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Juan Crisóstomo de Arriaga y Balzola, brillante compositor vasco conocido como «el Mozart español», murió a los veinte años. Nació el mismo día que Mozart, el 27 de enero, pero cincuenta años más tarde. Sólo se conservan fragmentos de sus extraordinarias obras. El Teatro Arriaga, de estilo neobarroco, fue construido en 1890 y dedicado a su memoria.

El teatro de ópera original de 1890, conocido como Nuevo Teatro de Bilbao, fue construido por el arquitecto Joaquín Rucoba, que también diseñó el Ayuntamiento de Bilbao. El Nuevo Teatro de Bilbao pronto tomó el nombre de Teatro Arriaga por la plaza Arriaga, donde estaba situado.

El diseño de Rucoba combinaba la decoración clásica con todos los avances tecnológicos de la época. En 1890, la ópera La Gioconda, del compositor italiano Amilcare Ponchielli, marcó la inauguración. Un incendio destruyó el edificio en 1914. La reconstrucción corrió a cargo del arquitecto y urbanista Federico Ugalde.

El teatro actual es un edificio independiente con tres alzados divididos. El nivel de la base tiene arcos cerrados soportados por pilares y rematados por una cornisa continua. El segundo nivel alberga la planta noble principal, con vanos rectangulares y óculos decorados. La cornisa del tercer nivel tiene una barandilla y ventanas rectangulares más pequeñas.

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Plaza Arriaga, 1, BilbaoLo esencialDada su proximidad al Casco Viejo de Bilbao, muchas de las visitas guiadas de un día o medio pasan por el exterior neobarroco del teatro, aunque los viajeros que deseen admirar el interior deberán adquirir entradas para el espectáculo. Si lo prefiere, puede conocer mejor la turbulenta historia del teatro durante una visita guiada y acceder a las instalaciones normalmente vedadas al público. Aunque reservar con antelación las entradas para los espectáculos y actuaciones del Teatro Arriaga ahorra tiempo y posibles decepciones, a menudo se ofrecen descuentos de última hora en el mismo día.Alle anzeigenAlle 11 Erlebnisse anzeigen

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Alessandro Scarlatti destaca como el más grande compositor barroco de música vocal a la hora de expresar musicalmente las inflexiones de la poesía. Entre su vasta producción vocal (alrededor de 600 cantatas, unas 120 óperas y unos 40 oratorios). Estrenada en Venecia en 1701, «Cain, overo Il primo omicidio» es una de sus óperas más importantes. Escrita como obra de la Contrarreforma en 1707, cuando las representaciones escénicas estaban prohibidas en Roma por decreto papal, Il primo omicidio es, no obstante, una ópera.

Dios y Lucifer se enfrentan en el alma misma de Caín, la voz de su hermano se oye desde el cielo y el tratamiento «espacial» de los niveles tonales contribuyen a la eficacia de una música casi expresionista. La narración está llena de sexo, crimen, drama y humor. Dios y el diablo aparecen y luchan por el alma humana. Las emociones y pasiones se recrean en arias con una música llena de colores y detalles. No falta de nada en este increíble «thriller» bíblico barroco.

El prestigioso contratenor Carlos Mena asume la dirección musical de la producción del Teatro Arriaga mientras que la aclamada europea Tatjana Gurbaça se embarca en la dirección escénica. Para el estreno en Bilbao, la Orquesta Sinfónica de Bilbao (BOS) interpretará la música acompañada por solistas de increíble talento.

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The deaths of the others is a sound show with the texts of the characters and the reflections of the protagonist in pre-recorded with an infinity of sound stimuli to travel, while the voice of the actress is broadcast live.

It tells the dark story of two sisters, one of them invalid and the other obsessed with the movie What became of Baby Jean? The show aims to transport the viewer to a disturbing and gloomy place, in addition to proposing a fine and profound work of interpretation. Maite Agirre, Justi Larrinaga and Olatz Gorrotxategi are the actresses who give life to the characters of the play. A story about violence, family relationships and cloistered women.

The play premiered at the Arriaga Theater in Bilbao on November 11th and 12th. Later it could be seen in the Barakaldo Theater (collaborator in the production of the staging), in the Alhondiga of Bilbao and in other theatrical spaces.

Based on Jean Cocteau’s text ‘The Human Voice’, Moon Produkzioak premiered in 2013 at the Teatro Barakaldo a show directed by Fer Montoya and staged by Meritxell Checa Esteban and Adrián García de los Ojos.

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Las artes escénicas han disfrutado de una rica y distinguida historia en Boston, que se remonta a casi 200 años, cuando Charles Bulfinch diseñó el primer teatro de la ciudad en 1794. Con más de 95 años de historia, el Teatro Wang sigue siendo una parte vital de la vida cultural de Boston y el ancla del histórico Distrito Teatral de Boston.

Inaugurado en 1925, «The Met», como se le llamaba, fue desarrollado por Max Shoolman y diseñado por Clarence Blackall, uno de los principales arquitectos teatrales estadounidenses. Blackall también diseñó otros 12 grandes teatros de Boston, entre ellos el Emerson Colonial Theatre y el Wilbur Theatre, así como el Copley Plaza Hotel.

En aquella época, el Metropolitan fue aclamado como una magnífica «catedral» del cine, que recordaba el esplendor de un palacio de Luis XIV, y fue considerado históricamente el monumento más importante de Boston de «los locos años veinte». Como pocos teatros del mundo, sus relucientes arañas de cristal y sus imponentes columnas y puertas de mármol importado constituían un elegante marco para miles de espectadores que acudían a disfrutar de películas, grandes bandas y vodeviles.

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Paul Thomas Anderson (nacido el 26 de junio de 1970),[2][3] también conocido por sus iniciales PTA, es un cineasta estadounidense. Sus películas han sido siempre aclamadas por la crítica. Las películas de Anderson suelen ser dramas psicológicos y se caracterizan por la representación de personajes imperfectos y desesperados, la exploración de temas como las familias disfuncionales, la alienación, la soledad y la redención, y un estilo visual audaz que utiliza la cámara en movimiento y las tomas largas. Anderson ha sido nominado a once Oscar, tres Globos de Oro y ocho BAFTA (ganó uno), y ha ganado un León de Plata en Venecia, un premio al mejor director en Cannes y un Oso de Oro y un Oso de Plata en Berlín.

Debutó en el largometraje con Hard Eight (1996). Tuvo éxito comercial y de crítica con Boogie Nights (1997) y recibió más galardones con Magnolia (1999) y Punch-Drunk Love (2002), una comedia romántica. La quinta película de Anderson, There Will Be Blood (2007), sobre un buscador de petróleo durante el boom petrolífero del sur de California, se cita a menudo como una de las mejores películas de la década de 2000. Le siguieron The Master (2012), Inherent Vice (2014), Phantom Thread (2017) y Licorice Pizza (2021).

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Resumen de participaciónAparticipaciones61Anfitrión1969Primera aparición1961Primer puesto1er: 1968, 1969Puntos nulos1962, 1965, 1983Enlaces externosPágina de TVEPágina de España en Eurovision.tvPara la participación más reciente verEspaña en el Festival de Eurovisión 2023

España ha participado 61 veces en el Festival de Eurovisión desde su debut en 1961. Desde 1999, España ha sido uno de los «Cinco Grandes» países, junto con Francia, Alemania, Italia y el Reino Unido, que son automáticamente preclasificados para la final cada año por ser los mayores contribuyentes financieros a la Unión Europea de Radiodifusión (UER). España ha competido ininterrumpidamente en el concurso desde su debut en 1961. El único país con más participaciones ininterrumpidas en Eurovisión es el Reino Unido, presente desde 1959.

España ha ganado el concurso en dos ocasiones, la primera en 1968 con la canción «La, la, la», cantada por Massiel, y de nuevo en 1969, cuando «Vivo cantando», de Salomé, quedó en un cuádruple empate con Francia, Países Bajos y Reino Unido. El concurso de 1969 en Madrid es la única vez que España ha acogido el certamen, ya que se sorteó tras el empate a cuatro de 1969 y el de 1970 fue organizado por los Países Bajos. Otros buenos resultados en el siglo XX fueron cuatro segundos puestos con Karina en 1971, Mocedades en 1973, Betty Missiego en 1979 y Anabel Conde en 1995, y un tercero con Bravo en 1984. El país quedó último con nulos en tres ocasiones: en 1962, 1965 y 1983, y también fue último en 1999 y 2017.

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Descripción de la obra: Se trata de una obra coreografiada originalmente para doce bailarines. Santiago Aguilar compone la música original de esta obra. La coreografía yuxtapone el uso de un gran grupo de bailarines y una gran puesta en escena con los pasos y la coreografía de un martinete tradicional.

El martinete es un palo flamenco perteneciente al grupo de las tonás o cantes a palo seco. Como el resto de cantes de este grupo, se canta normalmente sin acompañamiento, aunque para el baile se acompaña de percusión tocada al compás de siguiriya. Los instrumentos de percusión elegidos para ello suelen ser un martillo y un yunque, para evocar los orígenes de este palo, atribuidos a los herreros gitanos. La temática del martinete contiene a menudo alusiones a la persecución, la cárcel y el ambiente de las fraguas.

Amaya comienza su carrera profesional en la década de 1980, actuando en los foros flamencos más importantes de México y realizando después giras internacionales por Latinoamérica, Japón, Estados Unidos y, más recientemente, España.

Juego de sombras

Tigran Hamasyan nació en Gyumri (Armenia) en 1987. Desde los 2 años mostró un extraordinario interés por la música. El tocacintas y el piano llegaron a ser preferibles a muchos otros juguetes que tenía. A los 3 años ya cantaba muchas canciones de Led Zeppelin, Deep Purple, Beatles, Louis Armstrong y Queens, e intentaba acompañarse al piano. A los 7 años se introdujo en el mundo del jazz. Estudió melodías de jazz, improvisando al piano. Estudió el arte de Duke Elington, Thelonious Monk, Charlie Parker, Art Tatum, Miles Davis, Bud Powell y… leer más

Tigran Hamasyan nació en Gyumri (Armenia) en 1987. Desde los 2 años mostró un extraordinario interés por la música. El tocacintas y el piano se convirtieron en sus juguetes prefer… leer más

Tigran Hamasyan nació en Gyumri (Armenia) en 1987. Desde los 2 años mostró un extraordinario interés por la música. El tocadiscos y el piano llegaron a ser preferibles a muchos otros juguetes que tenía. A los 3 años ya cantaba un gran … leer más

Salvar la Tierra – Teatro de sombras VERBA

Rumput interpreta keroncong (una banda de cuerda tradicional de Indonesia) y explora hilos paralelos con otras tradiciones, especialmente la música antigua de bandas de cuerda de Estados Unidos y las Islas Británicas, y el gamelán indonesio. Producen espectáculos multimedia con música tradicional y original combinada con teatro de sombras que incluye elementos de las tradiciones estadounidense e indonesia: crankies (panoramas desplazables) y wayang (marionetas de sombras).

Estrenarán dos nuevas obras encargadas al artista Dani Iswardana y al músico Danis Sugiyanto, ambos de Java. Rumput lleva muchos años aprendiendo y colaborando con Danis Sugiyanto y otros músicos javaneses.

Katherine Fahey utiliza crankies para contar historias populares tan lejanas como los pantanos del sur de Luisiana y los confines septentrionales del Quebec inuit, pero también relata historias reales de su infancia en Virginia o de las calles de Baltimore.

Rory Gallagher – Juego de sombras

La diversidad étnica y las ricas tradiciones musicales de Nueva Orleans y los bayous de Luisiana son el telón de fondo de la adaptación que hace el Teatro de Sombras de Oregón del clásico cuento de hadas francés. Antoine, el hijo del molinero, hereda a Puss, el extraordinario gato que habla. Los dos emprenden un viaje para impresionar al gran rey Calipso y a la princesa, la dulce Emma. Pronto Antoine lucha con un caimán y el Gato tiene que enfrentarse al Ogro del Pantano, que cambia de forma. Los coloridos títeres de sombras inspirados en los escandalosos disfraces de los desfiles de Mardi Gras, junto con la música cajún y zydeco en directo, dan un sabor picante a esta producción.

El Oregon Shadow Theatre es una compañía de Portland especializada en el arte de las sombras chinescas. Sus galardonadas obras de teatro de sombras han recorrido Estados Unidos y Canadá, con actuaciones en el Instituto Smithsonian de Washington, D.C., el Instituto de Arte de Detroit, el Northwest Puppet Center de Seattle, el Center for Puppetry Arts de Atlanta y Kidfort de Boise.

Shadow Puppet Theatre – John Doe [Vídeo musical oficial]

Construir un espectáculo visual y musical inspirado en las técnicas de sombras. Éstas fueron transmitidas a los niños y alumnos por los artistas visuales de la ESAT Evasion, Sélestat. A partir de 3 haikus, imaginar formas, imágenes, realizarlas, manipularlas, ponerlas en movimiento sobre una pantalla. Desarrollar mundos sonoros escritos e improvisados en relación con las imágenes.

El proyecto propone realizar una experiencia visual y musical que combine el gesto musical, el movimiento corporal, las sombras y lo visible, la coacción y la flexibilidad. Proyecto dirigido por Emmanuelle Zanfonato, directora, y Abril Padilla, compositora, e interpretado por el profesor, los alumnos y los estudiantes.

El aspecto visual debe captar el carácter evanescente de uno o varios haikus seleccionados o escritos (enlace escribir un haiku) por los alumnos y construir un espectáculo, un recorrido de tantas «imágenes vivas» como haikus explorando las técnicas gráficas y las sombras mediante retroproyectores.

Encontrar el material para un espectáculo en la improvisación de lo musical con imágenes, la improvisación de lo visual en lo musical, todo ello en relación con lo propuesto por los haikus seleccionados por el profesor o los alumnos. Los haikus pueden ser escritos por los alumnos.

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Desde su construcción a principios del siglo XX, la vibrante Gran Vía se ha convertido en el lugar al que acuden los madrileños en busca de diversión. Por eso no es de extrañar que se haya convertido en lo que muchos llaman el Broadway madrileño. Ha albergado cines y teatros desde su construcción, pero la crisis de estos dos sectores ha hecho que en las dos últimas décadas muchos de sus históricos auditorios, algunos con capacidad para más de 1.000 personas, se hayan convertido en escenarios de teatro musical, este popular género en alza. Hoy, las carteleras de Gran Vía anuncian los mejores musicales de la capital, con el atractivo añadido de que los espectáculos tienen lugar en atractivos edificios históricos. El Teatro Lope de Vega, inaugurado en 1949, es hoy internacionalmente conocido en el panorama musical. En él se han estrenado producciones de la talla de La Bella y la Bestia, Jesucristo Superstar, Los Miserables o el insuperable El Rey León, que lleva ocho años seguidos en cartel.

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Fortuna y la máquina de lluvia (23 y 24 de octubre) Autora: Eleonora Luna Reyes Dirigida por: Cynthia Miranda Con: Elisa Forcano, Adí Bar-Gera, Roberto Enríquez (voz en off) y María Morales (voz en off) Esta obra narra el viaje emocional y vibrante de…

Living Arts International Gathering Africa Moment’21 celebra este año su 5ª edición en las ciudades de Madrid y Barcelona, una edición inédita con un doble itinerario, que presenta propuestas de gran innovación y calidad artística a cargo de figuras…

«Un árbol que no tiene raíces no puede crecer», recuerda Germaine Acogny. Así se cuenta ella misma: a través de las palabras de su padre, del recuerdo de su abuela, esta historia arraigada en Benín, donde nació, y en Senegal, donde creció, se abre a todas las tierras de…

La alusión central de la pieza es la «danza de la caña», ampliamente conocida en Sudáfrica (y cada vez más como atracción para turistas internacionales) como una colorida celebración cultural que pretende fomentar el respeto a las jóvenes y preservar la costumbre de que las niñas permanezcan…

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Madrid es reconocida mundialmente como la capital de los musicales en español. Es el tercer destino preferido en el mundo para disfrutar de los mejores musicales del panorama nacional e internacional, sólo por detrás del West End londinense y el Broadway neoyorquino.

Los musicales se han convertido en uno de los planes de ocio favoritos de los madrileños, tanto para los propios madrileños como para los millones de visitantes y turistas que cada año eligen Madrid como uno de los principales destinos culturales.

Este sector, protagonista de la agenda teatral madrileña, cosecha numerosos éxitos cada temporada, dada la amplia oferta de su cartelera y la alta calidad de su producción técnica y artística. El gran despliegue de medios, escenografía, vestuario, actores y actrices, cantantes y bailarines, hace difícil elegir un solo espectáculo.

Música y teatro se unen un año más en esta temporada para ofrecer los mejores espectáculos de 2023, con una gran diversidad de propuestas para todos los públicos y gustos: desde musicales biográficos hasta comedias e historias fantásticas con bandas sonoras de renombre.

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En 1991 – Queen filma el vídeo final «These are The Days Of Our Lives», Limehouse Studios, Londres, Reino Unido. Brian no está presente como en EE UU. Fue añadido al vídeo por separado unos días después. Contiene las últimas palabras de Freddie a los fans «I still love you …

En 2011 – Una audiencia récord de 2,8 millones de espectadores vieron la segunda parte del documental «Queen: Days Of Our Lives » en BBC 2, y en esta semana «In The Studio With Queen» en antena con Red Beard tuvo a Brian May y Roger Taylor como invitados, sobre el tema «40th Anniversary Queen Remasters».

La película de BBC Two, Queen: Days Of Our Lives, incluye imágenes del extravagante cantante, dolorosamente delgado por los efectos del virus VIH que le mataría pocos meses después, decidido a completar su última toma de vídeo.

Mercury se maquilla y comprueba su imagen y su actuación en los monitores de la pantalla antes de subir con cuidado al escenario e interpretar en solitario el single de 1991 de la banda «These Are The ays Of Our Lives». Sale del cuadro tras susurrar la frase final «I still love you». Su muerte por neumonía relacionada con el sida, a la edad de 45 años, se anunció en noviembre de 1991, un día después de que emitiera un comunicado diciendo que padecía la enfermedad.

Canciones de teatro musical contemporáneo

Como adolescente, es importante elegir una canción para la audición que no sólo muestre tu voz, sino que también sea apropiada para tu edad. Aquí, la profesora de canto Molly R. comparte algunos consejos para seleccionar tu canción, además de las 50 mejores canciones para audiciones de teatro para chicos y chicas adolescentes.

Pero no siempre es fácil elegir la canción perfecta para una audición de teatro musical. En este post encontrarás las mejores recomendaciones de canciones de audición para chicos y chicas, pero también deberás tener en cuenta un par de cosas…

Por ejemplo, ¿la compañía va a representar un espectáculo más atrevido como «Rent»? Si es así, puede que quieras cantar una canción de audición de un espectáculo como «Spring Awakening» o incluso «Hair». Si se trata de un clásico más antiguo, como «Carousel», considera otra obra de Rodgers y Hammerstein, como «South Pacific», o algo de la misma época, como «My Fair Lady».

Tienes que elegir canciones para la audición de teatro que te permitan expresar lo mejor de tu voz, y no podrás hacerlo si intentas cantar demasiado alto o demasiado bajo para tu registro natural.

Mejor espectáculo de Broadway

A la hora de buscar canciones de teatro musical apropiadas para cantar en audiciones y representaciones, hay un grupo de edad difícil de encontrar: los preadolescentes y los adolescentes. Para los cantantes demasiado mayores para querer cantar «Castle on a Cloud», «Tomorrow» o «The Girl I Mean to Be», pero demasiado jóvenes para sentirse cómodos cantando canciones de amor, puede ser un reto encontrar la canción adecuada. Este grupo de edad tan especial tiende a apreciar el sonido maduro y la complejidad musical de las canciones para adultos, pero prefiere canciones con un contenido cercano, sobre todo para audiciones y actuaciones. Aquí tienes 10 canciones de teatro musical para preadolescentes y adolescentes que te ayudarán a encontrar algunas buenas opciones. En otra entrada te daré otras 10 canciones para chicos preadolescentes y adolescentes. No todas están escritas para personajes adolescentes o preadolescentes, pero todas ofrecen un nivel adecuado de complejidad musical con letras perfectas para ese grupo de edad.

No hay nada más apropiado para la edad que esta canción del querido musical 13 de Jason Robert Brown. Con la dificultad característica de los musicales para adultos de Brown, pero con una letra apropiada para, bueno, niños de 13 años, esta canción es un éxito entre mis alumnos.

Teatro musical del siglo XXI

Ser adolescente puede ser duro, y sin duda se han escrito muchos musicales sobre ese tema en las últimas décadas (por ejemplo, Spring Awakening, Dear Evan Hansen, Heathers y muchos más). Si buscas canciones de musicales contemporáneos escritas para personajes femeninos de entre 13 y 18 años, echa un vistazo a las cien que he recopilado a continuación. Esta lista no es en absoluto exhaustiva, y si necesitas más ideas de canciones, hay más de 500 canciones para soprano y mezzosoprano adolescentes y jóvenes adultos en mi guía de repertorio de teatro musical contemporáneo aquí. Las canciones a continuación son sólo una muestra de esa guía mucho más amplia. Si esta lista te resulta útil, ¡considera la posibilidad de comprar la guía!

P.D. Aunque estas canciones fueron escritas para personajes adolescentes, no todas serán vocalmente y/o emocionalmente apropiadas para cada cantante joven. Vale la pena señalar que algunos de estos papeles fueron interpretados por actores de más de 20 años en Broadway y otros lugares. Por otra parte, nunca desaconsejaría a un intérprete de cualquier sexo cantar estas canciones. Como siempre, recomiendo consultar a los profesores de canto e interpretación si eres un adolescente/joven adulto que busca canciones apropiadas.

Los mejores espectáculos de Broadway 2023

Es un buen momento para ser un adolescente aficionado al teatro. En la escena neoyorquina hay de todo, desde musicales sobre solitarios de instituto y animadoras vengativas hasta obras sobre Harry Potter y aspirantes a Harry Potter. Hemos elaborado una lista de los 10 mejores espectáculos que se representan actualmente en la Gran Manzana y que están protagonizados por personajes adolescentes, ¡y a veces adolescentes de verdad! Verlos los 10 sería de lo más fetén.

Los fans de Spring Awakening se sentirán atraídos por la última incursión de Duncan Sheik en el amor y el desamor adolescente. Alice by Heart invita al público a adentrarse en el País de las Maravillas de Lewis Carroll a través de un refugio antiaéreo en un Londres devastado por la guerra durante el Blitz. Todos los personajes conocidos están allí -el Conejo Blanco, el Gato de Cheshire, la Reina de Corazones- y todos los momentos ilógicos de la adolescencia parecen tener sentido en ese mundo fantástico. Es una madriguera por la que disfrutarás bajando.

Ojalá hubiera una forma de pasar de ser un fiasco a un semental de la noche a la mañana. Pues la hay. – al menos en el fenomenalmente popular nuevo musical de Joe Iconis, Be More Chill. Will Roland interpreta a Jeremy Heere, un perdedor que se describe a sí mismo como tal y al que un nanocomputador le reconfigura el cerebro para enseñarle a -lo has adivinado- «ser más chill», con lo que de repente se dispara a la estratosfera de los chicos guays, pero el precio de la popularidad podría ser demasiado alto. El musical se convirtió en una sensación underground tras su estreno en Nueva Jersey en 2015. Ahora el público de Broadway podrá comprobar por qué.

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Esta obra maestra le encantará con ritmos y trajes de otro mundo. Ha sido nombrado el musical de más éxito de todos los tiempos: desde diciembre de 2001 el Rey León se representa en el puerto de Hamburgo. Una fusión de ritmo africano y música pop de Elton John le transportará al mundo salvaje del Serengeti. Pero no es sólo la música: las fantásticas vestimentas y las máscaras de una belleza sobrecogedora aumentan el encanto. La directora Julie Taymor creó esta insólita obra maestra para el escenario basándose en la película de Disney «El Rey León». La historia de Simba es un relato emotivo y lleno de aventuras. En un gran escenario africano, nos cuenta la lucha del joven león por ocupar el lugar que le corresponde en el trono de su padre.

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Las jirafas se pavonean. Los pájaros se abalanzan. Las gacelas saltan. Todo el Serengeti cobra vida como nunca antes. Y mientras la música se eleva, la Roca del Orgullo emerge lentamente de la niebla. Este es EL REY LEÓN de Disney, en su regreso triunfal a San Diego.

Más de 100 millones de personas de todo el mundo han disfrutado del impresionante arte visual, la música inolvidable y la narración teatral única de este espectacular espectáculo de Broadway, una de las producciones más impresionantes y queridas que jamás haya pisado un escenario.

Ganador de seis Premios Tony®, incluido el de Mejor Musical, EL REY LEÓN reúne a uno de los equipos creativos más imaginativos de Broadway. La directora Julie Taymor, ganadora de un premio Tony®, da vida a una historia llena de esperanza y aventura con un impresionante telón de fondo visual. EL REY LEÓN también cuenta con el extraordinario trabajo del coreógrafo Garth Fagan, ganador de un premio Tony®, y con algunos de los temas musicales más conocidos de Broadway, creados por los artistas Elton John y Tim Rice, ganadores de un premio Tony®.

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A medida que sale el sol y la ciudad se despierta, observe con asombro cómo las jirafas se pavonean, las gacelas saltan y los pájaros vuelan en picado, haciendo que el Serengeti y la historia de Simba cobren vida a su alrededor… Ingeniosas marionetas, impresionantes efectos y la encantadora música de Elton John, Tim Rice y Lebo M le transportarán al corazón de las Pridelands africanas.

El galardonado musical de Disney El Rey León explota con colores gloriosos, efectos asombrosos y música encantadora. Sigue la poderosa historia de Simba, que pasa de ser un cachorro de ojos grandes a convertirse en el Rey de las Pridelands.

El Rey León está recomendada para todos los públicos. Como consejo para los adultos que lleven niños, recomendamos El Rey León a partir de 6 años. Los niños menores de 3 años no serán admitidos en el teatro. Los menores de 16 años deberán ir acompañados de un adulto y no podrán sentarse solos en la sala. Todas las personas que accedan al teatro, independientemente de su edad, deberán estar en posesión de una entrada.

Puede imprimir una copia en papel de las entradas en casa y traerla consigo o puede presentar las entradas en su dispositivo móvil cuando llegue al teatro. Asegúrese de que su dispositivo está cargado y de que puede abrir correctamente el archivo adjunto a la entrada antes de llegar al teatro.

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El Rey León es un musical de teatro con música de Elton John, letra de Tim Rice y libro de Roger Allers e Irene Mecchi, con música y letra adicionales de Lebo M, Mark Mancina, Jay Rifkin, Julie Taymor y Hans Zimmer. Está basado en la película homónima de 1994 de Walt Disney Animation Studios[1]. Dirigido por Taymor, el musical cuenta con actores disfrazados de animales y marionetas gigantes huecas. El espectáculo está producido por Disney Theatrical Productions[2].

En septiembre de 2014, El Rey León se convirtió en el título más taquillero de la historia tanto para obras escénicas como para películas, superando el récord que hasta entonces ostentaba El fantasma de la ópera[11]. El musical ha recaudado casi 8.100 millones de dólares en 2017[12].

Al salir el sol, el mandril Rafiki llama a los animales a la Roca del Orgullo. Saluda al rey Mufasa y a la reina Sarabi antes de presentar su cachorro a los animales reunidos («Círculo de la vida»). En otro lugar, Scar, el hermano de Mufasa, se lamenta de haber perdido la oportunidad de convertirse en Rey. De vuelta a su árbol baobab, Rafiki pinta una imagen del cachorro y pide a los espíritus que conjuren el nombre del nuevo príncipe: Simba.

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Tu joven actor puede viajar a la selva para columpiarse de lianas, escapar de arenas movedizas y luchar contra roedores de tamaño inusual. Los alumnos trabajarán juntos para descubrir nuevas y emocionantes civilizaciones, criaturas y cavernas. Es una aventura llena de imaginación que no querrán perderse.

Piratas, sirenas y dragones de mar… ¡vaya por Dios! Tu alumno se sumergirá en la navegación por mar abierto con la mente abierta y las historias de aventuras como guía. Únase al capitán de su NCT y a su nueva tripulación mientras navega por las impredecibles aguas de nuestro planeta.

Creemos que TODOS los niños tienen derecho a crecer a través de experiencias artísticas de calidad. Por eso nos asociamos con organizaciones de todo Middle Tennessee para llevar el teatro transformador a los niños en sus escuelas y comunidades.

«Aparte de la originalidad constante del teatro, lo que más me gusta como padre de los espectáculos del Nashville Children’s Theatre es ver a todos los niños durante el espectáculo. Mirar alrededor y ver la cara de todos los niños sin pestañear, totalmente absortos en lo que está ocurriendo delante de ellos, vale el precio de la entrada y algo más».

Música libre de derechos

Este artículo incluye una lista de referencias generales, pero carece de suficientes citas en línea correspondientes. Por favor, ayude a mejorar este artículo introduciendo citas más precisas. (Octubre de 2014) (Aprende cómo y cuándo eliminar este mensaje de plantilla)

La música incidental es música en una obra de teatro, programa de televisión, programa de radio, videojuego, o alguna otra forma de presentación que no es principalmente musical. El término se aplica con menos frecuencia a la música cinematográfica, a la que se denomina partitura o banda sonora.

La música incidental suele ser música de fondo y su objetivo es añadir ambiente a la acción. Puede adoptar la forma de algo tan simple como un tono grave y ominoso que sugiera la inminencia de un acontecimiento alarmante o que mejore la descripción de una secuencia que hace avanzar la historia. También puede incluir piezas como oberturas, música interpretada durante los cambios de escena o al final de un acto, inmediatamente antes de un interludio, como era habitual en varias obras del siglo XIX. También puede ser necesaria en las obras en las que los músicos actúan en escena.

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Somos monstruos es un nuevo y divertidísimo musical que sigue a unos niños humanos hasta un cabaret de monstruos lleno de extravagantes personajes monstruosos. Los aventureros humanos descubren vampiros vegetarianos y hombres lobo rockeros, y poco a poco se dan cuenta de que estos monstruos son más de lo que parece. Lo más importante es que estos monstruos y niños descubren la importancia de la amistad y de celebrar los atributos que nos hacen a cada uno diferentes y únicos.

Una guía completa sobre el reparto, los decorados, el atrezzo y el vestuario. Además, el guión completo con notas al margen sobre cómo dirigir a los actores, cuándo pulsar «play» para cada entrada musical, y un escenario en blanco para no perder de vista el bloqueo.

Grabaciones instrumentales en MP3 de alta calidad que los actores pueden interpretar durante el espectáculo. Arregladas profesionalmente para sonar como una orquesta de Broadway. Incluye efectos de sonido y música de cambio de escena.

Sabemos lo importante que es poder presupuestar con confianza antes de elegir un espectáculo para producir. Encontrará que el coste de nuestros Kits de Producción es aproximadamente la mitad del precio de los grandes editores. Por favor, nunca cobramos extra por las cosas que usted necesita (logotipos, licencia de vídeo, etc.)

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La visión del Teatro Musical Infantil de Alamogordo es llevar el arte y la alfabetización teatral a los jóvenes de nuestra comunidad, dándoles la experiencia de representar teatro, danza y música en vivo sobre el escenario. También nos esforzamos por enriquecer sus vidas dándoles la oportunidad de participar en los muchos y variados aspectos de la representación teatral (construcción de decorados, pintura, atrezzo, maquillaje escénico, vestuario, etc.), dándoles una salida creativa positiva, enseñándoles habilidades para hablar en público, dándoles la oportunidad de construir amistades duraderas y animándoles a aprender el valor del trabajo en equipo.

Su próximo espectáculo es «El Rey León Jr.», que se encuentra actualmente en fase de ensayo y se estrena el 5 de mayo de 2023. Las fechas de los espectáculos son viernes y sábado, 5 y 6 de mayo, a las 19.00 horas, matiné del domingo, 7 de mayo, a las 14.00 horas, y viernes y sábado, 12 y 13 de mayo, a las 19.00 horas. Las entradas pueden adquirirse en línea a través del sitio web del Flickinger Center, en persona en la oficina del Flickinger o en taquilla antes de las representaciones: 10 $ adultos, 5 $ niños menores de 12 años.

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Saint Louis University-Madrid ofrece a los estudiantes la posibilidad de ampliar sus conocimientos en las disciplinas de danza, música o teatro a través del Minor en Artes Escénicas de la SLU. Los estudiantes adquieren una comprensión básica de cada área y del alcance global de las artes escénicas. También se les proporcionará una visión global de los diversos aspectos de la escena en un contexto español, latino y, más ampliamente, europeo.

El Minor en Artes Escénicas consta de 18 créditos. Todos los estudiantes que completen el Minor deben cursar THR 1010: Introducción a las Artes Escénicas, también se les requiere completar al menos un curso para su concentración en la disciplina de su elección: danza, música o teatro.

Cada semestre, el Programa de Teatro produce un drama en vivo, con la participación de los estudiantes tanto en el escenario como entre bastidores. Las producciones del Programa de Teatro desafiarán a los estudiantes a considerar diversos puntos de vista, valores y expresiones de la creatividad, al tiempo que les proporcionan la oportunidad de descubrir y practicar el protocolo y el oficio teatral en un ambiente colectivo.

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El Coordinador de Investigación de Grado Superior (HDR) es responsable de poner en contacto a los estudiantes potenciales con los supervisores potenciales y de garantizar que los solicitantes tengan acceso a la información relacionada con la admisión y las becas. El Coordinador del IDH también asesora a los estudiantes y a los supervisores en todos los asuntos relacionados con la candidatura, incluidos los recursos, la ética y la progresión. El coordinador del IDH orienta a los supervisores y a los estudiantes en la administración de la investigación de grado superior. El coordinador del IDH desempeña un papel importante en el desarrollo de una cultura de investigación positiva dentro de su elemento académico.

Universidades de actuación en España

E:UTSA es una plataforma de unión e intercambio de escuelas de teatro europeas que apoya principalmente proyectos y colaboraciones teatrales dirigidos por estudiantes con el objetivo de mejorar la experiencia educativa de los estudiantes de teatro europeos y de crear una red de estudiantes que permita el futuro trabajo profesional.

Se animó a los teatros de Polonia a colocar las letras ДЕТИ (niños) en la fachada o en el patio trasero de los teatros para subrayar su enérgica protesta contra la guerra y su firme convicción de que el teatro puede ser un refugio para el mundo futuro.

¡Ha llegado la hora! ¡Tenemos ideas! ¿Tienes ideas? ¡Este proyecto las necesita! ¿Tienes curiosidad? Nos encantaría reunirnos contigo el 14 de octubre para hablar de un proyecto teatral europeo de estudiantes de toda Europa

A nosotros, los representantes de los estudiantes, nos gustaría iniciar una reunión para todos vosotros, todos los estudiantes europeos de las distintas universidades miembros de E:UTSA, para conoceros, saludaros, charlar e inspirarnos juntos en nuestro salón E:utsa.

150 estudiantes de la Universidad de Teatro y Artes Cinematográficas de Budapest pueden continuar sus estudios y graduarse en escuelas E:UTSA de Austria, Alemania, Polonia y Suiza. Y hay más dispuestos a unirse…

Instituto de las artes barcelona

El Bachelor of Arts in Musical Theatre, de tres años de duración, es un programa de formación ampliamente vocacional y práctico en Teatro Musical. Busca desarrollar intérpretes imaginativos capaces de una gama de estilos y formas de danza, actuación y teatro musical. Hay dos itinerarios en la Licenciatura en Teatro Musical, ambos proporcionan una formación integral para el teatro musical.

La segunda también se centra en las tres áreas que componen el teatro musical: danza, interpretación y canto, pero haciendo más hincapié en el canto y la interpretación. Este curso es más adecuado para personas con una formación más limitada en danza.

El Certificado Básico en Canto y Teatro Musical de IAB, de un año de duración, ofrece a los estudiantes la oportunidad de crecer y mejorar técnica e imaginativamente como intérpretes. El programa está dirigido a aquellos que quieren tomar un programa de pregrado de un año para mejorar sus habilidades antes de solicitar un programa de grado, o para las personas que deseen pasar un año explorando y ampliando su canto y la capacidad de interpretación de teatro musical.

Compañía Nuevo Flamenco – Garrotin

Producciones1971 Chicago1972 Broadway1973 West End1979 West End revival1993 West End revival1994 Broadway revival1994 US tour2001 West End revival2002 West End revival2007 West End revival2007 Broadway revival2008 US tour2017 UK tour2022 West End revival

Grease es un musical con música, letra y libro de Jim Jacobs y Warren Casey. El musical, que toma su nombre de la subcultura juvenil de la clase trabajadora estadounidense de los años 50 conocida como greasers, está ambientado en 1959 en el ficticio Rydell High School (basado en el Taft High School de Chicago, Illinois[1] y llamado así por el cantante de rock Bobby Rydell) y sigue a diez adolescentes de clase trabajadora que se enfrentan a las complejidades de la presión de grupo, la política, los valores personales y el amor[2].

Grease se representó por primera vez el 5 de febrero de 1971 en el club nocturno Kingston Mines de Chicago[5]. Desde entonces, ha tenido éxito tanto en el teatro como en la pantalla, pero el contenido se ha diluido y sus personajes adolescentes se han vuelto menos habitués de Chicago (en particular, se ignoran los orígenes polaco-estadounidenses de los personajes y a menudo se cambian los apellidos, aunque dos personajes italo-estadounidenses siguen siendo identificablemente étnicos) y más genéricos. En el momento de su cierre, en 1980, la temporada de 3.388 representaciones de Grease era la más larga de la historia de Broadway, aunque fue superada por A Chorus Line el 29 de septiembre de 1983. Posteriormente se convirtió en un éxito del West End, en una exitosa película, en dos populares reposiciones en Broadway en 1994 y 2007, y en un clásico del teatro regional, del teatro de verano, del teatro comunitario y de los grupos de teatro de secundaria y bachillerato[6]. Sigue siendo el decimosexto espectáculo más longevo de Broadway[7].

Live at The Theatre Cafe | Dirty Dancing

Se forma en Londres, durante 4 años, en las prestigiosas escuelas, de teatro musical, interpretación y mimo: «London Studio Centre», «Royal Academy of Dramatic Art» (RADA) y «Mime Centre», becado por sus propios centros con las prestigiosas becas «Tom Merrifield Scholarship» y «Nathaniel Memorial Scholarship».

El 18 de Octubre Ediciones Antígona publica el texto de LA OLA de Marc Montserrat-Drukker e Ignacio García May, basado en el experimento real de Ron Jones y se presenta en el Salón Internacional del Libro Teatral de Madrid.

Coordinador Artístico o Supervisor Artístico de: Confidencias (Centro Dramático Nacional) 2003 / Tarantos, el musical dir. Emilio Hernández (Barcelona Teatre Musical i Teatro Albéniz, Madrid) 2004-05 / Els espectacles Garrick i 100% Tricicle de la Cia. Clownic (Tricicle2) durant el 2009 i 2010/ L’espectacle Lava de la Cia. belga Studio Orka (Teatre Lliure) 2012.

Va ser Director Arístic i Gerent d’Espectacles del Warner Bros. Park, Madrid, responsable de la creació, desenvolupament i Direcció Artística de Departament d’Espectacles durant les dues temporades inaugurals, del 2001 al 2003 / Posteriorment va ser Adjunt de Jordi González, Director General de Continguts de Focus, 2003-04.

Pau Doz – Grease, el musical de tu vida.

Tras verse obligados a parar durante 18 meses por la pandemia de coronavirus, 562 días en total, los musicales vuelven esta semana a la Gran Vía madrileña. Es otra señal de que poco a poco vuelve la normalidad. Los principales teatros abren sus puertas a las producciones de gran formato en la capital de España y, por tanto, los ciudadanos pueden volver a disfrutar de los espectáculos.

Vuelven a ser uno de los principales atractivos turísticos, que se habían dejado de ofrecer por las duras restricciones que las distintas autoridades, autonómicas y nacionales, impusieron. El público vuelve a disfrutar de historias y canciones como lo hacía antes de la pandemia de coronavirus.

Tampoco faltarán otras como Grease, Ghost, The Full Monty, Tina, A Chorus Line, Kinky Boots, Golfus de Roma, We Will Rock You, The Rhythm of the Night, La llamada o Cruz de Navajas. Por este motivo, espacios como el Nuevo Teatro Alcalá, el Teatro EDP Gran Vía, el Teatro Coliseum, el Teatro Rialto, el Teatro Calderón o el Teatro Lope de Vega volverán a llenarse de público con ganas de disfrutar de los espectáculos musicales.

Sandra Demarini – MATILDA – «Milagro».

One of the most anticipated and tense moments was the announcement of Best Actress in a Leading Role. Finally, the roar in the theater was deafening at the victory of Kery Sankoh for playing Tina Turner so masterfully. In her own speech, the actress from Barcelona, made clear the importance of work and dedication in this guild. The award for Best Supporting Actress went to Angy Fernández for her role in Kinky boots, although she was unable to attend the gala. Almost as celebrated as the first was the award for Outstanding Female Performance, given to Elisa Hipólito for the role of Marty in Grease the Musical.

Born to hand jive (Mòdul Teatre Musical)

El Programa de Maestría Profesional en Artes Escénicas sistemática amplía las posibilidades de trabajo de los artistas en relación con el sector de las artes escénicas, tanto en el ámbito académico y profesional en, lo que les permite convertirse en un profesor en el ámbito de la educación superior.

En Brasil, es el primer máster profesional en Artes Escénicas destinado a la práctica profesional. El curso profundiza en los recursos del trabajo artístico en dos líneas de investigación que aportan elementos teóricos de apoyo a la actividad profesional, proporcionando y desarrollando herramientas para construir y compartir conocimientos a partir del bagaje artístico y de los objetivos del artista-investigador. El trabajo final puede ser esencialmente práctico, la presentación o representación de una obra artística junto con una memoria del proceso de trabajo; también existe la opción de desarrollar una tesina tradicional.

Destinatarios: El máster profesional en Artes Escénicas está dirigido a estudiantes graduados en cualquier área de conocimiento dentro de las Artes: Artes Escénicas, Interpretación, Danza, Música, Bellas Artes, Cinematografía y otras formaciones académicas que puedan estar relacionadas con las Artes Escénicas.

Escola Memoria

Preparación de castings con Pep Armengol.Liberando tu voz natural con Alyssa Ciccarello.Curso de voz para actores, el método de Kristin Linklater.Trabajando en francés con Nathalie Cheron, Frank Stein Studio.

CAPÍTULO 0: Jardines tontos. Serie para Movistar+. S02e02. Dir: Ernesto Sevilla.Obra maestra. Diferentes directores. ESCAC Prod.Video presentación para Agencia FLIRT. Ohyouflirt.com.Campaña Correos (voz).Campaña H&S Oriente Medio.Campaña Navidad Suchard (con Paco León).

El suicidio del elefante hipotecado. De José Sanchis Sinisterra. Dir: Daniela de Vecchi. Prod: LAminimAL Teatre. Teatre Tantarantana, ATIC 22. BARTS Club, Sala BARTS. La Seca-Espai Brossa. Gira.

Jai-Alai (15 años jugando), Artes marciales: MMA / Muay Thai (2 años de práctica) y Aikido (3 años de práctica), Buceo (titulación PADI Open Water), esquí y snowboard (Nivel medio-alto), skate (Básico – sin trucos), tenis y padel.

«sempre al teu costat», cançó oficial de l’escola memory

En 2001 fundé el Teatro do Vestido, consciente de que quería escribir los textos que iba a poner en escena. Por lo tanto, mi trabajo como dramaturgo está entrelazado con mi trabajo como director. Recuerdo que intentábamos no ser lineales en las historias que contábamos ni en la forma de contarlas. Nos movía un impulso poético y una relación directa con el escenario (fuera cual fuera ese escenario, ya que la mayoría de nuestras producciones se escenificaban en realidad… fuera del escenario: en lugares como un psiquiátrico, varias calles, casas particulares, fábricas abandonadas, etcétera). En 2019, me mueve el mismo deseo de considerar el teatro en su estrecha relación con textos lo suficientemente poéticos y complejos como para permitirme construir una partitura escenificada hecha de capas. Es realmente difícil describir lo que intento hacer con mi dramaturgia. Parto de la observación de la realidad y de una profunda convicción de que la realidad -la vida cotidiana- es un verdadero depósito de historias, imágenes y recuerdos. Parto de mí mismo y de las historias vitales de los artistas con los que trabajo: de nuestra relación o conexión con los materiales y los puntos de partida de cada proyecto. Mi escritura es la síntesis de todos esos elementos. Relaciona y conecta lo que vemos con lo que somos, lo que oímos que nos cuentan los demás con cómo eso resuena en cada uno de nosotros. Por tanto, sitúo mi dramaturgia en ese lugar intermedio.

You Will Be Found | Alumnes de FIP (Escola Memory)

A esta acción se suma el «Contra-Calendario», un proyecto digital ideado por Clara Ianni y Benjamin Seroussi, que busca conmemorar hitos y acontecimientos que pertenecen a la memoria colectiva de América del Sur y que son diferentes de los feriados tradicionales.

Si la mayoría de las fiestas son producto de narrativas hegemónicas, ¿cuáles son los recuerdos y experiencias que podemos evocar para construir relatos diferentes? ¿Qué hitos son importantes para construir otros relatos? ¿Qué acontecimientos son importantes para inventar otros presentes? ¿Qué fechas merecen ser recordadas u olvidadas?

Terreyro Coreográfico es el nombre del cruce que reunió a coreógrafos, arquitectos, urbanistas, bailarines, actores, músicos, filósofos y poetas -como un coro- para pensar lo público en sus distintas dimensiones. Juntos trabajamos la arquitectura y el espacio urbano desde el pensamiento coreográfico, para repensar los caminos del desarrollo urbano. Proponemos coreografías desde el sentido público de la tierra y los territorios. En parcelas abstractas, despertamos su fuerza de ser «terreyro», un espacio dedicado a la vida pública, y hacemos visibles sus procesos históricos, míticos y poéticos.

Actores musicales

Hace unas semanas hablamos de cómo iniciar una carrera de cantante en la música contemporánea. Hoy hablaremos de cómo entrar en el teatro musical. El camino para entrar en el mundo del teatro musical se basa en una sólida formación, práctica y audición tras audición. Una vez que tengas una buena formación vocal en teatro musical, esto es lo que puedes hacer a continuación.

Las fotos de la cabeza son fotografías de una persona desde los hombros hacia arriba. En las audiciones profesionales, es importante que lleves una foto de tu cabeza para que puedan recordar tu aspecto a la hora de decidir el casting.

Para la mayoría de las audiciones a las que vayas, tendrás que llevar un currículum que incluya trabajos teatrales anteriores, formación y cualquier otra cosa que pueda ser relevante para conseguir el papel. Omite la información irrelevante, como el trabajo de oficina que tienes o la licenciatura en botánica que acabas de obtener. Al principio, puede parecer que no tienes nada que poner en el currículum, pero incluye lo que tengas, aunque sólo sea tu formación vocal y ese recital que dio tu primer profesor de canto. Si quieres algunos consejos sobre cómo hacer un currículum, consulta esta página de recursos para actores.

Jóvenes actores musicales

«Nunca fue un programa de teatro musical. Sólo había dos profesores que siempre hacían musicales y que trabajaban con el departamento de música, pero no había un programa propiamente dicho. Habría sido estupendo poder hacerlo a los 18 años, en lugar de tener que hacerlo en la escuela de los duros golpes».

Residente en Nueva York, Mayes debutó en Broadway en 1989 como Winona Shook en Welcome to the Club, de Cy Coleman. Ha actuado en She Loves Me, Urban Cowboy y Steel Magnolias. Además de su trabajo en diversos papeles en cine y televisión, Mayes es también una venerada cantante e intérprete de club nocturno.

«Nos dimos cuenta de que hay escasez de teatro musical. Y creo que se está perjudicando a los actores si no se les da al menos un mínimo», afirma Mayes. «Hay que enseñarles un poco, porque al menos el 50% -y a veces más del 75%- de las obras de Nueva York son musicales».

«Me encanta ver ese momento aha cuando ves que un niño lo pilla. Y luego me encanta verles hacerlo en una actuación y que vean la respuesta que obtienen del público cuando lo consiguen, porque es diferente», dijo Mayes.

Jóvenes actores masculinos de Broadway

Nuestro curso intensivo y práctico tiene como objetivo crear actores altamente cualificados que sean cantantes y bailarines consumados. Estos polifacéticos intérpretes estarán preparados para trabajar en el teatro musical clásico y contemporáneo.

El curso está respaldado por nuestra experiencia en la formación de actores de talla mundial. Esto significa que también estarás preparado para aprovechar las oportunidades que ofrecen el cine, la televisión, la radio y el mundo digital. A través de clases prácticas, talleres y actuaciones, desarrollarás tus habilidades técnicas en las tres áreas principales de interpretación, danza y canto, y aprenderás a adaptar estas técnicas avanzadas a diferentes estilos y géneros de interpretación. También desarrollarás tus habilidades de autoempleo, empresariales e interpersonales. Como parte de un instituto especializado en artes escénicas, colaborarás con otros estudiantes en representaciones y producciones, reproduciendo entornos profesionales.

En el último año trabajarás a nivel profesional en espectáculos públicos, colaborando con directores, coreógrafos y directores musicales del sector. También participarás en una exhibición de la industria y elaborarás una carpeta de trabajos que incluirá un showreel, un voiceereel y material digital.

Estrellas femeninas de Broadway

Son actrices, bailarinas y cantantes, a menudo las tres cosas a la vez. Pueden interpretar cualquier papel y hacerlo de forma convincente, al tiempo que llevan una melodía y se mueven con habilidad y precisión. Son artistas profesionales que trabajan en el teatro musical, una popular forma de arte teatral que incluye música y danza. El teatro musical se diferencia del teatro clásico en que incluye canciones entre los diálogos y a menudo movimientos coreografiados.

Trabajar en el teatro musical es tan exigente como gratificante; implica ensayos interminables durante las representaciones y un ajetreo constante fuera de ellas. Los intérpretes deben aprender y perfeccionar una serie de canciones, así como memorizar diálogos y bloqueos. Es un trabajo físicamente exigente que requiere estudio personal y trabajo independiente. Una semana normal puede incluir varios ensayos de baile, entrenamiento dialectal, ensayos o estudios de escenas y práctica vocal. Las canciones tienen armonías, partes vocales y maneras en que el director quiere que se canten; los bailes pueden requerir un amplio entrenamiento y práctica antes de estar listos para el escenario.

Aretha franklin erstes kind

El Archivo de información musical de Pittsburgh, ubicado en el Departamento de Música del CLP – Principal, consta de una gran colección de recortes de periódicos, artículos de revistas y otros materiales efímeros. La tabla siguiente se ha extraído del fichero de fichas asociado a esta colección. El archivo de fichas, también ubicado en el Departamento de Música, es el primer lugar para comenzar la búsqueda, ya que muchas de las fichas también contienen pequeños recortes.

Los temas incluyen músicos de Pittsburgh, grupos musicales, orquestas, compañías de ópera, locales de música, clubes nocturnos, asociaciones, sociedades, organizaciones, compañías discográficas, grupos corales, eventos y otros temas y personas con alguna conexión con Pittsburgh. Se trata de documentos que los bibliotecarios musicales de la Carnegie Library recopilaron antes del desarrollo de Internet, e incluyen artículos raros y únicos que no se encuentran fácilmente en otros lugares.

La colección Maurice Levy Oral History of Music in Pittsburgh (OHMP) consta de más de 300 entrevistas. Todas las entrevistas tienen una carpeta de archivo vertical asociada. La mayoría de ellas contienen información impresa añadida de naturaleza similar a la de esta colección. Algunas contienen material adicional grabado por la persona entrevistada. El índice que figura a continuación indica si existe una carpeta en el archivo OHMP.

Aretha franklin todesursache

Reino Unido 2022, 12A, 102 mins, dramaEl impresionante debut de la guionista y directora escocesa Charlotte Wells, Aftersun, yuxtapone una esperanzadora historia de madurez con un conmovedor e íntimo retrato familiar que deja una huella imborrable.

A finales de los 90, Sophie (Frankie Corio), una niña de 11 años que vive en un centro vacacional en decadencia, atesora el escaso tiempo que pasa junto a su cariñoso e idealista padre, Calum (Paul Mescal, Normal People), ganador de un BAFTA). A medida que el mundo de la adolescencia se va abriendo paso, más allá de sus ojos Calum lucha bajo el peso de la vida fuera de la paternidad.

Veinte años después, los tiernos recuerdos de Sophie de sus últimas vacaciones se convierten en un retrato poderoso y desgarrador de su relación, mientras intenta reconciliar al padre que conoció con el hombre que no conoció, en la magnífica y desgarradoramente emotiva ópera prima de Charlotte Wells.

Criadas para ser vistas pero no oídas, un grupo de jóvenes mujeres de Salem descubren de repente que sus palabras tienen un poder omnipotente.    A medida que un clima de miedo, venganza y acusaciones se extiende por la comunidad, nadie está a salvo de ser juzgado.

Aretha Franklin Kinder

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A mediados de la década de 2010, el estilo de vocalización en voz baja utilizado habitualmente en la música indie alcanzó una gran popularidad entre los artistas pop, utilizado a menudo por Selena Gomez, Lana Del Rey, Lorde y Birdy. The Guardian bautizó este estilo como «whisperpop», caracterizado por voces tenues, notas apagadas e intensidad de la respiración[1][2].

Los instrumentos tradicionales, como la mandolina, el dulcimer, el ukelele, los bongos y el acordeón, se utilizaron con más frecuencia, especialmente por músicos de rock indie y cantautores, como Mumford and Sons, Vance Joy, Phillip Phillips y The Lumineers, junto con intérpretes de country, como Chris Stapleton y Zac Brown Band.

Kecalf cunningham

En respuesta a la actual agitación social y a las protestas por la justicia racial, el Olney Theatre Center organiza un festival virtual de arte por la justicia social llamado Just Arts: A Celebration of Art & Activism, que amplifica las voces de artistas y activistas BIPOC en octubre. Cada viernes por la noche, a partir del 9 de octubre, profundizaremos en un pilar concreto de la justicia social -igualdad, participación, derechos y acceso- a través de actuaciones y conversaciones con artistas y activistas. Únete a nosotros en esta serie de 4 semanas comisariada por cuatro líderes artísticos del DMV Chil Kong (Director Artístico de Adventure Theatre MTC), Kevin McAllister (actor y Director Artístico de ArtsCentric, Inc), Nicole A. Watson (Directora Artística Asociada de Round House Theatre) y Elena Velasco (Directora Artística de Convergence Theatre).

Ofrecemos representaciones con «máscara recomendada pero no obligatoria» (jueves, viernes y sábados) y con «máscara obligatoria» (miércoles y domingos). Infórmese sobre las distintas opciones en nuestra página de Salud y Seguridad y asegúrese de tomar nota de los protocolos de enmascaramiento para su fecha de actuación.

Espectáculos de Broadway en Argentina

Organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), tendrá lugar entre el 17 de septiembre y el 4 de octubre de 2015.

El FIBA se realiza cada dos años, presentando diversas expresiones artísticas a través del teatro, la danza y el teatro musical. FIBA ofrece actividades especiales gratuitas como charlas abiertas con artistas, talleres y masterclasses, películas y presentaciones de libros.

El FIBA de este año da la bienvenida a dos grandes artistas europeos que actúan por primera vez en la Ciudad. El belga Ivo van Hove, director de la destacada compañía teatral holandesa Toneelgroep Amsterdam, y su compatriota Jan Lauwers, de la Needcompany. El primero trae Opening Night, una producción que combina teatro y cine, basada en la película homónima de John Cassavetes.

El argentino Rodrigo García, actual director del Centre Dramatique National de Montpellier, presenta Gólgota Picnic. El director y actor Arthur Nauzyciel ofrece una lectura de KADDISH, de Allen Ginsberg. Mención especial merece la versión de la ópera Macbeth de Verdi creada por el director sudafricano Brett Bailey: conmovedora. Constanza Macras, nacida en Argentina y afincada en Berlín, trae una de sus obras más recientes, The Past, en la que los bailarines exploran la relación entre el espacio y la memoria. Cuba nos visita con Antigonón. Un contingente épico, de Rogelio Orizondo; mientras que Chile y Perú traen Castigo y La cautiva, respectivamente.

Programas argentinos en Netflix

Buenos Aires es una ciudad que vive y respira teatro, con más de 400 salas, desde el circuito mainstream de la Avenida Corrientes hasta espacios creativos alternativos. Encontrará de todo, desde musicales y espectáculos de variedades, ópera de talla mundial, ballet y teatro internacional hasta obras experimentales, producciones independientes, stand up, danza contemporánea y mucho más.

La ciudad cuenta con varios teatros de renombre mantenidos por los gobiernos nacional o municipal, entre ellos algunos de los más famosos de la ciudad, como el Teatro General San Martín, el Teatro Colón y el Teatro Nacional Cervantes. Estos espacios han sido declarados monumentos históricos nacionales y son conocidos por su impresionante arquitectura, así como por poner en escena grandes obras universales de teatro, ópera y ballet, incluyendo producciones clásicas y también nuevos trabajos innovadores.

El centro neurálgico de los grandes teatros comerciales de Buenos Aires es la famosa Avenida Corrientes, que alberga un gran número de salas donde se representan musicales, comedias, variedades, espectáculos infantiles, tangos y grandes obras dramáticas. Los teatros más conocidos de Corrientes son el Lola Membrives, el Nacional, el Astral, el Complejo Teatral La Plaza, el Metropolitan y el Ópera.

Musical ambientado en argentina

Buenos Aires ofrece al turista un estimulante abanico de opciones para disfrutar al máximo de su visita. Paseos gastronómicos, cines, teatros, espectáculos tradicionales e internacionales, deportes, arte, ferias, restaurantes y bares, son sólo algunas de las muchas alternativas que la ciudad ofrece a sus visitantes para una estadía entretenida y memorable.

Hay seis grandes centros comerciales en lugares estratégicos de la ciudad, donde los visitantes pueden encontrar marcas internacionales y nacionales de ropa y accesorios, así como tecnología y diseño de interiores, cines, gastronomía y salas de entretenimiento, por ejemplo.

Las visitas a los mercados y ferias de barrio son un pasatiempo popular los fines de semana, ya que cada uno tiene su propio estilo y magia particular, desde ferias de alimentos gourmet y orgánicos hasta muestras de artesanía al aire libre y mercadillos.

Buenos Aires cuenta con varias salas de cine modernas que ofrecen múltiples horarios diarios para los estrenos de los últimos éxitos de taquilla, así como de producciones cinematográficas nacionales recientes. Los centros culturales y las fundaciones organizan a menudo noches de cine temáticas y festivales como forma de dar difusión a películas independientes con pocas probabilidades de ser incluidas en el circuito comercial.

Teatro colón

Construido por motivos de la familia Gourdy por la empresa alemana Wayss y Freytag, fue inaugurado el 11 de octubre de 1930 por la empresa A. Alvarez & Co., en una época de auge cinematográfico en la Argentina, donde los viejos teatros debieron adaptarse a los cambios tanto para obras de teatro como para proyecciones de cine. La película estrenada ese día fue La Tragedia Submarina Sello 20th. Century Fox. Nació como cine-teatro en Broadway, pero actualmente es sólo teatro, y está especializado en obras de revista. Hasta 1939, bajo la dirección de Álvarez se vivía el estreno en Broadway de los principales sellos americanos, entre ellos la MGM (Metro Goldwyn Mayer), 20th. Century Fox, Paramount y Columbia hasta 1935 y películas de producción nacional.

El techo de la sala única original era tan paraboloide, ayudando a proporcionar una excelente acústica, sin ecos ni reverberaciones, y ayudando a mejorar el espacio de circulación de aire. Tenía un voladizo de 12 metros por encima del público, un innovador aire acondicionado central y espacio para 2265 personas.

El 19 de octubre de 1931, Carlos Gardel cantó en este teatro de temporada. En 1942, la sala se dedicó exclusivamente al cine argentino. El sistema de sonido se modernizó en 1954, mientras que el nuevo sistema se inauguró con la película Cinemascope El manto sagrado. Como muchos cines, la única sala estaba dividida en dos. Los ocho pisos superiores se destinaron originalmente a viviendas de alquiler y a una pequeña confitería, y se utilizaron vigas Vierendel de 18 metros de luz para sostener el techo del espacio teatral, que carece de columnas.

La historia de Tina Turner

«Para mí es muy importante tener la oportunidad de compartir mi historia completa. Este musical no trata de mi estrellato. Trata del viaje que hice para llegar a él. Cada noche quiero que el público se lleve del teatro que se puede convertir el veneno en medicina».

Desde sus humildes comienzos en Nutbush, Tennessee, hasta su transformación en la reina mundial del rock and roll, Tina Turner no sólo rompió las reglas, sino que las reescribió. Este nuevo musical revela la historia jamás contada de una mujer que se atrevió a desafiar los límites de su edad, género y raza.

Tina Turner, una de las artistas más vendedoras de todos los tiempos, ha ganado 12 premios Grammy y sus espectáculos en directo han sido vistos por millones de personas, con más entradas vendidas que ningún otro solista en la historia de la música.

Tina turner musical london

«Es increíble estar de vuelta», dice la actriz Adrienne Warren. «Lo que le gusta a Warren es actuar en un teatro lleno de gente y encarnar a una de las mayores estrellas del rock and roll en el espectáculo de Broadway «Tina: The Tina Turner Musical», que se reestrena, después de 19 meses, el 8 de octubre. Y Broadway adora a Adrienne Warren. Está nominada a un premio Tony como mejor actriz de musical, y el propio espectáculo está nominado a 12 Tonys (incluido el de mejor musical).

«Sí. ¡Sí, he olvidado muchas cosas!». Volver a Broadway también significó ponerse de nuevo en forma para la lucha. «Tienes buenas habilidades, por cierto», dijo DuBois, «el uno-dos y el tres, el gancho especialmente, ¿verdad?».

Warren lleva más de seis años convirtiéndose en Tina Turner, y la paciencia ha sido el nombre del juego: «Llevo mucho tiempo haciendo este espectáculo y creo que me presiono mucho. Presión por hacer lo correcto para ella. Presión para hacer lo correcto por sus fans. Y ahora me siento un poco más dueña de ella, como no me sentía antes, y creo que puedo divertirme un poco más».

Tina turner madre

Viva en directo en Broadway la triunfante historia de Tina Turner en el estimulante e innegable megaéxito TINA – EL MUSICAL DE TINA TURNER. The Hollywood Reporter alaba: «Es irresistiblemente edificante». La revista People la califica de «eufórica, conmovedora y totalmente alegre». Y The New York Times aclama: «Rara vez he oído al público rugir tanto».

Celebre a la mujer imparable que se atrevió a soñar ferozmente, a romper barreras y a conquistar el mundo, contra todo pronóstico. Ambientada con la banda sonora de sus éxitos más queridos, esta sensación electrizante te hará subir a las gradas. Según The Daily Beast, «prepárate para quedar extasiado. Es un milagro que el techo no haya volado al espacio».

Tina turner musical hamburg

TINA – El musical de Tina Turner es una historia de regreso a los escenarios que levanta el ánimo como ninguna otra. Es el viaje inspirador de una mujer que rompió barreras y se convirtió en la reina del rock and roll.  Con sus canciones más queridas, TINA – El musical de Tina Turner está escrito por la dramaturga Katori Hall, ganadora del Premio Pulitzer, y dirigido por la internacionalmente aclamada Phyllida Lloyd.

Los mandatos gubernamentales, los protocolos de las salas y los requisitos del evento están sujetos a cambios. A todos los poseedores de entradas se les enviará por correo electrónico una notificación CONOZCA ANTES DE IR al menos 24 horas antes del evento programado con los protocolos de llegada específicos del espectáculo.

Este es un evento 100% SIN CASOS para ayudar a mitigar el contacto mano a mano. Prepárese para pagar SÓLO con tarjeta. Se aceptarán las principales tarjetas de crédito con pago por toque. Los asistentes que lleven dinero en efectivo podrán canjearlo por una tarjeta de prepago que podrán utilizar en todos los puntos de venta.

Comentarios

Con una escena creativa muy animada y oportunidades para actuar en lugares de renombre, Cambridge es el lugar perfecto para estudiar Teatro Musical. Incluso puedes elegir estudiar en el extranjero durante un semestre, con una oferta de financiación para ayudar a cubrir el coste.

A continuación, se realiza un Proyecto de Industria con un intenso programa de cuatro a cinco semanas, dirigido por un director profesional y nuestro Director Musical residente. Esto le da una experiencia real y auténtica de la práctica de la industria en la producción de teatro musical. También te apoyaremos para que aprendas a través de proyectos basados en el trabajo, prácticas o colocaciones. Incluso puedes hacer un año de prácticas opcional.

Nuestro grado de Teatro Musical cuenta con cuatro producciones y dos exhibiciones de habilidades. Aprenderás técnicas avanzadas de audición y producirás tu propio showreel. Además, ganarás confianza, resistencia emocional y la capacidad de trabajar en equipo.

Nuestro nuevo taller digital incluye una variedad de máquinas de fabricación asistida por ordenador, que te ayudarán a aprender procesos de fabricación y diseño actualizados, además de apoyar muchas técnicas tradicionales. Estas tecnologías incluyen:

Ballet

Además de amar las palabras y los libros, aquí en King’s también nos gusta actuar. Los estudiantes de King’s tienen muchas oportunidades de explorar sus intereses artísticos a través de nuestros activos grupos de teatro, coro y danza.

El Coro de King’s cuenta con más de 80 participantes de la comunidad, incluyendo estudiantes, profesores y ex alumnos, dedicados a hacer música alegre juntos. Aprenden y ensayan importantes obras corales de diversas tradiciones y dan un concierto cada semestre.

El King’s Chorus se compromete a fomentar un entorno de apoyo en el que cantantes de todos los niveles puedan mejorar su musicalidad y disfrutar en el proceso. Cantan música desafiante y hermosa, pero se aseguran de divertirse mientras lo hacen.

El Coro de la Capilla del Rey sorprende y deleita a través de Evensongs y Eucaristías semanales en la Capilla del King’s College, así como en otros servicios importantes a lo largo del año académico y en una aclamada temporada de conciertos en la Catedral de Todos los Santos de Halifax.

El coro está formado por 24 coristas procedentes de las comunidades del King’s College y de la Universidad de Dalhousie, muchos de los cuales son estudiantes que reciben becas de coro u órgano. El coro también realiza giras por toda la provincia y graba.

Música

Encontrarás un programa de música de vanguardia con una abundancia de oportunidades que inspira la creatividad; un programa de danza que fomenta la originalidad y exige dedicación; y un programa de teatro inventivo con una visión integral de la actuación, el diseño y la producción

El festival anual de música experimental PRISMS 2022 presenta nuevas composiciones y música poco interpretada, junto con charlas previas a los conciertos, mesas redondas y proyecciones de películas. Lo más destacado…

Cada año, los estudiantes, el profesorado, los artistas invitados y el personal de la Escuela de Música, Danza y Teatro interpretan y producen más de 600 conciertos y recitales, hasta 14 muestras de danza y cinco obras de teatro totalmente producidas, además de lecturas de nuevas obras, talleres y mucho más.

Alquilar

El baile de teatro musical no es tanto un estilo concreto como una descripción de la danza que tiene sus raíces en la variada historia de los musicales de Broadway. Los bailarines de teatro musical, que se basan en gran medida en el conocimiento del ballet, el claqué y el jazz, son, ante todo, actores y se centran en la interpretación musical. El baile en pareja siempre ha estado presente en el teatro musical y cada vez es más frecuente a medida que los bailes de salón comienzan a ser el centro de atención de cada vez más producciones escénicas en vivo.

Falsettos

Este es un extracto de Beginning Musical Theatre Dance With Web Resource de Diana Dart Harris.Los primeros dramas que incluían música y danza fueron presentados por los griegos en el siglo V a.C.. Esos dramas sirvieron de modelo a los romanos, que ampliaron el elemento de la danza. Durante la Edad Media, grupos de actores ambulantes utilizaron la danza para contar historias, y durante los siglos XII y XIII, la Iglesia Católica puso en escena obras de teatro que incluían música y danza para reforzar las lecciones de moralidad y dar vida a las historias bíblicas. Al finalizar la Edad Media y comenzar el Renacimiento, resurgieron los dramas griegos. Algunos de estos dramas, como Orfeo (1607) de Monteverdi, que se representó en la corte de los Gonzaga, y Dido y Eneas (1689) de Purcell, que se representó en Inglaterra, incluían secuencias de danza y movimiento. Las representaciones de pantomima también eran populares e incluían canto, acrobacias, actos de payasos y diálogos, además de danza. Los bailes que se incluían en estas pantomimas se consideraban bailes de espectáculo y podían ser desde las clásicas danzas de trompetas hasta la danza en la cuerda floja. Además, la danza se utilizaba entre los actos de las obras de Shakespeare y se empleaba para entretener al público entre los actos de La ópera del mendigo, de John Gray, en 1728. Estos bailes solían estar protagonizados por un individuo que bailaba solo o dirigía a un grupo de bailarines que interpretaban algún tipo de danza folclórica escocesa.

Todo vale: una historia de

En la Escuela de Arte Dramático de la UW, la leyenda del teatro de Seattle David Armstrong enseña la historia de los musicales de Broadway y de los creativos inmigrantes, LGBTQ, judíos y afroamericanos que dieron forma a esta institución estadounidense.

«No habría musicales de Broadway si las puertas de Estados Unidos no se hubieran abierto de par en par a los inmigrantes», dice David Armstrong, profesor afiliado de la Escuela de Arte Dramático de la UW, que considera que el surgimiento del musical de Broadway es en gran medida una historia de inmigración. Armstrong comparte esa historia en un nuevo curso, The Broadway Musical: How Immigrants, Queers, Jews, and African Americans Created America’s Signature Art Form.

La pasión de Armstrong por el teatro musical comenzó cuando tenía sólo siete años. Su madre, que pretendía llevarles a él y a su hermana a ver la película Dumbo, les llevó por error al musical cinematográfico Gypsy, sobre una stripper. Quedó hipnotizado.

«Por suerte, mi madre no era una estirada y no nos hizo salir del teatro», ríe Armstrong, cuya carrera teatral incluye 18 años como productor ejecutivo y director artístico del Teatro de la 5ª Avenida de Seattle. «Me interesan todos los tipos de teatro, pero creo que el teatro musical es el más impactante porque nos afecta a todos los niveles: intelectual, físico y emocional».

Miss Saigon

Explore la historia del teatro musical para aprender más sobre esta forma popular de arte y entretenimiento. Descubra qué define al teatro musical, los primeros musicales y la ópera, el auge de los musicales estadounidenses y la importancia del teatro de Broadway.

Teatro musicalSi alguna vez has asistido a una obra de teatro o a un musical, probablemente estés familiarizado con el teatro musical. El teatro musical es una forma de arte y un tipo de entretenimiento que combina la actuación, el baile y el canto. Las producciones de teatro musical, también conocidas como musicales, se representan en todo el mundo. Desde las obras de tu colegio hasta el Broadway de Nueva York, mucha gente disfruta de las representaciones de teatro musical.

Los primeros musicalesLos historiadores creen que el teatro musical comenzó en la antigua Grecia hace unos 2.500 años. Los antiguos griegos representaban comedias y tragedias que incluían música y danza en anfiteatros al aire libre.

BroadwayBroadway, en la ciudad de Nueva York, era originalmente un terreno agrícola. Como el terreno era barato y la invención del tranvía lo hizo más accesible, resultó ser el lugar perfecto para construir teatros. Algunos de los teatros más famosos de Broadway de principios del siglo XX fueron el Palace y el Victorian. Algunas de las óperas cómicas más populares de la época eran El Capitán y Robin Hood. A medida que la bombilla se hizo más común, los famosos carteles eléctricos que se encontraban en Broadway le valieron el nombre de »Gran Vía Blanca». En la década de 1920, los artistas de la canción y el baile se hicieron aún más populares, y algunos de los compositores musicales más famosos crearon espectáculos durante este periodo.

Starlight express

Los musicales son la forma de arte dramático estadounidense por excelencia, ya que combinan diálogos hablados con música, canciones y bailes. Para muchos, el teatro musical supone una escapada de la realidad, un viaje fantástico a un mundo de gatos que cantan y bailan y de niñeras mágicas que viajan en paraguas voladores.

Sin embargo, los musicales también han tratado de dar vida a la historia en el escenario, con distintos grados de licencia creativa. Aquí están los diez mejores musicales de Origins basados en personas y acontecimientos de la vida real que han dado forma al teatro.

El teatro musical, tal y como lo conocemos hoy, surgió en Estados Unidos y el Reino Unido a finales del siglo XIX a partir de diversos antecedentes: salones de música, espectáculos de juguete y vodevil, así como óperas y operetas. En los primeros precursores del género, a menudo denominados burlescos o extravagancias, el argumento era una idea de última hora, un dispositivo que se limitaba a encadenar una sucesión de números musicales para entretener al público. La narración quedaba en segundo plano frente al espectáculo.

Aunque estos proto-musicales rara vez trataban temas históricos reales, algunos adaptaban personajes históricos conocidos del folclore. Uno de los más famosos fue Evangeline, o La Bella de Acadia, basado en el poema épico de Henry Wadsworth Longfellow sobre una chica acadiana que busca a su amante después de haber sido separados durante la expulsión forzosa de los acadianos franceses del Canadá británico.

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¿No sabes qué hacer esta Semana Santa? Te traemos la solución. Hoy te proponemos 12 planes para que cambies de aires y disfrutes de unas vacaciones acompañadas de nuevas y divertidas ideas para disfrutar de estas fechas tan señaladas.

En tus manos estáDel 6 de marzo al 13 de agosto en CaixaForum, en este espacio didáctico podrás experimentar con estructuras y revestimientos basados en la obra de Jean Prouvé, para crear muebles y espacios habitables. ¿La estructura que sostiene una silla puede sostener una casa? ¡Está en tus manos!

SuperthingsUn viaje a Kaboom City, donde viven todos los protagonistas de la serie SuperThings. Del 19 de marzo al 1 de agosto en IFEMA, los más pequeños tendrán la oportunidad de entrar en la ciudad y conocer a sus personajes favoritos, haciéndoles sentir como los verdaderos protagonistas de la historia.

100 años de fotografía de calleUna exposición al aire libre centrada en el desarrollo de la fotografía documental estonia a lo largo de los siglos, desde su independencia hasta la actualidad. La exposición se podrá ver hasta el 4 de abril en la Plaza Colón.

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Aunque el debate sobre los derechos humanos en relación con el uso de técnicas coercitivas «especiales» por parte del ejército de Estados Unidos en su guerra global contra el terrorismo está lejos de resolverse, la tortura se ha apoderado firmemente de la cultura popular estadounidense. Los estadounidenses debaten obsesivamente sobre ella, la viven indirectamente en películas y programas de televisión que se deleitan con la «pornografía de la tortura», y participan en una multitud de recreaciones en las que el debate se convierte en algo performativo: incluso hay un Guantánamo en el mundo virtual de Second Life.1 Sin embargo, son relativamente pocos los artistas estadounidenses basados en la performance que han respondido a la cuestión desde que salieron a la luz las revelaciones sobre los abusos a prisioneros en Abu Ghraib en 2004. Y entre los que lo han hecho, la tendencia predominante ha sido la de representar el cuerpo abyecto de la víctima con el fin de promover un argumento ético y, al mismo tiempo, implicar a los espectadores.2 Sin embargo, aunque este tipo de trabajo permite al público contemplar su complicidad, corre el riesgo de sustituir el compromiso crítico por la respuesta afectiva.

A la vez que una extensa declaración del artista sobre la inspiración, la naturaleza y la intención de esta obra reciente, una llamada a la contabilidad ética (si no a la acción) y una performance, A Field Guide for Female Interrogators de Fusco juega de forma similar con la simulación. Al abrir la falsa cubierta de piel sintética con el impresionante sello del «Mando Central de los Estados Unidos», los lectores se adentran en la madriguera de un falso manual de entrenamiento para interrogatorios, que presenta el tutorial titular de treinta y dos páginas, repleto de ilustraciones a cuatro colores que muestran a una «chica de la tortura» rubia y pechugona -un sueño húmedo ario con una talla de sujetador sacada de las fantasías de los videojuegos adolescentes- que emplea una serie de técnicas coercitivas sobre un varón acobardado, presumiblemente iraquí, vestido con un mono naranja (un signo reconocible del gulag carcelario global). A pesar del humor a veces disyuntivo de los dibujos de Dan Turner -en uno de ellos, el detenido parece realmente avergonzado por su interrogadora, y no como resultado de sus payasadas-, las tácticas sexuales detalladas en el manual habrían sido utilizadas por mujeres interrogadoras. Irónicamente, Fusco y Turner empujan los hechos hacia la ficción cómica al poner de relieve la política de racialización y de género en juego en estas técnicas sancionadas por el gobierno.

¿Quién interpreta a Miguel en Coco?

Aunque el debate sobre los derechos humanos en relación con el uso de técnicas coercitivas «especiales» por parte del ejército de Estados Unidos en su guerra global contra el terrorismo está lejos de resolverse, la tortura se ha apoderado firmemente de la cultura popular estadounidense. Los estadounidenses debaten obsesivamente sobre ella, la viven a través de películas y programas de televisión que se deleitan con la «pornografía de la tortura», y participan en una multitud de recreaciones en las que el debate se vuelve performativo -hay incluso un Guantánamo en el mundo virtual de Second Life-[1] Sin embargo, son relativamente pocos los artistas estadounidenses basados en la performance que han respondido a la cuestión desde que salieron a la luz las revelaciones sobre los abusos a prisioneros en Abu Ghraib en 2004. Y entre los que lo han hecho, la tendencia predominante ha sido la de representar el cuerpo abyecto de la víctima con el fin de promover un argumento ético e implicar a los espectadores[2]. Sin embargo, aunque este tipo de trabajo permite al público contemplar su complicidad, corre el riesgo de sustituir el compromiso crítico por la respuesta afectiva.

A la vez que una extensa declaración del artista sobre la inspiración, la naturaleza y la intención de esta obra reciente, una llamada a la contabilidad ética (si no a la acción), y una performance, A Field Guide for Female Interrogators de Fusco también juega con la simulación. Al abrir la falsa cubierta de piel sintética con el impresionante sello del «Mando Central de los Estados Unidos», los lectores se adentran en la madriguera de un falso manual de entrenamiento para interrogatorios, que presenta el tutorial titular de treinta y dos páginas, repleto de ilustraciones a cuatro colores que muestran a una «chica de la tortura» rubia y pechugona -un sueño húmedo ario con una talla de sujetador sacada de las fantasías de los videojuegos adolescentes- que emplea una serie de técnicas coercitivas sobre un varón acobardado, presumiblemente iraquí, vestido con un mono naranja (un signo reconocible del gulag carcelario global). A pesar del humor a veces disyuntivo de los dibujos de Dan Turner -en uno de ellos, el detenido parece realmente avergonzado por su interrogadora, y no como resultado de sus payasadas-, las tácticas sexuales detalladas en el manual habrían sido utilizadas por mujeres interrogadoras. Irónicamente, Fusco y Turner empujan los hechos hacia la ficción cómica al poner de relieve la política de racialización y de género en juego en estas técnicas sancionadas por el gobierno.

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Tras su debut como director en solitario (Toy Story 3), el veterano de Pixar Lee Unkrich lleva a la gran pantalla Coco este otoño. Con un reparto exclusivamente latino, Coco incorpora temas de la festividad mexicana del Día de los Muertos.

La aventura animada sigue a Miguel (Anthony González), un aspirante a músico nacido en una familia que ha prohibido la música durante mucho tiempo. Cuando Miguel es transportado a la Tierra de los Muertos, se encuentra con Héctor (Gael García Bernal), un embaucador que se une a Miguel en su viaje para desvelar la verdad detrás de su historia familiar y volver a casa.

Nog 3+ tonen

El teatro musical (o teatro musical) es un tipo de actuación en un teatro. Una obra de teatro musical se denomina musical. Utiliza la actuación, la música, las canciones y, a menudo, la danza. Algunos musicales (por ejemplo, Los Miserables) sólo tienen unas pocas líneas de diálogo. Todo lo demás se canta. Suele ser una mezcla de habla y canción. Algunos musicales conocidos son West Side Story, Sonrisas y lágrimas, Chicago y Oklahoma.

Hacia 1850, el compositor francés Hervé experimentó con una forma de teatro musical cómico que pasó a llamarse opérette[1] Los compositores más conocidos de opereta fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. Las melodías de Offenbach y la sátira de sus libretistas constituyeron un modelo para el teatro musical posterior.

Las obras de Gilbert y Sullivan, en Gran Bretaña, y las de Harrigan y Hart, en Estados Unidos, fueron influencias importantes. A ellas siguieron las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan.

Musicales

Los estudiantes interesados en el teatro musical podrán estudiar la materia de forma práctica y con una perspectiva histórica. Los alumnos de cualquier especialidad podrán estudiar interpretación, actuación a través del canto, teatro general, historia del teatro musical y técnica de canto. El menor sería interdisciplinario (compartido por Música e Inglés) y además mejorará ambos planes de estudio.

Todos los estudiantes que trabajen en estas clases se beneficiarán cuando apliquen el análisis de textos, la comprensión de la lectura, la escritura y las habilidades de presentación aprendidas en este menor a los cursos requeridos para sus carreras.

Tapastheater

Queremos que tengas toda la información que necesitas para tomar una decisión informada sobre dónde y qué quieres estudiar. Para ayudarte a elegir el curso más adecuado para ti, nos proponemos poner en tu conocimiento toda la información importante que puedas necesitar. Nuestra página Lo que necesitas saber ofrece información detallada sobre áreas clave, como las horas de contacto, la evaluación, los módulos opcionales y los costes adicionales.

Los estudiantes conocerán una amplia gama de estudios de casos y, como parte de un pequeño grupo, podrán planificar y presentar un proyecto potencial para una hipotética financiación del Consejo de las Artes (o similar). El objetivo de este módulo es dotar a los estudiantes de herramientas para crear sus propios proyectos e ideas en el futuro.CoreMusical Theatre Futures 2025-26MST3004MLevel 62025-26Este módulo considera el momento actual del teatro musical, y anticipa hacia dónde podría dirigirse la nueva innovación. Se centrará particularmente en el teatro musical en los contextos británico y digital, identificando nuevas dinámicas, nuevas emergencias y nuevas oportunidades dentro de la industria del teatro musical.CorePersonal Development 3 2025-26MST3005MLevel 62025-26Bajo la tutela de nuestro personal, los estudiantes pueden continuar desarrollando sus habilidades de canto y baile en sesiones semanales durante todo el año.CoreActing the Song 2 2025-26MST3001MLevel 62025-26Caminar hacia una audición puede ser una de las perspectivas más desalentadoras para cualquier artista. Este módulo está diseñado para ayudar a prepararse para ese escenario, mediante el desarrollo de un repertorio de material de la canción para el rendimiento, y luego la prueba de los estudiantes en un simulacro de audición.OptionalDissertation (15c) 2025-26DRA3057MLevel 62025-26El módulo de Disertación ofrece la oportunidad para que un estudiante para investigar y perseguir un teatro y las artes escénicas de su propia elección en una pieza extendida de la escritura académica.

Teatro musical

La Licenciatura de Artes en Teatro Musical, de tres años de duración, es un programa de formación ampliamente vocacional y práctico en Teatro Musical. Pretende desarrollar intérpretes imaginativos capaces de abarcar una amplia gama de estilos y formas de danza, actuación y teatro musical. Hay dos itinerarios en la Licenciatura en Teatro Musical, ambos proporcionan una formación integral para el teatro musical.

La segunda también se centra en las tres áreas que componen el teatro musical: la danza, la interpretación y el canto, pero haciendo más hincapié en el canto y la interpretación. Esta opción es más adecuada para quienes tienen una formación más limitada en danza.

El Certificado Básico de Canto y Teatro Musical de IAB, de un año de duración, ofrece a los estudiantes la oportunidad de crecer y mejorar, técnica e imaginativamente, como intérpretes. El programa está orientado a aquellos que desean realizar un programa de pregrado de un año para mejorar sus habilidades antes de solicitar un programa de grado, o para las personas que desean pasar un año explorando y ampliando su capacidad de canto e interpretación de teatro musical.