Ejemplos de teatro renacentista
La commedia dell’arte se desarrolló en Italia en el siglo XVI a partir de diferentes grupos teatrales ya existentes en la Edad Media. La commedia dell’arte fue difundida por compañías itinerantes, como la Compagnia dei Comici Gelosi, por toda Europa y tuvo gran influencia, en particular, en el teatro español y en la comedia británica, francesa y alemana de los siglos XVII y XVIII, como el teatro popular vienés y las «Acciones principales y de Estado» de los teatros ambulantes alemanes.
El centro de la commedia dell’arte en el siglo XVIII ya no estaba en Italia, sino en París, la ciudad más grande de Europa. Durante la Revolución Francesa se prohibió en Francia, donde la commedia desde Luis XIV tenía su ubicación fija y no más tarde de la época de Napoleón esta forma antaño dominante del teatro europeo prácticamente había desaparecido. No fue hasta principios del siglo XX, la Commedia dell’arte fue redescubierta y revivida en diversas formas en toda Europa.
Ya hemos mencionado su supuesta derivación de las Atellanœ, las farsas populares representadas antiguamente en la ciudad de Atella, en la Campagna romana. Pero si esto es realmente así, implica una asombrosa hibernación o vida subterránea durante algo así como mil años. Sin embargo, cuando estas farsas revivieron de nuevo, calentadas por el sol del Humanismo, encontramos, para nuestro asombro, el mismo método de procedimiento e incluso el mismo grupo de personajes. Bucco y Maccus, y el ogro Manducus, el Miles Gloriosus de Plauto, y media docena de otras máscaras aparecen de nuevo. Sólo cambian sus nombres. Las hemos llamado «máscaras» deliberadamente. Los jugadores de Atellane llevaban máscaras, al igual que los actores de la Comedia Italiana. Si en las plazas y mercados de las ciudades más remotas actuaban grupos de este tipo durante toda la Edad Media, ¿por qué no se sabe nada de ellos? Si no era así, ¿cómo se conservó la tradición?
Teatro isabelino
El periodo comienza antes del establecimiento de los primeros teatros permanentes. Inicialmente se utilizaban dos tipos de lugares para representar las obras: los patios de las posadas y las posadas de la Corte, como el Inner Temple. Estos lugares siguieron utilizándose incluso después de la creación de los teatros permanentes.
La creación de teatros públicos grandes y rentables fue un factor esencial para el éxito de la dramaturgia renacentista inglesa. Una vez en funcionamiento, el drama podía convertirse en un fenómeno fijo y permanente en lugar de transitorio. Su construcción se vio impulsada cuando el alcalde y la Corporación de Londres prohibieron por primera vez las representaciones teatrales en 1572 como medida contra la peste, y luego expulsaron formalmente a todos los actores de la ciudad en 1575. Esto impulsó la construcción de teatros permanentes fuera de la jurisdicción de Londres, en las libertades de Halliwell/Holywell en Shoreditch y más tarde en el Clink, y en Newington Butts, cerca del distrito de entretenimiento establecido de St. George’s Fields, en la zona rural de Surrey. El teatro fue construido en Shoreditch en 1576 por James Burbage con su cuñado John Brayne (el propietario del fracasado teatro Red Lion de 1567) y el teatro de Newington Butts fue creado, probablemente por Jerome Savage, en algún momento entre 1575 y 1577. Rápidamente le siguieron el cercanoCurtain Theatre (1577), el Rose (1587), el Swan (1595), el Globe (1599), el Fortune (1600) y el Red Bull(1604).
Características del teatro renacentista
El vestuario teatral medieval y renacentista estaba directamente influido por la economía de la sociedad, la religión y la clase social. Las producciones teatrales y el vestuario también tuvieron un impacto significativo en la sociedad durante estos periodos. Tanto en la Edad Media como en el Renacimiento, los trajes eran muy importantes para proporcionar información sobre la historia, el personaje presentado y el estatus social de los actores.
Los trajes utilizados en las producciones teatrales de las épocas medieval y renacentista formaban parte integrante de la producción general y creaban un impacto visual para el público. Es evidente que el vestuario desempeñaba el papel más importante en las producciones de estos periodos. Los trajes de la época medieval evolucionaron a medida que aumentaba la aceptación de las producciones teatrales durante el Renacimiento. Los tejidos cambiaron, los trajes se adornaron con más accesorios y cambió el simbolismo de los colores reales.
El Teatro Medieval y los trajes estuvieron muy influenciados por la Iglesia Católica, de hecho, el teatro resurgió en el contexto de la iglesia. Las vestimentas, túnicas y ornamentos eclesiásticos utilizados por los sacerdotes aparecían a menudo en las producciones teatrales como vestuario. Misterio, Milagros y Moral eran los tres tipos de obras teatrales. Estas obras tenían cuatro o cinco escenas y recorrían la ciudad representando cada escena en una zona diferente. Las obras de misterio representaban historias bíblicas. En un principio, los actores eran los sacerdotes y monjes de la ciudad, y el vestuario era el propio de los sacerdotes y los ornamentos eclesiásticos utilizados en la liturgia. Las obras milagrosas representaban la vida de un santo o personaje bíblico y el vestuario se confeccionaba con ropas eclesiásticas. Las obras de moralidad enseñaban a vivir de acuerdo con las virtudes y las normas de la Iglesia. Se utilizaban disfraces para personificar las virtudes y el mal en cada uno de estos temas. Había atrezzo y pequeños escenarios sencillos, pero el vestuario era la mejor herramienta escénica para ayudar a transmitir el mensaje de la producción y captar el interés del público.
Apuntes de teatro renacentista
El teatro medieval había sido una actividad de aficionados representada por el clero o los miembros de los distintos gremios. Los intérpretes no eran actores profesionales, sino ciudadanos corrientes que actuaban sólo en su tiempo libre. Con la centralización de la población en las ciudades durante la última parte de la Edad Media, comenzó a aumentar el interés por el drama secular.
A finales del periodo medieval, cuando aún existían algunas producciones gremiales, se desarrolló una rivalidad entre el actor aficionado y el nuevo actor profesional que estimuló el interés por el arte de la interpretación. En el siglo XVI, la escena isabelina se hizo casi totalmente profesional y pública. Se formaron grupos profesionales que cobraban entradas para que el público pudiera presenciar sus representaciones. Los nuevos grupos teatrales dedicaban todo su tiempo al arte y al oficio de producir obras. Durante el periodo isabelino, el arte de la interpretación se convirtió en una profesión que proporcionaba al actor un buen medio de vida. Del mismo modo, la producción de obras de teatro en esta época era una buena aventura financiera.
