Billy Budd, de Benjamin Britten, que recibió el premio a la «mejor producción» de Opernwelt, en el Teatro Real y en el Royal Opera House Covent Garden. Con la Sinfonieorchester Basel, de la que Bolton es Director Titular desde 2016, grabó una serie de obras de Gabriel Fauré. En Madrid ocupa el cargo de Director Musical desde 2015.

Además de sus cargos directivos, Ivor Bolton es Director Laureado de la Mozarteumorchester de Salzburgo, con la que actúa anualmente en el Festival de Salzburgo y en giras, y Director Titular de la Orquesta del Festival de Dresde. Mantiene una estrecha relación con la Bayerische Staatsoper, donde ha dirigido una amplia gama de nuevas producciones, entre las que destacan Monteverdi, Haendel y Mozart desde 1994. Fue galardonado con el prestigioso «Bayerische Theaterpreis» por su destacada labor en Múnich.

Cinderella 2015, Waltz of Love (Instrumental)

Rossini’s Cenerentola is almost the fruit of chance, of the coincidence between the frenetic activity of the composer from Pesaro, the contingent limitations of the production, the demands of theatrical entrepreneurs, the Roman censorship and a skilled librettist. All this led to a version of Perrault’s tale far removed from any magic and supernatural element, to focus on a comedy of entanglement, or what amounts to a dramma giocoso, in which there must be no lack of scene shocks, surprises, but also an evolution of the characters must be emphasized.

The new production of Peter Grimes stands out as the strongest item in Teatro Real’s season, with magnificent staging by Deborah Warner and superb musical direction by Ivor Bolton, with outstanding vocal and dramatic performances.

La Cenicienta: Helena Bonham Carter (El Hada Madrina)

Ingenio galo. Bel canto italiano. Más el toque original y la extravagancia de Pauline Viardot, compositora, cantante e hija del tenor Manuel García, que fue una de las aclamadas estrellas de su época. Todo ello se une para la famosa historia de Charles Perrault que se ha adaptado cambiando algunos de los papeles originales por otros que son una parodia y de lo más divertidos.

Así se ha descrito esta Cenicienta escrita por Pauline Viardot (1820-1910): como una ópera de cámara desenfadada y divertida que redescubre la magia que todos llevamos dentro. El Teatro de la Maestranza, en colaboración con otros tres teatros españoles, no sólo acerca la música a las nuevas generaciones. Con Francisco Soriano como director musical y pianista, nuestros brillantes artistas renuevan La Cenicienta… o Cinderella en inglés.

La Cenerentola.1-3.G.Rossini. Teatro Real de Mad

Narrador: Cenicienta es muy bella y trabajadora. Es buena con su madrastra y con sus hermanastras. Un día reciben una invitación. Hermanastra 1: ¡Madre, léela! Hermanastra 2: ¿Qué dice? Dice… Todas las mujeres están invitadas a un baile. Cenicienta: Oh, quiero ir al baile. Me gusta bailar. Hermanastras: ¿Quieres ir al baile? Debes estar loca. Cenicienta: Sí, quiero ir al baile.Narrador: Cenicienta trabaja duro. Empieza a hacer los vestidos para su madrastra y sus hermanastras. No tiene tiempo para hacer su propio vestido: ¡Nos vamos al baile! Vamos al baile. Madrastra: Si no tienes vestido, no irás al baile: Cenicienta empieza a llorar. Cenicienta: No tengo un vestido bonito. Tengo un vestido feo. No voy a ir al baile.Hermanastras: ¡Qué pena! Nosotras tenemos vestidos bonitos. ¡Adiós! Narrador: De repente, Cenicienta ve a una mujer muy hermosa. Es su Hada Madrina: Ahora tienes un vestido muy bonito: Cenicienta mira su vestido y dice.Cenicienta: Sí, ¡tengo un vestido precioso! Voy a ir al baile. Soy feliz: Recuerda que tienes que volver a las doce. No te olvides. Cenicienta: No, no lo olvidaré. Adiós. Narrador: Cenicienta va al baile, y cuando entra en el palacio todos la miran.Niña 1: ¡Qué chica más guapa! Niña 2: ¿Quién es? Narrador: El apuesto príncipe la mira y dice.

«la cenicienta» – teatro los claveles (múrcia)

Introducción: ¿Cómo presentar y describir la naturaleza y la realización de «La Cenicienta» de la Compañía Lindsay Kemp? ¿Cuál fue el contexto artístico previo a su creación, en 1994? Podríamos averiguar algo más si repasamos los años anteriores de producciones internacionales de la Lindsay Kemp Company, en bloques cronológicos según su orden de creación… aunque en realidad, las representaciones de estas ocho producciones se alternaron unas con otras a petición en orden no cronológico, durante una interminable gira mundial de veinte años.

Podemos tomar el primer bloque como «Flores» en 1974, «Salomé» en 1975 y «El sueño de una noche de verano» en 1979; el segundo bloque como «Duende» en 1980, «Nijinsky» en 1983 y «El gran desfile» en 1984; y en tercer lugar, «Alicia» en 1988 y «Onnagata» en 1990. Lo que nos lleva al borde del dilema de «Cenicienta»: ¿cómo sobrevivir y seguir un agotador y monumental acto de veinte años sin parar?

«Como la mayoría de los niños, Lindsay Kemp descubrió «Cenicienta» a una edad temprana… en su caso, en una tradicional pantomima navideña inglesa con su madre en South Shields, hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, a la edad de cuatro años: ¡un momento histórico de hecho, ya que fue la primera producción teatral en vivo que vio en su vida! Durante el resto de su vida volvió a recordar esa experiencia como una revelación icónica indeleble del poder de la transformación. La idea de un poder mágico que puede transformar la monotonía (o algo peor) de la realidad cotidiana en algo mucho más emocionante siempre ha tocado la fibra sensible de los niños, revelando una profunda necesidad emocional, a través de muchas culturas y muchos siglos … … …

FIMUCITÉ 13 – Entre bastidores. Randy Edelman

Jaime Altozano nació en 1993[2] en el distrito madrileño de Ciudad Lineal[3] Estudió piano en el Conservatorio Profesional de Música Arturo Soria de Madrid, completó dos años en la Universidad Complutense de Madrid con una doble licenciatura en Matemáticas y Física,[4] y estudió producción musical en la Escuela Creativa de Madrid[5][6] Inició su canal de YouTube en mayo de 2017 para ofrecer vídeos educativos musicales gratuitos y digeribles. [7] La creciente popularidad de sus vídeos de temática musical, como sus análisis de bandas sonoras[8] entre las que se encuentra la trilogía de El Señor de los Anillos y vídeos divulgativos sobre música clásica con canciones de Pokémon, Dragon Ball,[9] Los Beatles o La Oreja de Van Gogh,[10] le ayudaron a alcanzar los 187.000 suscriptores a finales de año[11], cifra que duplicó cinco meses después[12].

En octubre de 2017, el profesor de música español Ramón Gener Sala plagió partes del análisis de Altozano en dos vídeos de YouTube (De Pokémon a Bach. Una historia de VOCES y Los Miserables: la Mejor Fuga de BACH) durante un segmento radiofónico titulado Un gesto lo puede cambiar todo[17]. Gener culpó posteriormente a un colaborador del plagio y dijo no conocer la obra de Altozano[18].

Américo canta Creep de Radiohead

Jaime Altozano (nacido: 4 de agosto de 1993 (1993-08-04) [29 años]) es un músico, productor musical y YouTuber español. Es conocido por crear vídeos educativos en YouTube, lo que le ha permitido colaborar con algunos programas de televisión españoles, como Wikileaks (#0) o La mejor canción jamás cantada (La 1).

Nacido en el distrito madrileño de Ciudad Lineal, Altozano estudió piano en un conservatorio, dos años del doble grado en Matemáticas y Física y producción musical en la Escuela Creativa de Madrid[cita requerida] Inició su canal de YouTube en mayo de 2017 con el objetivo de ofrecer una enseñanza musical accesible y gratuita. Sus vídeos sobre temas musicales como análisis de bandas sonoras como la de la trilogía de El Señor de los Anillos o vídeos divulgativos sobre música clásica utilizando canciones de Pokémon, Dragon Ball, The Beatles se hicieron populares.

En octubre de 2017, Ramón Gener Sala publicó Un gesto lo puede cambiar todo que copiaba los análisis De Pokémon a Bach. Una historia de VOCES y Los Miserables: la mejor fuga de BACH de Jaime Altozano. Posteriormente, Ramón Gener culpó de este plagio a un colaborador suyo, y también afirmó desconocer la obra de Altozano.

Lucia di Lammermoor y la armónica de cristal

El público más joven es uno de los pilares fundamentales del Teatro Real, ya que representa el público del futuro. Por ello, el Teatro Real mantiene su compromiso con los jóvenes a través de diversas iniciativas que facilitan vivir la experiencia de la ópera.

En su tercera temporada de actividad, El Real Joven integra todos los proyectos dirigidos a promover oportunidades, eventos y actividades específicas para un público de entre 18 y 35 años en todos los sectores de la sociedad.

Este proyecto incluye la creación de una Comisión de Juventud en la que un grupo de jóvenes talentos de diversos sectores colaborarán y asesorarán en la creación y promoción de iniciativas y políticas dirigidas a construir el público del futuro.

Los jóvenes de hasta 35 años disponen de un área juvenil exclusiva en el Auditorio Principal distribuida en las zonas Platea, Entresuelo y Principal, que les proporciona un espacio propio para poder vivir la experiencia de la ópera. Puedes consultar la ubicación exacta aquí.

Las entradas online de última hora, sujetas a disponibilidad y condiciones, pueden adquirirse a partir de las 14:00 horas del día del espectáculo sólo para Amigos Jóvenes, y a partir de las 16:00 horas para el resto de personas entre esas edades.

Altura de Iggy pop

Nacido James Newell Osterberg, Jr. el 21 de abril de 1947 en Muskegon, Michigan, Iggy Pop es un cantante, compositor, músico y actor estadounidense. Se le considera un influyente innovador del punk rock, el hard rock y otros estilos de música rock.

Pop creció en un parque de caravanas a las afueras de Ypsilanti, Michigan. Hijo único, su madre trabajaba en una fábrica y su padre enseñaba inglés en un instituto de Dearborn. Empezó a llamarse «Iggy» por su primer grupo en el instituto, The Iguanas, del que era batería. La banda hacía versiones de grupos británicos.

Después de matricularse en la Universidad de Michigan, unirse a una banda llamada Prime Movers y trasladarse a Chicago para ser batería del armonicista Big Walter Horton, Pop regresó a Ann Arbor para formar los Psychedelic Stooges. El grupo estaba formado por Ron Asheton a la guitarra, Scott Asheton a la batería, Dave Alexander al bajo e Iggy a la voz. Su primer concierto público fue en 1968 en el Grande Ballroom de Detroit.

La escandalosa personalidad de Iggy en el escenario se inspiró en Jim Morrison y The Doors en Ann Arbor en 1967. Pop fue uno de los primeros artistas en lanzarse al vacío, como hizo en un concierto en Detroit. Otras hazañas sobre el escenario incluyen rodar sobre cristales rotos y vomitar en el escenario.

Iggy pop gira 2023

James Newell Osterberg Jr. (nacido el 21 de abril de 1947), conocido profesionalmente como Iggy Pop, es un cantante, músico, locutor de radio, compositor y actor estadounidense. Llamado el «Padrino del Punk»,[2][3] fue el vocalista y letrista de la banda proto-punk The Stooges, que se formó en 1967 y se ha disuelto y reunido muchas veces desde entonces[4].

Los Stooges, que inicialmente tocaban un rock and roll crudo y primitivo (progresando más tarde hacia un rock más experimental y agresivo), vendieron pocos discos en su encarnación original y se ganaron una reputación por sus actuaciones polémicas, que a menudo incluían actos de automutilación por parte de Pop[5]. Mantuvo una larga relación de colaboración y amistad con David Bowie a lo largo de su carrera, que comenzó con el álbum Raw Power de los Stooges en 1973. Ambos músicos se marcharon a Berlín Occidental para desintoxicarse de sus respectivas adicciones a las drogas y Pop comenzó su carrera en solitario colaborando con Bowie en los álbumes de 1977 The Idiot y Lust for Life, en los que Pop solía aportar las letras. A lo largo de su carrera, se le conoce por sus extravagantes e impredecibles payasadas sobre el escenario, sus letras poéticas y su voz inconfundible[6][7][8] Fue uno de los primeros artistas en lanzarse en picado sobre el escenario y popularizó esta actividad[9][10] Pop, que tradicionalmente (aunque no exclusivamente) actuaba con el torso desnudo, también realizaba payasadas sobre el escenario como rodar sobre cristales rotos y exponerse al público[10].

Iggy pop gira 2022

Comenzó su carrera musical en 1960, originalmente como batería, y formó el grupo proto-punk The Stooges en 1967. Publicó cinco álbumes con la banda antes de aventurarse en un proyecto en solitario en 1977. Ese mismo año publicó sus primeros álbumes en solitario, The Idiot y Lust For Life.

Hasta la fecha ha publicado otros 16 álbumes de estudio en solitario. Con más de 50 años de carrera, es conocido por temas como China Girl, Nightclubbing, Lust for Life y Real Wild Child, y ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Su álbum más reciente, ‘Free’, llegó en 2019.

Echa un vistazo a los shows en vivo confirmados arriba. ¿Iggy Pop no toca en un concierto cerca de ti? Únete ahora a la lista de espera para que te informemos cuando haya nuevas fechas de la gira de Iggy Pop en tu país y accede antes que nadie a las entradas.

Comenzó su carrera musical en 1960, originalmente como batería, y formó el grupo proto-punk The Stooges en 1967. Publicó cinco álbumes con la banda antes de aventurarse en un proyecto en solitario en 1977. Ese mismo año publicó sus primeros álbumes en solitario, The Idiot y Lust For Life.

Iggy pop palacio de cristal

Conocido mundialmente como «La Iguana» y como el artista con uno de los directos más dinámicos e impresionantes de todos los tiempos, Iggy Pop representó el punk de los 70 y el grunge de los 90, construyendo una legendaria carrera musical marcada por el reconocimiento de la crítica y un culto fanático.

Algunos de los álbumes más conocidos del artista son The Stooges, que comenzó con el clásico debut autotitulado de 1969 The Stooges, continuó en 1970 con Funhouse y en 1973 con Raw Power. Mientras que algunos de los álbumes en solitario de Iggy como: Lust For Life, The Idiot, New Values, Zombie Birdhouse, Blah Blah Blah, Brick by Brick, American Caesar y los más recientes: Skull Ring, Preliminaires y Apres, sumados a varias colaboraciones , han cimentado su estatus como un verdadero innovador musical.

Estos han creado sonidos que se han establecido como verdaderos himnos como: The Passenger, o exitosas colaboraciones comerciales como Candy (con Kate Pierson) y sus éxitos en películas de culto (Lust for Life, Repo Man y Death Car).

Universal Music Festival sigue apostando por la calidad de los mejores eventos. Esta vez podremos contar con el mítico artista que dejará huella en Madrid con un espectáculo al que ya estamos acostumbrados, el de Iggy Pop, pero en un recinto tan especial como el Teatro Real, algo incomparable e irrepetible.

Forense – Saturday Night Live

«Podía oír el miedo», cuenta Perry a Netflix, recordando una conversación telefónica con Meghan en la que rompió a llorar ante la perspectiva de vivir en Canadá sin seguridad. «No teníamos un plan», reveló Meghan en la devastadora entrevista de 2021 de los Sussex con Oprah. «Necesitábamos una casa y él [Tyler Perry] también ofreció su seguridad, así que nos dio un respiro para intentar averiguar qué íbamos a hacer».A pesar de su papel clave en una de las mayores historias que ha sacudido a la realeza británica, Perry sigue siendo un desconocido para muchos fuera de Estados Unidos. Pero en su país, y especialmente entre los afroamericanos, Perry es tan famoso como es posible serlo, con un patrimonio neto de mil millones de dólares y una lista de colaboradores que va desde David Fincher al creador de Mrs Brown’s Boys, Brendan O’Carroll. El actor que apareció en el thriller de relaciones nihilistas de Fincher Gone Girl -además de interpretar a Colin Powell en Vice, de Adam McKay, y actuar junto a Leonardo DiCaprio en la tragicomedia eco Don’t Look Up- también ha compartido pantalla con el cómico más cursi de la BBC. Perry hizo algo más que compartir pantalla con O’Carroll: llevó al personaje a su complejo de estudios de Atlanta, Georgia, para un cameo en la película de Netflix de 2022, A Madea Homecoming, protagonizada por Perry en el papel de Madea, una afroamericana equivalente a la señora Brown que se ha convertido en una figura controvertida dentro de la comunidad negra.

La Compañía de Teatro RBC presenta The Trial

Por The Associated PressPUBLICADO: 6 de agosto de 2009 a las 3:40 p.m. | ACTUALIZADO: May 6, 2016 at 9:27 p.m.STURGIS, S.D. – Steven Tyler, de Aerosmith, sufrió lesiones en la cabeza, el cuello y el hombro al caerse del escenario en un concierto en Dakota del Sur, dijo el jueves un portavoz del grupo.

Tyler, de 61 años, se cayó mientras entretenía al público bailando mientras el equipo de sonido sustituía un fusible que se había fundido, explicó Mike Sanborn, portavoz del Buffalo Chip Campground, que acogió el concierto del miércoles por la noche. Un vídeo aficionado le mostró dando vueltas antes de caer del escenario.

Un asistente al concierto dijo que la cabeza de Tyler sangraba y que se sujetaba el hombro tras la caída, pero no estaba claro de inmediato la gravedad de sus heridas. El cantante fue trasladado en helicóptero al Hospital Regional de Rapid City, según Sanborn. El próximo concierto de la banda, previsto para el viernes en Manitoba, fue aplazado.

Steven Tyler – Kennedy Center Honors 2010

Gaynor Sullivan MBE (de soltera Hopkins; nacida el 8 de junio de 1951[2]), conocida profesionalmente como Bonnie Tyler, es una cantante galesa conocida por su característica voz ronca. Tyler saltó a la fama con el lanzamiento en 1977 de su álbum The World Starts Tonight y sus singles «Lost in France» y «More Than a Lover». En 1978, su sencillo «It’s a Heartache» alcanzó el número cuatro en la lista de singles del Reino Unido y el número tres en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

En la década de 1980, Tyler se aventuró en la música rock con el compositor y productor Jim Steinman. Steinman compuso el mayor éxito de Tyler, «Total Eclipse of the Heart», el sencillo principal de su álbum Faster Than the Speed of Night, que alcanzó en 1983 el primer puesto en las listas británicas. Steinman también escribió el otro gran éxito de Tyler en los 80, «Holding Out for a Hero». Tuvo éxito en Europa continental durante la década de 1990 con Dieter Bohlen, que escribió y produjo su éxito «Bitterblue». En 2003, Tyler volvió a grabar «Total Eclipse of the Heart» con la cantante Kareen Antonn. Su dúo bilingüe, titulado «Si demain… (Turn Around)», encabezó las listas francesas.

En la cima del mundo

El tío parece un Steven Tyler Turns 75Walker así? Todavía no. Pero el líder de Aerosmith, Steven Tyler, nacido el 26 de marzo de 1948, sí celebra hoy el gran 7-5. Y eso requiere una gran vela de 10 pulgadas. Después de 53 años con Aerosmith, Tyler sigue en la brecha, que se sepa. Aunque se perdió varias cosas en retirarse de un grupo de la banda 2022 espectáculos de Las Vegas y Aerosmith no tiene fechas de la gira programada. Pase lo que pase en el futuro, el chico malo de Boston ha consolidado su lugar en el panteón del rock. Aerosmith es el grupo prototípico de «Detrás de la música»: empezaron como blues-rockers drogadictos y harapientos, implosionaron y se transformaron en estrellas del pop sobrias y suaves, mientras Tyler se volvía loco en «American Idol» y en la música country. Tiene algunos feos esqueletos en el armario junto con esos juguetes en el desván. Sin embargo, Tyler nunca se da por vencido -nueve vidas y todo eso- y las vacaciones permanentes pueden esperar. 3/26/23

Aerosmith no puede terminar su residencia en Las Vegas- «Steven (Tyler) tiene que quedarse fuera», dice la banda al cancelar los conciertos del 8 y 11 de diciembreAerosmith canceló los dos últimos conciertos de su residencia Deuces are Wild en Las Vegas, citando una enfermedad no especificada de Steven Tyler. Las actuaciones programadas para los días 8 y 11 de diciembre quedan canceladas. Anteriormente, la banda se había retirado de los conciertos del 2 y 5 de diciembre porque Tyler «no se encontraba bien». «Sentimos mucho anunciar que cancelamos estos dos últimos conciertos en Las Vegas», dijo Aerosmith en un comunicado. «Por consejo de los médicos, Steven tiene que ausentarse de estos». Hay reembolsos disponibles. El calendario de conciertos de Aerosmith está ahora vacío. Pero el grupo dio a entender que habrá más en 2023. «Manteneos sanos y nos vemos en el nuevo año». 12/8/22

Taberna del alabardero flamenco

Si ya conoces el significado de Soto Del Barco en español o en otro idioma, por favor contribuye con ello para ayudar a otros usuarios, además puedes editar cualquier dato como género, pronunciación y origen para mejorar la precisión.

Análisis del talento de Soto Del Barco según el número de expresión 3 «Eres optimista, inspirador, extrovertido y expresivo. La gente te ve alegre, positivo y encantador; tu personalidad tiene un cierto rebote y brío que afecta tan poderosamente a los demás que puedes inspirar a la gente sin esfuerzo. Toda esta energía ascendente es un síntoma de su tremenda creatividad. Sus habilidades verbales pueden llevarle a los campos de la escritura, la comedia, el teatro y la música» Análisis interno de Soto del Barco según el número 6 del corazón Eres muy hogareño. Te encanta tu hogar y tu familia y trabajas duro para que ambos estén cómodos y seguros. Tu amor por la familia y los amigos es una de las principales fuentes de tu felicidad y, a veces, de tu infelicidad. Tu deseo de ayudar a los demás es tan fuerte que a menudo te encuentras sacrificando tus necesidades personales por las de los demás. Puedes excederte, implicándote demasiado en la vida de los demás».

Ópera Real de Madrid

– Emmanuelle Giuliani, La Croix, 2017BIOITSPAs una «Voz impresionante y presencia imperial…» (La Croix, Francia) Saioa Hernández es una de las voces más regularmente contratadas en los principales teatros del mundo como el Teatro Real, Wiener Staatsoper, Teatro alla Scala di Milano, Berliner Staatsoper, Gran Teatre del Liceu, Sidney Opera House, Opera de Paris, Bayerische Staatsoper.

Con «…una seguridad casi inmaculada, y una potencia y autoridad sin límites…» (The Sidney Herald, Australia) Recientemente ha sido galardonada con la Medalla de Oro de las Bellas Artes (el premio más importante para un artista en España) y ha recibido el Oscar de la Lírica a la mejor soprano del año 2021 y Mejor Voz Femenina del año 2016 por la Asociación Española de la Ópera además de haber ganado importantes premios de canto como el Manuel Ausensi, Jaume Aragall o Vincenzo Bellini.

Cuenta con numerosas grabaciones y actuaciones en directo en TV y Cine como Attila en el Teatro alla Scala, La Gioconda en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Nabucco del Festival Verdi di Parma, La Forza del Destino del Festival del Maggio Musicale Fiorentino y Zaira del Festival di Martina Franca.

Teatro milagro flamenco

La Sociedad de las Artes Educativas, es una Organización de Educación Artística bilingüe sin ánimo de lucro es una compañía de teatro fundada en 1985 en Puerto Rico que produce producciones socialmente conscientes y educativas para niños y jóvenes.

SEA se estableció en la ciudad de Nueva York en 1993, y ha estado produciendo obras de teatro desde entonces. La integración única de SEA de las artes escénicas y los programas de Arte en la Educación introduce y enriquece la conciencia cultural y el sentido de identidad, especialmente en los niños.

SEA tiene oficinas en San Juan y Florida, pero su teatro base se encuentra en el Teatro SEA, en el Centro Cultural y Educativo Clemente Soto Vélez, en el Lower East Side de Nueva York. En el Centro, Teatro Sea ofrece durante todo el año una temporada de teatro profesional de marionetas y teatro infantil, así como talleres de arte y marionetas. La organización también ofrece un Programa de Formación Técnica, patrocinado por The Theatre Subdistrict Council, cuyo objetivo es elevar el nivel de cualificación de los técnicos teatrales pertenecientes a minorías ofreciéndoles formación en el puesto de trabajo y experiencia laboral en el mundo real.

El teatro milagro de Washington DC

El flamenco es una expresión de pasión y emoción; con él se honran y celebran los sentimientos que nos hacen humanos. Tanto si es un ávido amante del flamenco como si es la primera vez que lo ve, no hay forma mejor y más auténtica de presenciar de primera mano el poder en bruto de este cautivador arte español.

Admira la asombrosa producción de la Ópera Real de Madrid, la institución de artes escénicas más importante de España. En 2019, fue galardonada como la mejor compañía de ópera del mundo por los International Opera Awards, y descubrirá por qué en Auténtico Flamenco. Con canciones y bailes que viajaron de España a América Latina y viceversa, experimenta un espectáculo vibrante lleno de sensibilidad e imágenes poderosas.

El espectáculo tendrá una duración de 60-70 minutos. Las puertas se abrirán 45 minutos antes de la hora de comienzo indicada en su entrada y le recomendamos que acuda al menos 15 minutos antes de la hora de comienzo. El espectáculo comenzará puntualmente a la hora indicada y las puertas se cerrarán una vez iniciada la representación. En ningún caso se permitirá la entrada tardía.

India Martinez – En el Teatro Real (Making of)

En la sofocante ciudad, el padre es el que más sabe, pero fuera, en el bosque, todo vale. En la comedia más desternillante y deliciosa de Shakespeare, cuatro adolescentes engañan a sus padres y se van de la ciudad para fugarse a un bosque encantado. Pero es de noche y confuso, y las hadas se pelean, y quién sabe con quién te estás besuqueando. Topsy goes turvy, bottom is top, y un burro es el rey. Justo cuando el mundo entero parece enloquecido, despertamos del sueño a un nuevo día en el que descubrimos nuestro verdadero yo y descubrimos a nuestros amantes. Únete a nuestra fantasía y experimenta el placer del solsticio de verano.

Kim Blanck está encantada de debutar en el Tantrum Theater. Entre sus próximos proyectos se incluye Half Full, la serie de Kim que describe las incómodas alegrías de la experiencia birracial. Entre sus trabajos en Nueva York figuran Folk Wandering (Ars Nova), First Ladies Project (E. 4th Street Theater), los talleres de Stuck Elevator (New York Theater Workshop) y KPOP (Ars Nova). Su trabajo regional incluye Chasing the Song en La Jolla Playhouse; sus créditos cinematográficos incluyen el largometraje de Ingrid Jungermann de 2016 Women Who Kill, además de los cortometrajes Betty Chang Can’t Use Chopsticks y A Consultation. Kim es cocreadora de la serie web Basic Witch. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York y Máster en Bellas Artes por la Universidad de California en San Diego. Para mamá y papá.

Raphael – Tema De Amor (En Vivo Desde el Teatro Real / 2015)

Aunque ya no rivaliza con La Scala como nombre familiar, ni tiene el caché contemporáneo del Teatro La Fenice, el Teatro di San Carlo es sin duda uno de los teatros de ópera más bellos del mundo. Además, es el teatro de ópera más antiguo de Italia y el más antiguo de Europa en activo, con representaciones ininterrumpidas desde su fundación, salvo breves interrupciones. Visitar el Teatro di San Carlo hoy en día es volver a entrar en el glamuroso mundo del apogeo operístico del teatro -y de Nápoles- a principios del siglo XIX, especialmente en una noche de representación, cuando la música y el espectáculo despliegan su magia y el glorioso escenario se anima aún más con el inimitable estilo y brío del entendido público napolitano, siempre dispuesto a proclamar su ferviente aprecio o su altivo y fulminante desdén.

El Teatro de San Carlos debe su origen -y su nombre- al rey Borbón español de Nápoles, Carlos VII (también conocido como Carlos III de España y Carlos V de Sicilia). Tras reconquistar Nápoles a los austriacos en 1734, Carlos no sólo decidió instalarse en la ciudad, sino que comenzó a remodelarla en un estilo propio de una capital imperial. Carlos, artista entusiasta y conocedor de la música, asistía regularmente a las óperas del Teatro San Bartolomeo de la ciudad, pero no estaba satisfecho con su tamaño, sus instalaciones y, sobre todo, con el acceso inadecuado para los carruajes reales, ya que las estrechas calles apenas dejaban espacio para una gran entrada.

Teatro – Música de la noche (Vídeo)

Esta nueva producción de Rusalka de Christof Loy en el Teatro Real prometía ser uno de los platos fuertes de la temporada operística de la capital del Estado español. A diferencia de tantos otros lugares en la actualidad, el Teatro Real pudo ofrecer la función completa ante un público en directo, y la obra quedó preservada para la posteridad gracias a una colaboración entre mezzo, medici.tv y RTVE. La puesta en escena de Loy tuvo un impacto añadido debido al hecho de que Eric Cutler, que tenía previsto debutar en el papel del Príncipe en la cancelada producción de Santa Fe este verano, se lesionó el tendón de Aquiles días antes del estreno de esta puesta en escena. Cutler, un animal escénico por naturaleza, trabajó con Loy y sus compañeros de reparto en el último minuto para revisar la puesta en escena y cantó toda la velada con muletas.

Lo que Loy consigue con tanto éxito a través de sus actores cantantes es este choque de mundos: la inocencia de Rusalka con el sofisticado mundo del príncipe. En este contexto, crea una narrativa de una complejidad humana satisfactoria. La necesidad del príncipe de escapar de su entorno para sentir amor. La necesidad de Rusalka de poder bailar de nuevo y amar. El horror de Vodník ante el libertinaje que tiene lugar en palacio. Hay algo muy cautivador en este montaje y en las personas que lo componen, la forma en que cada uno llega con sus propias ideas preconcebidas de lo que son los demás, y cómo al final Rusalka y el Príncipe son capaces de expresar su amor abiertamente, aunque sólo sea por un momento. La partitura abunda en danza y la puesta en escena de Loy es fiel a ese elemento a través de su ambientación de ballet, aunque me fui con la ligera sensación de que había un desajuste entre la tinta naturalista de la partitura y la ambientación un tanto aséptica que vimos en el escenario. Pero no nos equivoquemos, fue una puesta en escena que cautivó la imaginación y emocionó en consecuencia.

David Bisbal – Una Noche En El Teatro Real

La versión restaurada y actualizada de la célebre ópera de Giuseppe Verdi inauguró la temporada del histórico Teatro Real, casi 25 años después de su estreno en 1998. A la esperada representación asistieron el Rey Felipe VI y la Reina Letizia de España, entre otras personalidades.

Huda Alkhamis-Kanoo, fundadora de la Abu Dhabi Music & Arts Foundation (ADMAF) y fundadora y directora artística del Festival de Abu Dhabi, se refirió a la colaboración con el teatro de ópera en un comunicado: Al asociarnos con las más grandes instituciones internacionales para crear nuevas obras, encargos y producciones, el Festival de Abu Dhabi abre las puertas para que la gente de dentro y fuera del país descubra a los talentos más renombrados del mundo».

«Estamos encantados de continuar nuestra larga colaboración con el Teatro Real, el principal teatro de ópera de España, para coproducir Aida, que abre la temporada, ofreciendo al público la oportunidad de reunirse y experimentar la brillante reposición de la poderosa historia de amor y traición del compositor Giuseppe Verdi».

Rosemary Standley – «Porque te vas

Amaia Romero Arbizu (nacida el 3 de enero de 1999) es una cantante española. Obtuvo reconocimiento nacional cuando participó en la novena serie del concurso de talentos de telerrealidad Operación Triunfo, que ganó, y también representó a España en el Festival de Eurovisión 2018 en Lisboa, Portugal, junto con Alfred García, con la canción «Tu canción». Quedaron en vigésimo tercer lugar

Hija de Ángel Romero y Javiera Arbizu, Romero pertenece a una familia de músicos. Su tío, Joaquín Romero, fue director del coro de conciertos Orfeón Pamplonés desde 2008 hasta 2016, así como de la Orquesta Pablo Sarasate durante dos años. Fue su tío quien descubrió que, de niño, Romero tenía una afinación absoluta.

En 2010, Romero participó en el talent show infantil Cántame una canción de Telecinco, donde cantó junto a David Civera y Sergio Rivero, ganador de la cuarta entrega de Operación Triunfo. En 2011, fue la ganadora de una beca para Rock Camp 2011, y participó en el campamento en 2011 y 2012.

Street Scene: la vida de una calle | Teatro Real 200 años 17/18

Amaia Romero Arbizu (nacida el 3 de enero de 1999), más conocida como Amaia, es una cantautora y pianista española[1] Tras participar en numerosos talent shows, obtuvo reconocimiento nacional tras ganar la novena serie del concurso televisivo musical Operación Triunfo, representando posteriormente a España junto a su compañero de concurso Alfred García en el Festival de Eurovisión 2018 con «Tu Canción»[2][3] Romero firmó posteriormente con Universal Music y lanzó su álbum debut Pero No Pasa Nada en 2019.

Hija de Ángel Romero y Javiera Arbizu, Amaia pertenece a una familia de músicos. Su tío, Joaquín Romero, fue director del coro de conciertos Orfeón Pamplonés desde 2008 hasta 2016, así como de la Orquesta Pablo Sarasate durante dos años[4] Fue su tío quien descubrió que, ya desde niña, Amaia tenía una afinación absoluta[4][5].

En julio de 2017, Amaia hizo una audición en Bilbao para la reposición de la serie del concurso musical de telerrealidad Operación Triunfo[15] El 23 de octubre de 2017, fue seleccionada para entrar en la «academia» del programa en el estreno de la temporada. Tras interpretar «Starman» de David Bowie, Amaia no fue seleccionada por el jurado del programa, pero en su lugar fue salvada por el plantel de profesores de la academia[16] En enero de 2018, Amaia se convirtió en finalista del concurso tras obtener una puntuación perfecta de 40 puntos por parte del jurado -la más alta de la historia del concurso-. Destacada por su ingenuidad, sus diversos gustos musicales y su humor, se proclamó ganadora de la serie con el 46% de los votos finales del público[17][18] Tras su victoria, firmó un precontrato con Universal Music. En consecuencia, Romero copresentó una gira en recintos cerrados con sus quince compañeros del talent show durante 2018. La gira (bautizada como OT 2017 en concierto) comenzó el 3 de marzo de 2018 en el Palau Sant Jordi y finalizó ibídem el 28 de diciembre de ese mismo año, constando de 23 conciertos[19] y a la que asistieron 300.000 personas[20].

Ana «Es para tì»

Berg: LULU – Agneta Eichenholz, Michael Volle, Klaus Florian Vogt, Jennifer Larmore, Philip Langridge, Gwynne Howell, Peter Rose, Heather Shipp, Will Hartmann, Jeremy White; Christof Loy; Antonio Pappano, Royal Opera House, 2009 (Opus Arte) Ver CLIP

Berg: LULU [BLU-RAY] – Agneta Eichenholz, Michael Volle, Klaus Florian Vogt, Jennifer Larmore, Philip Langridge, Gwynne Howell, Peter Rose, Heather Shipp, Will Hartmann, Jeremy White; Christof Loy; Antonio Pappano, Royal Opera House, 2009 (Opus Arte) Ver CLIP

Janácek: KATIA KABANOVA – Angela Denoke, David Kuebler, Jane Henschel, Hubert Delamboye, Dagmar Peckova, Henk Smits, Rainer Trost, Frédéric Caton, Ulrika Precht, Elisabeth Starzinger, Alena Cokova, Ulrich Voss, Ludwig Hampe; Christoph Marthaler; Sylvain Cambreling, Festival de Salzburgo, 1998 (Kultur)

Shostakovich: LA NARIZ – Eduard Akimov, Alexander Lomonosov, Valery Belykh, Nina Sasulova, Boris Tarkhov, Boris Druzhinin, Ashot Sarkisov; Boris Pokrovsky; Gennady Rozhdestvensky, Película, 1979 (VAI) Watch CLIP

El cine Regal proyecta ahora

Construido a principios de la década de 1920 como Stern’s Royal Theater, fue uno de los cines más populares de la «Ruta de la Avenida Bloomfield» que salía de Newark. Con uno de los techos más elaborados del estilo rococó, el edificio también contaba con un vestíbulo de una manzana de largo con suelo de granito blanco. 1.700 butacas en una sola planta (sin balcones) y una de las pantallas más grandes de la zona, junto con una proyección puntual de precisión, ofrecían una gran experiencia cinematográfica.

Lamentablemente, el gran tamaño del edificio hizo que la calefacción y el aire acondicionado fueran prohibitivamente caros, y el 31 de marzo de 1978 el edificio fue hermanado (encajonado) y el efecto no fue ni agradable ni rentable. No se sabe a ciencia cierta quién presidió la desaparición final del Teatro Real, pero parece que fue derribado a finales de la década de 1990. Un triste final para un edificio antaño orgulloso.

El ayuntamiento cree que el teatro es un obstáculo para el progreso y planea demoler el edificio este invierno para hacer sitio a un centro comercial y un aparcamiento, dos proyectos que las autoridades esperan que revitalicen el centro de Bloomfield. Para Don Smartt, director de proyectos de la Bloomfield Center Alliance, que representa a las empresas del centro de la ciudad en los esfuerzos de reurbanización, «el mejor uso para el terreno en el que se encuentra el teatro es un espacio comercial moderno que atraiga a minoristas nacionales y regionales, así como aparcamiento». «Si queremos captar el potencial de mercado de Midtown Direct, llenar las tiendas vacías y satisfacer las necesidades de los nichos comerciales, hay que demoler el teatro».

Teatro chino Tcl

Frank L. Newman nació en Newark, Nueva Jersey, de padres judíos que murieron cuando era muy joven. Le crió una familia irlandesa, a la que ayudó en su restaurante hasta que se independizó ganando 1,75 dólares por un trabajo nocturno en una fundición de hierro.

Casado a los 17 años, Newman vio su primera película en Montreal. Louis, donde pidió prestados 100 dólares y, con los 25 que había ahorrado, abrió un cine con un socio. Se llamaba Royal. En 1909 se fue a Joplin y abrió otro Royal y unos años más tarde uno en St. Joseph, también llamado Royal.

Cuando en 1913 se construyó el Theatre Royal en Kansas City, se levantó una protesta. Se consideraba una intrusión indeseable en un distrito estrictamente comercial. Los comerciantes pensaban que las dos horas que los clientes pasaban dentro del teatro les dejaban menos tiempo para mirar los escaparates y comprar.

La leyenda del reverso de una tarjeta postal del teatro dice: «La casa más hermosa al oeste del Mississippi. Abierto de 8 de la mañana a 11 de la noche. Orquesta de diez músicos. Órgano de tubos de mamut. Sala de estar para caballeros y sala de descanso para señoras con camarera. Sala de control para bebés. Sala de juegos para niños. Estrictamente ignífugo».

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En 1996, el actor Jerry Van Dyke compró y renovó el Teatro Real. El teatro fue renovado, al igual que la mayor parte de la manzana en la que estaba situado. Jerry Van Dyke también añadió Jerry Van Dyke’s Soda Shoppe, una tienda de dulces, una tienda de tarjetas de béisbol, así como una pequeña tienda de antigüedades en el mismo bloque que el teatro. Jerry Van Dyke vendió el Teatro Real y el resto de la propiedad en 2000 y 2001. En realidad, el Royal Theatre fue donado a Central Arkansas Community Players, que cambió el nombre del teatro por el de «Royal Players» y sigue actuando en él en la actualidad.

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Mi reproductor de ópera

«En su salón, Condesa, las horas pasan sin envejecer», comenta la actriz Clarion. Con el director Christof Loy, las figuras de Capriccio están como atrapadas en un túnel del tiempo; su producción sigue la autorreflexión de la Condesa por todos sus caminos de intrincación, convirtiéndose en una vertiginosa obra sobre la obra dentro de la obra.

Mostramos una grabación del Teatro Real de Madrid, donde se estrenó la ópera en 2019. Como coproducción entre Madrid y Zúrich, Capriccio también se habría representado con un reparto modificado en la Ópera de Zúrich el fin de semana de Pentecostés de 2021. Todos los decorados se crearon en Zúrich.

Opera madrid entradas

El viernes 10 de junio a las 20:30 horas, la soprano Carmen Mateo y el barítono Javier Agudo, acompañados al piano por Cristina Sanz y Eva Pavón actuarán en la carroza del Teatro Real, que estará situado en la Plaza de Colón de Valladolid. Interpretarán un programa muy atractivo, popular y variado, creado para la ocasión, que incluye conocidas arias y dúos de Wolfgang Amadeus Mozart, Giuseppe Verdi, Richard Wagner, Amilcare Ponchielli, Giacomo Puccini y fragmentos de zarzuela de Manuel Penella Moreno, Pablo Sorozábal y Ruperto Chapí.

Creada en 2020, la carroza del Teatro Real mide 16 metros de largo por 5,80 de alto y pesa unas cinco toneladas y media. Simula el escenario de un teatro -con proscenio, telones y alas- y se ha construido transformando el remolque de un camión como los que habitualmente se utilizan para transportar y almacenar la escenografía, el atrezzo y el vestuario de las óperas. Su interior puede adaptarse a distintas escenografías, exposiciones, recitales y conciertos en función de lo que requiera cada evento o representación.

Teatro real en línea

Mañana, 24 de septiembre, a las 20:00 horas, el Teatro Real emitirá Otello de Giuseppe Verdi (1813-1901), una coproducción del Teatro Real con la English National Opera -donde se estrenó con gran éxito en septiembre de 2014- y la Royal Swedish Opera, que presentó la ópera en marzo de 2015.

Otello nació gracias a la habilidad y perseverancia del gran editor Giulio Ricordi (1840-1912), que durante varios años persuadió a un Verdi retirado para que retomara su producción operística, que había abandonado tras el estreno de Aida en El Cairo en 1871.

En aquella época, Giuseppe Verdi era un compositor maduro y de renombre, con una larga y exitosa carrera; gozaba de una gran situación financiera y era muy popular y querido por su activa participación en la inestable vida italiana. Verdi decidió dejar de crear ópera, dejando paso a una nueva generación de compositores que intentaron renovar los ideales de la ópera italiana, bajo la poderosa influencia de Wagner y sus obras.

Sin embargo, la estimulante fuerza de las obras de William Shakespeare (1564-1616) despertó a Verdi de su letargo y, con el trabajo de los sobresalientes libretos del también compositor y poeta Arrigo Boito (1842-1918), compuso, bien entrados los 70, sus dos últimas y más grandes óperas: Otello y Falstaff. Con la primera, inició la más profunda renovación de su lenguaje musical, con una profunda síntesis de los elementos que formaban la ópera italiana de la época, marcando el final de un ciclo de casi dos siglos. Con la segunda, llevó la ópera cómica a un nuevo nivel de refinamiento y delicadeza, despidiéndose con un exquisito y nostálgico elogio a la juventud y al amor.

Agenda de ópera de Madrid

En su privilegiado enclave en pleno centro de Madrid (entre la imponente Plaza de Oriente y la más modesta Plaza de Isabel II), el Teatro Real se erige como buque insignia del arte dramático en España, y se ha consolidado como un referente en el panorama operístico europeo. En este artículo le contamos la historia del teatro de la ópera de Madrid y le explicamos por qué debe visitar este bello edificio.

El edificio fue diseñado por el arquitecto municipal Antonio López Aguado (protegido de Juan de Villanueva y artífice de otros importantes edificios de la capital, como la Puerta de Toledo), y la primera piedra se colocó el 23 de abril de 1818. Las obras sufrieron importantes retrasos como consecuencia de la muerte del arquitecto y de un presupuesto ajustado. Más tarde, sin embargo, Custodio Teodoro Moreno se hizo cargo de las obras, y en 1850, 33 años después del inicio de la construcción, estuvo por fin listo para ser inaugurado.

Durante sus primeros 75 años de vida, el Teatro Real se consolidó como una de las grandes instituciones operísticas del Viejo Continente. Desgraciadamente, en 1925 se vio gravemente afectado por un hundimiento que obligó a su clausura, permaneciendo cerrado un total de 41 años. Ni que decir tiene que la Guerra Civil y la posguerra no fueron tiempos propicios para acometer su reconstrucción.

Antony Davies

El corazón de Andalucía late en un rincón muy singular de Madrid, capital del flamenco. El sentimiento de España y del pueblo andaluz habitan por primera vez un teatro. Un espacio único, íntimo y acogedor capaz de crear esa magia especial de la que brotan las emociones que conectan al espectador y al artista.

Somos mucho más que el primer teatro flamenco del mundo. Teatro Flamenco Madrid es el lugar donde vivir la esencia desgarradora del flamenco puro. Un completo centro cultural y punto de encuentro para los amantes y apasionados del flamenco.

Disfruta de una experiencia mágica con nuestros artistas bajo el ambiente íntimo y acogedor de nuestro teatro. Con Emotions vivirás de cerca la fuerza y la magnificencia del flamenco, capaz de llegar a lo más profundo de los sentimientos.

El Círculo Flamenco de Madrid es una asociación cultural sin ánimo de lucro, compuesta por un grupo de aficionados con una larga experiencia en diferentes proyectos flamencos, que en 2013 sintió la necesidad de crear en Madrid un punto de encuentro donde llevar a cabo actuaciones de primer nivel y una programación más allá del mero disfrute del flamenco.

Los humanos no necesitan aplicar

Viva la experiencia única de dormir frente a uno de los palacios reales más bellos de Europa. Es posible en el Hotel Ópera, en pleno centro de Madrid. Disfrute de los mejores servicios de restauración y modernas instalaciones para una estancia inolvidable.

La ubicación del Hotel Ópera es privilegiada: en pleno centro histórico de Madrid, frente al Palacio Real y el Teatro Real de la Ópera, situado en el conocido y distinguido barrio de los Austrias.

Habitaciones en la 8ª planta del edificio, con vistas únicas y exclusivas del Palacio Real, Teatro Real y todo el centro de Madrid. Su bañera circular de hidromasaje con cúpula de cristal le permitirá disfrutar de ella durante todo el año.

Lila Downs – Una Cruz de Madera (Concierto en Vivo)

Regálate espectáculos en el Teatro Real con un 10% de descuento en las entradas. Podrá reservar localidades para las óperas de la institución cultural española, como El crepúsculo de los dioses, de Richard Wagner; El Abrecartas, de Luis de Pablo; El ángel ardiente, de Sergei Prokofiev; Las bodas de Fígaro, de Wolfgang Amadeus Mozart; Juana de Arco en la hoguera, de Arthur Honegger; Nabucco, de Giuseppe Verdi, y muchas más, con un suculento descuento. Además, también tendrá la oportunidad de escuchar a Bejun Mehta en concierto en directo con el mismo ahorro. Exclusivo para titulares de tarjetas Mastercard.

Lehar & Garden of Dreams pres. El Búnker de Tito impulsado por BH

El edificio se empezó a construir en 1818 y se inauguró en 1850. Durante los primeros 75 años, fue considerado uno de los teatros más importantes de Europa, hasta que parte del edificio se derrumbó y tuvo que ser cerrado al público durante 41 años.

Acompañados por una audioguía con interesantes comentarios pregrabados en inglés y otros idiomas, los visitantes pueden explorar los distintos salones y salas de este elegante edificio, así como descubrir el palco real para contemplar el escenario desde los mejores asientos de la ópera.

Los huéspedes también pueden subir a la terraza para disfrutar de las vistas de la majestuosa Plaza de Oriente con el Palacio Real al frente, o maravillarse con el antiguo salón de baile, transformado en restaurante. Este salón tiene un sorprendente techo lleno de hermosas estrellas.

Este techo pintado representa la noche en la que se inauguró el antiguo teatro real, ya que el primer edificio contaba con un escenario al aire libre. Actualmente, miles de luces led componen las estrellas que brillaron en una noche estrellada de 1850.

Rufus wainwright canción francesa

Elogiado por el New York Times por su «genuina originalidad», Rufus Wainwright se ha consolidado como uno de los grandes vocalistas y compositores masculinos de su generación. El cantautor nacido en Nueva York y criado en Montreal ha publicado siete álbumes de estudio, tres DVD y tres álbumes en directo, entre ellos el fantástico Rufus Does Judy at Carnegie Hall, nominado a los Grammy, que recogió su célebre actuación en homenaje a Judy Garland en el London Palladium en 2007, y el álbum Release The Stars, que fue disco de oro en Canadá y el Reino Unido.

Wainwright ha recibido los premios Juno al mejor álbum alternativo en 1999 y 2002 por Rufus Wainwright y Poses, respectivamente, y nominaciones por sus álbumes Want Two (2005) y Release the Stars (2008). Fue nominado a Compositor del Año en 2008 por su álbum Release the Stars. También compuso la música original de la obra BLOOM, del coreógrafo Stephen Petronio, que ha girado por todo el país.

Musicalmente, Rufus ha colaborado con artistas como Elton John, David Byrne, Boy George, Joni Mitchell, Pet Shop Boys y el productor Mark Ronson, entre otros. Su colaboración más reciente ha sido en la canción que da título al último álbum de Robbie Williams, Swings Both Ways, escrita junto con el famoso músico y productor Guy Chambers y cantada a dúo por Rufus y Robbie.

Rufus wainwright – oh what a world

Rufus Wainwright ha publicado ocho álbumes de estudio, tres DVD y tres álbumes en directo. Ha colaborado con artistas de la talla de Elton John, David Byrne, Mark Ronson, Joni Mitchell o Burt Bacharach. A los 14 años fue nombrado mejor músico joven de Canadá y más tarde recibió el premio Juno al mejor álbum alternativo. Su álbum «Rufus does Judy», grabado en el Carnegie Hall en 2006, fue nominado a un Grammy.

Su aclamada primera ópera, Prima Donna, se estrenó en el Festival Internacional de Manchester en julio de 2009 y desde entonces se ha presentado en Londres, Toronto y el BAM de Nueva York. En 2010, la Sinfónica de San Francisco encargó a Wainwright la composición e interpretación de «Five Shakespeare Sonnets», un ciclo de canciones de cinco movimientos que adapta los «Sonetos» de Shakespeare a orquesta y voz. Desde entonces han sido interpretados en todo el mundo por orquestas como las Sinfónicas de Chicago y Montreal.

Lyssna på rufus wainwright

Elogiado por el New York Times por su «genuina originalidad», Rufus Wainwright se ha consolidado como uno de los grandes vocalistas y compositores masculinos de su generación. El cantautor nacido en Nueva York y criado en Montreal ha publicado siete álbumes de estudio, tres DVD y tres álbumes en directo, entre ellos el fantástico Rufus Does Judy at Carnegie Hall, nominado a los Grammy, que recogió su célebre actuación de homenaje a Judy Garland en el London Palladium en 2007, y el álbum Release The Stars, que alcanzó el disco de oro en Canadá y el Reino Unido.

Wainwright ha recibido los premios Juno al mejor álbum alternativo en 1999 y 2002 por Rufus Wainwright y Poses, respectivamente, y nominaciones por sus álbumes Want Two (2005) y Release the Stars (2008). Fue nominado a Compositor del Año en 2008 por su álbum Release the Stars. También compuso la música original de la obra BLOOM, del coreógrafo Stephen Petronio, que ha girado por todo el país.

Rufus wainwright youtube

Rufus McGarrigle Wainwright (nacido el 22 de julio de 1973) es un cantante, compositor y autor canadiense-estadounidense[6].[7] Ha grabado 10 álbumes de estudio y numerosos temas en recopilatorios y bandas sonoras de películas. También ha escrito dos óperas clásicas y musicado sonetos de Shakespeare para una obra teatral de Robert Wilson.

Wainwright nació en Rhinebeck (Nueva York, EE.UU.), hijo de los cantantes folk Kate McGarrigle y Loudon Wainwright III[8][9][10] Sus padres se divorciaron cuando él tenía tres años, y vivió con su madre en Montreal la mayor parte de su juventud. Su padre es descendiente de Peter Stuyvesant, el gobernador holandés del siglo XVII de Nueva Ámsterdam, más tarde Nueva York. Wainwright tiene doble nacionalidad estadounidense y canadiense[11] Estudió secundaria en la Millbrook School de Nueva York (que más tarde inspiraría su canción «Millbrook»), y más tarde estudió brevemente piano en la McGill de Montreal. Comenzó a tocar el piano a los seis años y a los trece a hacer giras con «The McGarrigle Sisters and Family», un grupo folk formado por Rufus, su hermana Martha, su madre Kate y su tía Anna. Su canción «I’m a-Runnin'», que interpretó en la película Tommy Tricker and the Stamp Traveller a los 14 años, le valió una nominación al Premio Genie 1989 a la Mejor Canción Original[12]. Fue nominado al Premio Juno 1990 al Vocalista Masculino Más Prometedor del Año[13].

Día de madrid 2022

Plácido Domingo ha vuelto a cantar en su Madrid natal, aunque se trataba de una actuación organizada por una entidad privada. El artista tiene oficialmente prohibida la entrada en España como consecuencia de un escándalo sexual, motivado por acusaciones que aún no han sido probadas. Así pues, el concierto fue un homenaje de sus conciudadanos, sin la presencia de autoridades en el teatro. Domingo no había actuado en Madrid en los últimos tres años, cuando cantó en un concierto de Giovanna d’Arco, de Verdi.

No cabe duda de que estamos hablando de uno de los grandes cantantes de los últimos 50 años, un auténtico milagro vocal: no es fácil entender cómo una persona de más de 80 años puede mantener la frescura. No cabe duda de que su voz no es la de sus años dorados, ni tampoco la que exhibía cuando le escuché hace tres años, pero sigue llamando la atención y no ha perdido nada de lo que siempre le ha caracterizado.

Esta fue una ocasión para que los amantes de la ópera de Madrid le rindieran un verdadero homenaje de cariño y admiración. También hay que decir que había un trasfondo económico importante: los precios eran realmente estratosféricos.

Desfile de ovejas de Madrid 2022

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Festivales en madrid

MADRID, 7 de julio de 2016 – Universal Music Spain está celebrando el segundo Universal Music Festival anual durante todo el mes de julio, con artistas de talla mundial que ayudarán a celebrar el 200 aniversario del magnífico Teatro Real de Madrid.

Inaugurado el martes con un concierto especial de la superestrella mundial Rod Stewart, el Universal Music Festival trae a los mejores artistas nacionales e internacionales de Universal Music a este histórico recinto de la capital española. El programa de este año también incluye a José Luis Perales, Rufus Wainwright, Bunbury, Diana Krall, Manuel Carrasco y Arcangel en el escenario del teatro de la ópera, con capacidad para 1.750 personas, ofreciendo a los aficionados la oportunidad de ver a estos artistas de renombre en un ambiente íntimo con una acústica excepcional.

Sus Majestades el Rey Felipe VI y la Reina Letizia de España asistieron a la noche inaugural junto con numerosos invitados distinguidos del mundo del cine, la política, la industria musical y celebridades de la televisión.

A lo largo de tres años, de 2016 a 2018, el Teatro Real de Madrid celebrará el bicentenario de su rica historia. Al igual que otros grandes recintos del mundo, como el Royal Albert Hall de Londres, el Olympia Theatre de París o el Carnegie Hall de Nueva York, el Teatro Real de Madrid fue declarado Bien de Interés Cultural en 1993 y es un símbolo cultural de la capital.

Festival de jazz de Madrid 2022

A mediados de abril de 2018, y por sorpresa, el Teatro Real de Madrid (España) anunció que la gira ‘The World of Hans Zimmer – A Symphonic Celebration’ que inicialmente no tenía previsto estar en España, iba a hacer una parada especial en Madrid el 3 de julio de 2018, inaugurando así el ciclo de conciertos Universal Music Festival que organiza el Teatro Real del 3 al 31 de julio de 2018, con motivo de su 200 aniversario (leer noticia).

Esta gira, para la que casi todos los conciertos celebrados han sido de gran formato, en grandes recintos con más de 10.000 localidades y equipados para grandes espectáculos audiovisuales, iba a tener la oportunidad de ser llevada a un lugar diferente, una sala de conciertos con menos de 2.000 localidades. Por este motivo, y debido a la gran expectación generada por el evento, el único en España de toda la gira en 2018, las entradas se agotaron en muy poco tiempo.

A diferencia de las reconocidas giras ‘Hans Zimmer Live’ o ‘Hans Zimmer Revealed’ que se celebraron durante 2016-2017 (leer más), donde el espectáculo se centraba en la banda de Zimmer y los sonidos electrónicos de la música, ‘The World of Hans Zimmer – A Symphonic Celebration’ presenta por primera vez las obras del compositor arregladas para una orquesta sinfónica en directo. Hans Zimmer es el director musical y creador/comisario de este espectáculo, y ha pasado meses trabajando para transformar sus bandas sonoras en estas suites de concierto especialmente preparadas, en las que el compositor ha elegido específicamente qué piezas irían en el programa.

Teatro real funciones

Era una ávida acolchadora y miembro del Top Of Virginia Quilt Guild (TOVA), donde pasaba tiempo con su iglesia local, ayudando a la comunidad tan a menudo como le era posible. Ella creía en devolver y haría colchas para ser subastados para recaudar dinero para ayudar a otros en la comunidad. También era miembro de la Iglesia Metodista Unida de Bennett’s Chapel.

Un servicio fúnebre se llevará a cabo el jueves 26 de enero a las 12:00 pm en la Iglesia Metodista Unida Refuge en Stephens City, con el Pastor Latitia Schoeman oficiando. La familia recibirá amigos una hora antes del servicio el jueves en la iglesia.

Mary Lou era miembro de la Izaak Walton Ladies Chapter y la American Legion Women’s Auxiliary. Fue miembro de la Iglesia Metodista Unida Refuge en Stephens City y trabajó para el Hospital Warren Memorial durante diecisiete años.

Le sobreviven su marido, Thomas B. Boies, Jr.; hija, Julie Nowell (Mike); hijo, Thomas B. Boies, III (Cindy); tres nietos; seis bisnietos; dos tataranietos; hermana, Nancy Yockey; y varias sobrinas y sobrinos.

Programación de ópera en Madrid

Brian Denis Cox CBE (nacido el 1 de junio de 1946) es un actor escocés. Ha trabajado con la Royal Shakespeare Company y el Royal National Theatre, donde obtuvo reconocimiento por su interpretación del Rey Lear. Interpretó papeles secundarios en Rob Roy (1995) y Braveheart (1995), de Mel Gibson, ganadora de un Oscar. Fue el primer actor que interpretó a Hannibal Lecter en el cine, en Manhunter (1986). Ganador de dos premios Olivier, un Primetime Emmy y un Globo de Oro, también ha sido nominado a un British Academy Television Award y a tres Screen Actors Guild Awards. En 2003 fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico.

Cox ha escrito tres libros: De Salem a Moscú: An Actor’s Odyssey, The Lear Diaries y su autobiografía Putting the Rabbit in the Hat. Fue galardonado en los premios BAFTA Escocia de 2004 con el Outstanding Achievement Award, y en los Great Scot Awards de 2004 con el Lifetime Achievement Award[4][5] La revista Empire le concedió el Empire Icon Award por sus logros cinematográficos en 2006, y el UK Film Council le nombró una de las diez estrellas británicas más poderosas de Hollywood en 2007[3].

Ópera Real de Madrid

EE.UU. contra Acme Meat Co; Bristol foods, Inc, d/b/a Gold Pak Meat Co; Delta Meat Packing Co; Federal Meat Co; Gem Packing Co; Globe Packing Co; Great Western Packing Co; Meat Packers, Inc; O.K. Meat Packing Co; Quality Meat Packing Co; Serv-U Meat Packing Co; Shamrock Meats, Inc; Union Packing Co; y Ward Foods, Inc.

U.S. contra Airline Tariff Publishing Co; Alaska Airlines, Inc; American Airlines, Inc; Continental Airlines, Inc; Delta Air Lines, Inc; Northwest Airlines, Inc; Trans World Airlines, Inc; United Air Lines, Inc; y USAir, Inc.

U.S. contra Air Conditioning and Refrigeration Wholesalers; Allied Chemical Corporation; E.I. du Pont de Nemours & Company ; Kaiser Aluminum & Chemical Corporation ; Kaiser Aluminum & Chemical Corporation ; Kaiser Aluminum & Chemical Corporation; Kaiser Aluminum & Chemical Sales, Inc. ; Pennwalt Corporation ; Racon Incorporated ; Union Carbide Corporation.

EE.UU. contra Allied Asphalt Paving Company; Brighton Building & Maintenance Co.; Krug Excavating Co.; Arcole Midwest Corporation; Thomas J. Bowler; Grorge B. Krug, Sr.; Ernest A. Bederman; Donald McLean y Robert R. Anderson

Ópera nacional

El Festival Escenarios de Verano de la Comunidad de Madrid propone un año más acercar la cultura en vivo a todos los rincones de la región. Danza, teatro, música, arte o circo en un encuentro local, abierto a todos los públicos.

El Cantar de Mio Cid Es el mayor poema épico de la literatura hispánica. Se trata de un poema anónimo, de tradición oral, dividido en tres cantos, que narra las hazañas de Rodrigo Díaz de Vivar en el siglo XI. La transmisión original de El cantar situó al juglar frente a su público y, a través de sus palabras, le transportó a vivir los caminos de su historia junto al héroe. Con este espectáculo, Gómez pretende devolver al Mío Cid su verdadera naturaleza y espero que, con la labor de juglaría, el espectador pueda apreciar el sentido con el que fue concebido.

El Festival Escenas de Verano 2021 ofrece entre su programación este recorrido por la Comunidad de Madrid para dar visibilidad al patrimonio audiovisual de sus diferentes poblaciones, evidenciando el potencial de las imágenes de ficción rodadas en la región como recurso turístico, valor simbólico y divulgador del patrimonio territorial, histórico y natural de la región. Antes de cada película, se ofrecerá una pequeña representación teatral para contar las mejores anécdotas de las localizaciones de estas películas.

Il Divo – Somewhere – Track By Track

2022-NCT Dream, Key, ALICE, WEi – 29 de mayo-Louis Tomlinson – 16 de julio-Cha Eun Woo – 6 de agosto-KPop Masterz 2: Ateez, Ikon, Youngjae – 23 de septiembre-NCT Dream, Golden Child, WayV, Alice – 21 de octubre-Avril Lavigne – 3 de noviembre (Aplazado)-Enhypen – 3 de diciembre-Sarah Brightman – 7 de diciembre

2018-Planetshakers – 13 de enero-Incubus – 17 de febrero-John Legend – 21 de marzo-Lany – 5 y 6 de abril-Zedd – 13 de abril (Trasladado a Cove Manila)-Boyce Avenue con Moira – 1 de junio-Hillsong United & Hillsong Young and Free – 15 y 16 de junio-Don Moen – 4 de julio-The Stylistics – 5 de julio (Cancelado)-Khalid – Julio 2018 (Previsto)-Halsey – 10 de agosto (Trasladado al Teatro Kia)-Tower of Power, Kalapana, Dennis Lambert – 7 de septiembre-Mariah Carey – 26 de octubre-Khalid – 2 de noviembre-Lee Jong Suk – 18 de noviembre-Michael Learns To Rock – 9 de diciembre-Boyz II Men – 15 de diciembre

2017-David Guetta – 5 de enero-Planetshakers – 13 y 14 de enero-Bryan Adams – 18 de enero-Goo Goo Dolls – 11 de febrero-The Moffatts – 18 de febrero-Exo – 25 y 26 de febrero-Debby Boone – 8 de marzo (Cancelado)-Bethel Music – 18 de marzo-Sybil, Kalapana, El DeBarge, Passage – 27 de abril (Cancelado)-Park Shin Hye – 28 de julio-Phoenix – 15 de agosto (Trasladado al Teatro Kia)-G-Dragon – 1 de septiembre-Taeyang – 22 de septiembre-Wanna-One – 13 de octubre-Rain – 3 de noviembre (Cancelado)-UKiss – 24 de noviembre-CNBLUE – 9 de diciembre

Il Divo, Michael Ball – El amor lo cambia todo (Tema a tema)

El precio de su entrada para Alejandro Fernandez variará en función del evento, la fecha del evento, así como la ubicación de su asiento. Una vez que elija su evento específico, podrá ordenar y filtrar las entradas por precio y ubicación.

Eche un vistazo a la sección «Filtrar eventos» en la parte superior de esta página para ver una lista de las sedes programadas para Alejandro Fernández. Haga clic en cualquiera de las sedes del filtro para ver sólo los eventos de Alejandro Fernández en esa sede.

Usted puede tratar de ahorrar dinero al esperar hasta el último minuto para comprar entradas baratas Alejandro Fernández. Aunque a veces esto puede ahorrarle dinero, también aumenta mucho el riesgo de perderse el espectáculo de Alejandro Fernandez porque puede que se agoten las entradas. Si desea esperar para tratar de comprar entradas al precio más bajo, la investigación sugiere que los mejores precios se encuentran de 3 a 7 días antes del evento.

1-2-3 – gloria estefan – en directo – royal albert hall, londres

Conocido sobre todo por sus películas de los años setenta El Topo y La montaña sagrada, Jodorowsky ha sido «venerado por los entusiastas del cine de culto» por su obra «repleta de imágenes violentamente surrealistas y una mezcla híbrida de misticismo y provocación religiosa»[1].

Su siguiente película, el western ácido El Topo (1970), se convirtió en un éxito en el circuito de cine de medianoche en Estados Unidos, considerada como la primera película de culto de medianoche de la historia, y cosechó grandes elogios de John Lennon, quien convenció al antiguo mánager de los Beatles, Allen Klein, para que proporcionara a Jodorowsky un millón de dólares para financiar su siguiente película. El resultado fue La montaña sagrada (1973), una exploración surrealista del esoterismo occidental. Desacuerdos con Klein, sin embargo, provocaron que tanto La montaña sagrada como El topo no obtuvieran una amplia distribución, aunque ambas se convirtieron en clásicos del circuito de cine underground[1]. [1] Tras un intento cancelado de rodar Dune, la novela de ciencia ficción de Frank Herbert de 1965, Jodorowsky produjo cinco películas más: la película familiar Tusk (1980); la película de terror surrealista Santa Sangre (1989); el éxito de taquilla fallido El ladrón del arco iris (1990); y las dos primeras películas de una serie autobiográfica prevista de cinco películas, La danza de la realidad (2013) y Poesía sin fin (2016).

Il Divo – Sin Ti

RENO, Nev. (25 de agosto de 2021) – ¡El entretenimiento es grandioso! Grand Sierra Resort and Casino (GSR) es el principal destino de Reno para la mayor variedad de entretenimiento en vivo. A continuación encontrará la cartelera más actualizada del aclamado Grand Theatre del resort-casino, donde todos los huéspedes tienen una vista privilegiada de los mejores actos de la actualidad:

Respetada por los millones de fans que se sienten atraídos por su música y su innegable talento, la rica e imponente voz de Wynonna ha vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo a lo largo de sus 34 años de carrera. Como mitad del legendario dúo madre-hija «The Judds», Wynonna fue calificada en su día por Rolling Stone como «la mejor cantante femenina de country desde Patsy Cline». Esta icónica intérprete ha recibido más de 60 premios de la industria, con innumerables sencillos en las listas de éxitos, incluidos 20 números 1 como «Mama He’s Crazy», «Why Not me» y «Grandpa, (Tell Me ‘Bout The Good Ole Days)».

Wynonna y su banda The Big Noise, liderada por su marido, batería y productor, Cactus Moser, lanzaron su álbum debut de larga duración en febrero de 2016 a través de Curb Records con gran éxito de crítica. Wynonna ha descrito el nuevo sonido como «vintage pero moderno» y una «vuelta al pozo». Es un trabajo de raíces que abarca country, americana, blues, soul y rock. El álbum cuenta con invitados especiales como Derek Trucks, Jason Isbell, Susan Tedeschi y Timothy B. Schmit. Ann Powers, de NPR, señaló: «Con su banda detrás tras varios años de gira juntos, suena como si estuviera en casa… Puedes sentir la sonrisa en su cara».

Wagner: Ride of the Valkyries – Ring (Vídeo oficial)

Wagner: Der Ring des Nibelungen; Albert Dohmen, Vitalij Kowaljow, Petra Lang, Christa Mayer, Andreas Schager, Gerhard Siegel, Kurt Streit, Georg Zeppenfeld, dir: Willy Decker, dir: Christian Thielemann; Semperoper, Dresde

Producida en colaboración con el Teatro Real de Madrid, la producción -que volvió al escenario de la Semperoper de Dresde en enero de 2018, una joya de casa- contó con cantantes wagnerianos tan aclamados como Albert Dohmen, Petra Lang, Christa Mayer, Andreas Schager, Vitalij Kowaljow, Gerhard Siegel, Kurt Streit y Georg Zeppenfeld.

Y el hombre del foso -y gran estadista de Wagner- Christian Thielemann, se hizo cargo de la Staatskapelle Dresden de la que es director musical con firmeza, pasión y gusto. Su marca de fábrica, supongo. También es director musical del Festival de Bayreuth y del Festival de Pascua de Salzburgo.

Dresde, sin embargo, ocupa un lugar especial en la historia del Anillo, ya que Wagner pensó por primera vez en escribir sobre la leyenda del Nibelungo mientras trabajaba en la ciudad como Kapellmeister de la corte sajona. De hecho, fue en Dresde donde tuvo lugar la primera lectura del borrador del libreto.

Maria Gadú – Bela Flor

English Touring Opera se complace en anunciar una temporada de monodramas líricos que recorrerá el país de octubre a diciembre. La temporada presenta música para cantante solista y piano de Argento, Britten, Tippett y Shostakovich con un enfoque audaz e inventivo para hacer ópera durante el distanciamiento social.  «

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Italia – En directo desde el Teatro Del Silenzio, Italia / 2007 ft. Chris Botti

República Checa Mozart, Don Giovanni: Solistas, Coro y Orquesta del Teatro Nacional / Karsten Januschke (director). Interpretado en el Národní Divadlo, Teatro de los Estados, Praga y estrenado el 24.4.2021 en la Televisión Checa y disponible en streaming en todo el mundo hasta el 1.5.2021. (RP)

La Hallé se complace en anunciar su Temporada de Verano de seis conciertos en directo y con distancia social en el Bridgewater Hall de Manchester. Cada programa se interpretará dos veces, a las 14.15 y a las 19.00 horas, para que el mayor número posible de personas pueda escuchar a la orquesta en directo una vez más. Tres de estos conciertos (3 y 17 de junio, 22 de julio) también se retransmitirán por Internet, al igual que la exitosa Temporada de Invierno de la Hallé.

Mientras el país sale de las restricciones de cierre, la Royal Opera House se complace en anunciar una serie de actuaciones, asociaciones y eventos, así como una actuación especial del Royal Opera Chorus para las radios de los hospitales de todo el Reino Unido, para dar las gracias al increíble personal del NHS.

Reino Unido Timelapse 2.0 – Night Owl Digital Concert: Trish Clowes (saxofón), David Gordon (clave y piano), Orchestra of the Swan / David LePage (violín/director). Filmado en Purfleet, emitido por primera vez el 26.4.2021. (CC)

Un espectáculo de escrutinio | Papel crítico: EL PODEROSO NEIN

Producida en colaboración con el Teatro Real de Madrid, la producción -que volvía al escenario de la Semperoper de Dresde, una joya de casa- contó con cantantes wagnerianos tan aclamados como Albert Dohmen, Petra Lang, Christa Mayer, Andreas Schager, Gerhard Siegel, Kurt Streit y Georg Zeppenfeld.

El hombre del foso era el consumado wagneriano Christian Thielemann, director musical de la Staatskapelle Dresden. También es director musical del Festival de Bayreuth y del Festival de Pascua de Salzburgo, así como director musical general de la Filarmónica de Múnich.

Dresde, sin embargo, ocupa un lugar especial en la historia del Anillo, ya que Wagner pensó por primera vez en escribir sobre la leyenda del Nibelungo mientras trabajaba en la ciudad como Kapellmeister de la corte sajona. De hecho, fue en Dresde donde tuvo lugar la primera lectura del borrador del libreto.

La música de apertura de Das Rheingold, con su famoso y característico acorde de mi bemol sostenido durante los primeros 136 compases, evoca el misterio del Rin. Lentamente, esos inquietantes y estremecedores compases iniciales dan paso a una ondulación de acordes rotos y arpegios que sugieren el suave movimiento del agua y el amanecer que irrumpe a través de brillantes rayos de sol. El diseñador de iluminación Wolfgang Gussmann, en colaboración con Frauke Schernau en el vestuario, creó un decorado económico e imaginativo que sitúa la acción general dentro de los límites de un teatro. La lucha por el anillo tiene lugar dentro del auditorio.

Drury lane muffin man shrek

Prepárate para vivir la maravilla de Frozen de Disney en el Theatre Royal Drury Lane de Londres. Este nuevo musical del West End celebra la extraordinaria historia que derritió corazones en todo el mundo.

De día o de noche, el lugar perfecto para reunirse, comer y beber. Una cafetería y bar relajado con techos altos, lámparas de araña de gran tamaño, hermosas flores locales y plantas exuberantes, con asientos interiores y exteriores.

En enero de 2019, LW Theatres se embarcó en su proyecto más ambicioso y emocionante hasta la fecha: un proyecto de renovación de 60 millones de libras para restaurar el histórico Theatre Royal Drury Lane a su antigua gloria de 1812.

Teatro real drury lane grand saloon

El Theatre Royal Drury Lane es un lugar emblemático del West End y uno de los teatros más famosos del mundo. El edificio, catalogado de Grado I, data de 1663, lo que lo convierte en el teatro más antiguo de Londres aún en uso. El teatro actual fue diseñado por el arquitecto Benjamin Wyatt e inaugurado en 1812 con una producción de Hamlet. Durante los dos siglos transcurridos desde el reinado de Carlos II, Drury Lane fue uno de los dos únicos teatros autorizados para representar «obras legítimas» en Londres. Todos los demás teatros tenían prohibido representar obras habladas hasta que se revocó la ley en 1843.

Desde el final de la Segunda Guerra Mundial, el teatro se ha utilizado principalmente para albergar producciones de larga duración de musicales a gran escala, incluidos los estrenos en el Reino Unido de muchos musicales de la época dorada de Broadway en los años 60 y 70, como Oklahoma!, My Fair Lady, Hello, Dolly! y A Chorus Line. En la actualidad, Drury Lane es propiedad de Andrew Lloyd Webber’s LW Theatres y acaba de reabrir sus puertas tras una importante remodelación que ha permitido restaurar muchos de los elementos originales de la época de la Regencia. En el Theatre Royal Drury Lane se representa actualmente Frozen the Musical.

Comentarios sobre el té de la tarde en el Theatre Royal Drury Lane

El Theatre Royal, Drury Lane, está situado en la ciudad de Westminster y es el teatro más antiguo de Londres que sigue en uso. En este lugar se han construido cuatro teatros diferentes, el primero de los cuales abrió sus puertas en 1663. El teatro actual fue diseñado por Benjamin Dean Wyatt y se inauguró en su formato actual en 1812. El teatro, que ahora es propiedad de LW Theatres, la compañía de Andrew Lloyd Webber, y está gestionado por ella, acaba de someterse a una asombrosa remodelación de 60 millones de libras, diseñada por los arquitectos Haworth Tompkins, que incluye nuevos bares, camerinos e incluso un nuevo ascensor para 16 personas que facilita el acceso a los pisos superiores.

Durante los dos últimos años, C.A.T. ha trabajado en estrecha colaboración con el cliente, los arquitectos y los contratistas de suelos para suministrar una gama de perfiles de latón macizo para suelos y peldaños de escaleras en este emblemático edificio. Acabadas a mano en el Reino Unido, estas cantoneras de latón adornan las escaleras del auditorio del teatro y muchas de las escaleras en voladizo originales de los vestíbulos y palcos reales.

Gira por el Theatre Royal Drury Lane

El Theatre Royal Drury Lane, el teatro en uso más antiguo del mundo, lleva más de trescientos cincuenta años en el corazón de Covent Garden. El teatro actual se construyó en 1811 y Andrew y Madeleine Lloyd Webber lo han restaurado para devolverle su esplendor georgiano original.

Andrew Lloyd Webber ha compuesto las partituras de algunos de los musicales más famosos del mundo. Desde «Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat» (1969) hasta «Cinderella» (2021), su obra no ha dejado de representarse en los escenarios de todo el mundo. Forma parte del selecto grupo de artistas con estatus «EGOT», habiendo recibido premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony. Lloyd Webber es propietario de seis teatros londinenses, entre ellos el emblemático London Palladium y el Theatre Royal Drury Lane. Cada céntimo que gana en sus teatros se reinvierte en los edificios.

Ópera La traviata

El 7 de enero de 1817, el rey Fernando VII ordenó construir un teatro de ópera en la Plaza de Oriente. La primera piedra de la construcción del Teatro Real se colocó el 23 de abril de 1818. El teatro pasó a llamarse Teatro Nacional de la Ópera tras la Revolución Gloriosa de 1868. En octubre de 1925, el hundimiento del edificio obligó a cerrar el teatro y se sucedieron 41 años de reparaciones sin que el edificio volviera a abrir sus puertas. La Guerra Civil (un polvorín explotó en el interior del edificio) y las penurias de la posguerra dificultaron aún más la reconstrucción y todo quedó paralizado.

Entradas para La traviata

Querida Ermonela, ¡es un gran honor para nosotros tenerte en la portada de nuestro número del segundo aniversario! Muchas gracias por aceptar nuestra invitación. Nuestra conversación la encuentra en Hamburgo para la Madama Butterfly de Puccini, ¿me equivoco? ¿Cómo va la producción?

Sí, estoy en Hamburgo. Mañana es la última representación de Madama Butterfly, mi 178ª vez interpretando este papel. Las cuento, porque para mí es una victoria personal.  He trabajado tanto conmigo mismo como técnicamente, como artista. Derribé ciertos muros y demostré que estaba equivocada la mentalidad que tiende a definir las voces, diciendo «no puedes cantar este papel». En cambio, creo que he dado con la tecla adecuada para alcanzar ciertas metas.

Sobre Butterfly, La Traviata, Manon Lescaut… pero también lo entiendo, porque cuando te decides por ciertos papeles difíciles, tienes que ser muy consciente. Siempre he estudiado y estudio mucho: Intento hacer un trabajo de investigación personal, tanto vocal como artísticamente hablando. ¿Quién dice que un papel que ha arruinado la voz de otros cantantes debe arruinar también la suya? Hay que ser consciente a la hora de tomar ciertas decisiones. Nuestro trabajo no termina nunca: aunque una noche te ovacionen, la siguiente tienes que hacerlo mejor que antes y superarte a ti mismo. Esta es mi opinión tras 28 años de carrera.

Entradas Turandot

Esta producción de Mario Gas se estrenó en 2002 en el Teatro Real y se reestrenó cinco años después; sus colaboradores fueron el renombrado trío formado por Ezio Frigerio, Franca Squarciapino y Vinicio Cheli. La producción se desarrolla en un estudio de cine de los años 30, un concepto original que tiene sus virtudes y sus defectos. Entre las primeras están la espera a que empiece la ópera y ver todos los preparativos del rodaje; y la proyección de imágenes cinematográficas sobre el escenario, que permite al espectador seguir de cerca a los intérpretes. El principal inconveniente es que la ópera pierde intimidad con tantas cámaras y gente del cine alrededor.

Mario Gas recrea el sueño de Butterfly al principio del Acto III, donde Pinkerton aparece y abraza a Butterfly y al hijo de ambos. La parte menos interesante de la producción es el giro continuo de la casa, como si fuera un tiovivo. La propia casa, enmarcada por una serie de columnas, parece más una mansión de Dalila o el palacio de Idomeneo que una casa japonesa. Pero, en general, la producción funciona bien.

¿Dónde se representará Turandot en 2023?

Ermonela Jaho (nacida en 1974) es una soprano de ópera albanesa[1] Descrita en The Economist como «la soprano más aclamada del mundo»[2] The Financial Times dijo: «Ermonela Jaho se entrega en cuerpo y alma a su canto…. Ni siquiera intente resistirse»[3].

Jaho empezó a estudiar canto a los seis años. Tras completar sus estudios en el Liceo Artístico «Jordan Misja» de Tirana en 1992, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Tirana, donde estudió durante un año. Tras ganar un concurso organizado por la soprano italiana Katia Ricciarelli en Albania, se trasladó a Italia en 1993, donde estudió un año en la Academia de Mantua. Tras finalizar sus estudios, ingresó en la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma, donde estudió canto y piano durante cinco años. Actualmente estudia con la mezzosoprano Catherine Green, esposa de Alan Green, mánager de Jaho[6].