Categoría: opiniones

El mayor espectáculo | Spain’s Got Talent 2019

Cómo defenderse, de Liliana Padilla, es una obra hilarante e inquietante sobre ejercicios como ese: Un grupo de estudiantes se reúne en una habitación libre del gimnasio de una universidad para recibir una serie de lecciones basadas en el título de la obra. Conocemos a Diana (Gabriela Ortega) y Mojdeh (Ariana Mahallati), entusiastas y tontas amigas íntimas de primer año que se han apuntado a aprender defensa personal en parte porque Mojdeh cree que podría facilitarle la entrada en una hermandad. Brandi (Talia Ryder), la muy elegante vicepresidenta de la hermandad, que se presenta vestida con ropa de gimnasia suprema, ha quedado para dar la clase porque una de sus miembros ha sido violada. Brandi trae consigo a Kara (Sarah Marie Rodriguez), la presidenta de la hermandad, que sólo está interesada a medias en todo este asunto. En unas pocas sesiones, la cohorte se amplía para incluir a Nikki (Amaya Braganza), una tímida estudiante que intenta colarse por la puerta sin ser vista (tiene un verdadero don para aterrizar la comedia con la más mínima inclinación de su barbilla), así como a dos miembros de la fraternidad, Andy (Sebastian Delascasas) y Eggo (Jayson Lee), que de forma un tanto inepta intentan proporcionar apoyo moral y hablar de intentar poner buenos comportamientos en sus «cajas de hombre».

Audiciones 7 | España tiene talento 2019

Para todas las preguntas que plantea la obra de Lily Padilla, «Cómo defenderse», hay una única respuesta: «No es tan difícil no violar a alguien». «Cómo defenderse» tuvo el viernes su noche de estreno en el Festival Humana. Se trata de una obra sobre tres mujeres de color, las amigas Diana (Gabriela Ortega) y Mojdeh (Ariana Mahallati) y la asistente en solitario Nikki (Molly Adea), que asisten a una clase de defensa personal organizada por Brandi (Anna Crivelli), chica de una hermandad y cinturón negro, después de que su hermana Suz fuera violada en una fiesta de una fraternidad. Kara (Abby Leigh Huffstetler) es su segunda al mando. Ambas son blancas. Los hermanos de la fraternidad, Andy (David Ball) y Eggo (Jonathan Moises Olivares) llegan para ayudar a Brandi. Andy es blanco. Eggo es moreno. Menciono la raza de todos porque, al igual que en la vida real, la raza desempeña un papel en esta obra.Mojdeh ha arrastrado a Diana a la clase porque Brandi es miembro de la hermandad a la que quiere que ella y Diana se unan. Para Mojdeh, ser miembro de una hermandad es una forma de conseguir la experiencia universitaria americana que reflejan las películas y los programas de televisión. A Diana le preocupa que su amiga se deje seducir por la blancura.

Gran final | Spain’s Got Talent 2019

Mi primera regla para evaluar cualquier producción de «Pippin» es sencilla: Todo depende de la interpretación de la canción «No Time at All», la oda al eterno optimismo cantada en el primer acto por la escandalosa abuela de Pippin, Berthe. Berthe, expulsada de la corte por enemistarse con su nuera, recuerda al tímido Pippin que debe salir al mundo y ser un poco salvaje, porque nadie sabe cuánto tiempo le queda. Si este gran número de la producción no me deja con una sensación cálida, introspectiva y flotante, que me hace sentir al mismo tiempo entusiasmado por las posibilidades de la vida y también un poco cabizbajo por lo rápido que ha pasado la mía, entonces la producción no ha hecho su trabajo.

Jenna Valencia, en el papel de Berthe, ofrece una interpretación grande, generosa y brillante, que golpea al público en la cabeza y le dice: «¡Diviértete mientras puedas!». La canción es la cumbre del optimismo del espectáculo. En el estribillo, mientras el elenco se contonea y Berthe canta «Oh, es hora de empezar a vivir, hora de tomar un poco del mundo que se nos ha dado», las luces estampadas de la diseñadora Christina McCollam bailan al ritmo contagioso. Sí, hasta las luces bailan. ¿Cómo no sentirse animado?

Audiciones 7 | España tiene talento 2019

La presentadora gaditana ha vuelto a la televisión tras varios meses dedicada al teatro y a su negocio textil. Este miércoles, Paz Padilla Ha hablado de sus nuevos proyectos y también de su nuevo amor, con el que ha protagonizado varias portadas este verano. Criticada por rehacer su vida dos años después de enviudar, ha reflexionado: «Quiero reflexionar: ¿cuánto tenemos que esperar para volver a enamorarnos? ¿Estamos en Egipto, donde el faraón fue enterrado con su mujer viva?».

Padilla, invitada al hormiguero, ha asegurado: «Tengo una gran capacidad de amar y durante este proceso de aceptación aprendí que seguía vivo y quería seguir vivo. Mientras esté aquí quiero ser feliz», ha dicho. «Hay que sufrir, pero lo justo, no más. Soy viuda pero no puedo sentirme culpable por amar a otra persona. Sigo enamorada de Antonio y sé cómo me quería. Y sé que él me diría ‘Levántate, vive… ‘ Si mis lágrimas me devolvieran a Antonio, nunca dejaría de llorar, pero eso no va a pasar».

La coartada de Las Vegas

¿Hay algo más intemporal que el vestíbulo de un edificio con portero? Es un oasis ecléctico de permanencia en una ciudad que nunca duerme, aunque sus porteros a veces sí lo hacen, soñando sus propios grandes sueños. Jeff es el principal soñador de Héroe del vestíbulo, de Kenneth Lonergan, cuya reposición, sustancial y satisfactoria en su mayor parte, se estrena hoy, con un Michael Cera gloriosamente torpe en el papel del portero titular (perdón, «agente de seguridad»). Pero el alma de esta producción, que supone el debut en Broadway de Hero 17 años después de su estreno en Broadway, pertenece al «capitán» afroamericano de Jeff, William, que se autodefine como un mentor y al que Brian Tyree Henry (de Atlanta, de FX) dota de una crudeza y una fluidez que recentran por completo el juego moral.

La historia y los diálogos de Lonergan son tan perennes como su vestíbulo, evocadoramente representado por David Rockwell como un cubo Art Decó ligeramente sórdido que gira a través de una noche iluminada por la calle (en contraste con su hogar, el recién renovado Hayes Theater). Jeff y William se hacen confidencias recelosas, el primero sobre su abyecto fracaso a la hora de estar a la altura de su padre, un héroe de la Marina, y el segundo sobre el estricto código moral que le salvó de las calles. La visita de dos policías, el mujeriego Bill (Chris Evans en su faceta más arrogante) y su compañera Dawn (la ingenua británica Bel Powley), se complica cuando se descubre que el hermano de William es sospechoso de asesinato, Dawn acaba de mutilar a un borracho y Bill es un gilipollas. Los secretos se comparten y se traicionan, los mentirosos se desenmascaran, las ambiciones nacen y se hacen añicos… todo en un vestíbulo sobredimensionado.

La película de la coartada

El programa Corredor Global de la compañía Tricklock es uno de los esfuerzos de intercambio cultural más vitales de Albuquerque, ya que pone a nuestra comunidad en diálogo con el resto del mundo trayendo a artistas de todo el mundo al escenario local. Como parte de este amplio esfuerzo, que también incluye el festival anual Revolutions, Tricklock ha organizado recientemente una muestra de tres semanas de actuaciones internacionales llamada Revamp, en colaboración con el Centro Nacional de Cultura Hispana y el departamento de teatro y danza de la UNM. La serie comenzó el 20 de octubre y continuará hasta el 11 de noviembre. Durante este tiempo, compañías de México, Mongolia y Ucrania han actuado o actuarán en diversos lugares de la ciudad.

Entre estos diversos actos se encuentra una obra titulada «TseSho?» o, en español, «¿Qué es eso?», producida por el Teatr-Pralnia de Kiev (Ucrania) en colaboración con el CCA Dakh y dirigida por Vlad Troitsky. La obra utiliza la lente onírica de la infancia, así como muchas marionetas como atrezzo para explorar los puntos de conexión de la humanidad y la búsqueda de la verdad interior.

Torneo de reyes

Quería que me gustara La Orenda de Joseph Boyden. He sido fan de la obra de Boyden. Carretera de tres días, Nacido con un diente y A través del abeto negro tenían temas convincentes de redención en medio de la pérdida. Por otra parte, las críticas anticipadas proclamaban La Orenda como una obra maestra, y Quill & Quire calificaba el libro de «magnífica bestia literaria». Así que estaba impaciente por leerlo y me alegré de recibir un ejemplar anticipado de la editorial. En las primeras páginas del libro, de casi 500, estaba claro por qué había recibido tan buenas críticas. Pero también estaba claro que el libro no me iba a gustar. La Orenda es un relato reconfortante para los canadienses sobre el surgimiento de Canadá: Indios salvajes, jesuitas bienhechores y la inevitabilidad (incluso la conveniencia) de la colonización. Los temas que impulsan esta narrativa son la representación de los pueblos haudenosaunee como antagónicos, el privilegio de la perspectiva jesuita y el refuerzo de viejos tropos narrativos sobre los pueblos indígenas. Estos temas se combinan para transmitir el mensaje de que la desaparición de los hurones y la pérdida de su orenda estaban predestinadas a suceder.

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Smother adolecía de un guión sobrecargado: había demasiados personajes, cada uno con motivos complicados. A ello se unía una curiosa apatía por ahondar en la psicosfera del entorno del oeste de Irlanda. Co Clare tiene una gran comunidad de surfistas, es un hervidero de música tradicional y mira con tristeza al Atlántico (y es la ubicación real de la casa de Father Ted). Pero Smother tenía poco interés en profundizar en este fascinante trasfondo. No todo fue malo, y Kirwan lo hizo de forma impresionante. Pero esto nunca aspiró a ser otra cosa que un binge-and-forget potboiler.

El escenario de Reino Unido

La célebre producción de la Old Vic Theatre Company del clásico cuento de Navidad de Charles Dickens, Cuento de Navidad, es presentada por GB Entertainment en una gloriosa producción protagonizada por David Wenham como el arquetípico avaro Ebenezer Scrooge. Esta oscura, delicada y deslumbrante obra con música presenta el cuento que todos conocemos, pero infunde nueva vida a la historia a través de un asombroso despliegue de brillante teatralidad y logradas interpretaciones emocionales de un destacado reparto local.

El dramaturgo Jack Thorne, famoso por Harry Potter y el Niño Maldito, ha realizado esta adaptación y no rehúye los temas más oscuros en el primer acto. Conocemos la torturada infancia de Scrooge a manos de su cruel padre alcohólico (un imponente Anthony Harkin) y el tormento emocional que sufre por la pérdida de su primer amor, Belle (una radiante Sarah Morrison). Después de recibir la visita de tres fantasmas en Nochebuena, Scrooge tiene una epifanía y decide cambiar su avaricia y abrazar plenamente la vida. Los mensajes atemporales de redención y empatía intrínsecos a esta historia se articulan con increíble fuerza y peso emocional en esta producción; es una experiencia teatral catártica.

Revisión de Atg

FINAL ACCOUNT es un retrato urgente de la última generación viva de gente corriente que participó en el Tercer Reich de Adolf Hitler. Durante más de una década, la película plantea cuestiones vitales y oportunas sobre la autoridad, la conformidad, la complicidad y la perpetración, la identidad nacional y la responsabilidad, ya que hombres y mujeres, desde antiguos miembros de las SS hasta civiles, en entrevistas nunca vistas, se enfrentan -de maneras muy diferentes- a sus recuerdos, percepciones y valoraciones personales de su propio papel en los mayores crímenes humanos de la historia.

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El venerable teatro Munjoy Hill ha estrenado una producción muy entretenida del clásico musical de Rodgers y Hammerstein de 1945 «Carousel». La buena actuación, el canto, el baile y el piano de los talentos locales, muchos de ellos nuevos en este local de Portland, servirán sin duda para caracterizar este espectáculo como uno de los mejores cuando se resuma finalmente la temporada teatral local de 2022-23.

El director Brian P. Allen ha invertido mucho esfuerzo y recursos para dar vida a este espectáculo, con un reparto de 17 personas más dos músicos y un personal ampliado. Si el escenario relativamente pequeño, que suele albergar producciones más modestas, puede parecer un poco abarrotado, el ambiente es de pura alegría por parte de todos los implicados.

El argumento, que ha sido objeto de varias interpretaciones a lo largo de los años, se centra en el problemático romance entre Julie, una chica de fábrica perdidamente enamorada, y Billy, un rudo feriante, en una pequeña comunidad de la costa de Maine. Las divisiones culturales y de clase sugieren que deben separarse, pero hay algo, quizás dentro de la música que se escucha desde un carrusel lejano, que les permite soñar con una vida juntos.

Reseñas de teatro en Londres

Bueno, en el mundo del arte es completamente subjetivo, sin embargo los espectáculos más memorables suelen evocar fuertes emociones emocionales o intelectuales en el público. En este sentido, The Last Great Hunt lo ha vuelto a hacer, y una vez más afirmo mi creencia de que esta pequeña compañía, compuesta por seis creadores teatrales, es sin duda mejor en todo lo que hace que nuestra State Theatre Company, ya que hacen obras que invitan a la reflexión y que a menudo son descabelladas, pero que por cierto son memorables.

Los artistas de The Last Great Hunt no tienen miedo de cruzar las líneas, poner a prueba las fronteras y superar los límites. Parece que el dinero y la popularidad no les importan, ya que persiguen la pureza del arte: y si el resto les sigue, pues hurra, y si éste no acierta, quizá lo haga el siguiente.

Ahora bien, no me encantó este espectáculo tanto como me han encantado otras piezas de su trabajo, pero me encanta lo que representa y lo que dice y lo que cuestiona, y garantizo que cualquiera que lo vea lo recordará durante mucho tiempo.

D*ck Pics in the Garden of Eden te hará reír, hacer muecas, pensar y ponerte al borde del llanto, muchas veces todo al mismo tiempo. Los protagonistas son los personajes más históricos posibles, pero los temas son inalterablemente relevantes.

Una buena mujer (2004) full movie download in hindi

Según Preeti John, una cirujana afincada en Baltimore que ha reunido ensayos, poemas y entrevistas de sesenta mujeres cirujanas para su libro Ser una mujer cirujana, la vida de un cirujano es un reto que requiere no sólo resistencia física, sino también «fuerza de carácter, equilibrio, planificación cuidadosa y un firme compromiso con lo que es importante». Estos ensayos adaptados de cuatro de las cirujanas que aparecen en el libro atestiguan con calma y orgullo la verdad de su afirmación.

Creo que comencé mi camino hacia la profesión de cirujano a los seis años, justo después de la Segunda Guerra Mundial, cuando mi tía nos llevó a mí y a mi hermana a la recién reabierta Galería de Arte de Manchester. Contemplé un dibujo a lápiz de Teatro de Barbara Hepworth, más conocida como brillante escultora. Representa un quirófano con una mesa rodeada por la mayoría de hombres y una mujer, sin duda una enfermera. Nada me hizo cambiar de opinión, aunque el hecho de ser una mujer residente de cirugía en los años sesenta casi destruyó mi determinación.

Nadie en Boston me daría una pasantía de cirugía, así que me convertí en pasante de pediatría en el Hospital de Niños y entré en cirugía a nivel de residencia en Georgetown. Allí, superar la siguiente rotación ocupaba todo mi tiempo y energía. Los niños siguieron siendo mi primer amor, y me convertí en cirujano pediátrico, uno de los primeros en hacer el nuevo examen de certificación de la junta de cirugía pediátrica.

Una buena mujer en Netflix

Los White River Valley Players de Rochester se alejaron de su tradición de montar musicales con clase y castañas teatrales conocidas cuando eligieron abordar «La buena mujer de Setzuan» de Bertolt Brecht. Los resultados, compartidos el pasado fin de semana en el auditorio del instituto de Rochester, fueron a la vez elegantes y familiares, ya que los Players consiguieron otro triunfo dramático, trayendo un teatro embriagador e inteligente al centro de Vermont.

La obra se centra en una búsqueda por parte de los dioses, que prometen que «el mundo puede seguir como está si se encuentran suficientes personas dignas de ser seres humanos». Los lectores familiarizados con la Biblia pueden encontrar paralelismos con la historia de Sodoma y Gomorra, pero la presencia de tres dioses, todos ellos algo desaliñados y torpes, da al guión de Brecht un sesgo decididamente laico. Dick Robson, Hannah Gephart y Patrick Branstetter estuvieron encantadores como dioses y proporcionaron un bienvenido alivio cómico en los momentos adecuados.

Sin embargo, la atención se centra en los humanos, no en los dioses, y la búsqueda de una buena persona se centra en Shen Te, la buena mujer de Setzuan. El retrato que hace Elaine Sanborn de esta prostituta convertida en vendedora de tabaco es rico en conocimientos sobre lo que significa ser humano y tratar de ser bueno. Sus intentos de llevar ayuda a los aldeanos la exponen a la angustia y al abuso, y ocasionalmente al reconocimiento de su bondad.

Una buena mujer imdb

Dejemos de lado lo básico: ¿es la producción de Teatro Pro Rata de La buena mujer de Setzuan una gran obra de teatro?    Sí, lo es.    ¿Hay que ir?    Eso depende de lo que sientas por Bertolt Brecht.

Tuve que consultarlo con la almohada porque esta obra me fastidió y tuve que averiguar por qué, y si eso era una justificación para no ir.    Porque Brecht es un hijo de puta retenedor.    Y lo hace deliberadamente.    ¿Sabes que Walpole dice que este mundo «es una comedia para los que piensan, y una tragedia para los que sienten»?    Brecht piensa y siente, pero sólo quiere que su público haga lo primero.    ¿Se reía la gente durante La buena mujer de Setzuan?    Sí, a menudo y en voz alta.    Y todo el tiempo que se reía me preguntaba: «¿Por qué se ríe todo el mundo?    Esta historia es espantosa».    A pesar de los esfuerzos de Brecht y de Pro Rata, supongo que seguía sintiendo.

Tres dioses bufonescos (Peyton McCandless, Andrew Toth y Molly Pach) se adentran en la ciudad de Setzuan buscando un lugar donde pasar la noche.    Wong (Ben Layne), el campesino que vende agua a la gente en la calle, intenta ayudar a los dioses a encontrar refugio, pero tiene problemas hasta que llega a la casa de la prostituta del pueblo, Shen Te (Kelsey Cramer).    Por su hospitalidad, los dioses obsequian a Shen Te con suficiente dinero para abrir su propia tienda.    Shen Te quiere seguir haciendo el bien a los demás, pero otras personas se aprovechan de sus buenas intenciones.

Crítica de la película Una buena mujer

Si ves a Mare Winningham con un abrigo en el escenario, probablemente te empañes. Es una de esas reglas del teatro Off Broadway. Ella sobresale en la melancolía en miniatura, dibujando personajes que parecen un poco tristes y, dado el abrigo, probablemente un poco fríos. Por eso, cuando aparece en Un hombre sin importancia, acosando a su hermano Alfie, interpretado por Jim Parsons, para que siente la cabeza con una buena chica, uno experimenta la cómoda sensación de saber que está a punto de que le toquen la fibra sensible.

Las satisfacciones de esta reposición de Un hombre sin importancia se encuentran en ese juego a pequeña escala: tanto literalmente, en el sentido de un poco de violín en el escenario, como en un elenco de interpretaciones secundarias elaboradas con delicadeza. El musical es un asunto relativamente menor basado en la película de 1994 protagonizada por Albert Finney en el papel de un conductor de autobús de Dublín de los años 60 que organiza producciones de teatro comunitario de obras de Oscar Wilde con su grupo, los St. Cuenta con un libro de Terrence McNally y canciones de Lynn Ahrens y Stephen Flaherty; se estrenó en 2002 después de que el trío hubiera escrito a escala épica en Ragtime y Ahrens y Flaherty hubieran superado el despropósito de Seussical. Aquí, la trama fluye directamente: Alfie decide organizar una producción de Salomé, y los personajes que le rodean se escandalizan inevitablemente. Pero todos reaccionan a su manera, y el musical abre pequeños remolinos de emoción en cada una de sus canciones. La Lily de Winningham canta «The Burden of Life» con una melancólica aflicción como mujer soltera con un hermano soltero, y la Adele de Shereen Ahmed, la joven que Alfie elige para interpretar a Salomé, reflexiona con una soprano cristalina sobre la presión de interpretar a una princesa virginal.

Sucedió una noche | Reseña de la película

Después de actuar en Princeton, Nueva Jersey, a la aclamada contralto Marian Anderson se le niega el alojamiento en el Nassau Inn por ser negra. El físico Albert Einstein la invita a alojarse en su casa, y ambos entablan una profunda amistad basada en su amor por la música y su compromiso con los derechos humanos.Basada en hechos reales, Señor mío, qué noche nos lleva a la casa de Einstein e imagina las conversaciones y circunstancias que llevaron al histórico concierto de Anderson en las escaleras del Lincoln Memorial. El asesor artístico principal de Ford, Sheldon Epps (Twelve Angry Men), vuelve a dirigir a Felicia Curry en el papel de Marian Anderson, a Christopher Bloch en el de Albert Einstein, a Michael Russotto en el de Abraham Flexner y a Franchelle Stewart Dorn en el de Mary Church Terrell.No se pierda esta nueva y extraordinaria obra sobre el valor, la justicia y nuestra humanidad compartida.

A la cartaEsta producción está disponible en streaming a través de Broadway On Demand (BOD) hasta el 4 de noviembre de 2021. Debe iniciar sesión o crear una cuenta en línea para que la transmisión aparezca en su contenido digital. Cada entrada permite un pase de visualización durante 24 horas. Las entradas individuales para la transmisión están disponibles para su compra por $16. Reserve sus entradas a continuación.

Sucedió una noche (1934) – Crítica de la película

Un cirujano huye de un escándalo en la ciudad y acepta un trabajo en una clínica de pueblo. Compra antibióticos de su propio bolsillo, aplasta cucarachas y se resiente de las intervenciones del funcionario corrupto que supervisa su trabajo.Pero su visión de la vida cambia una noche cuando aparecen un profesor, su mujer embarazada y su hijo pequeño. Muertos en un violento robo, le dicen al cirujano que han

Un cirujano huye de un escándalo en la ciudad y acepta un trabajo en una clínica de pueblo. Compra antibióticos de su propio bolsillo, aplasta cucarachas y le molestan las intervenciones del funcionario corrupto que supervisa su trabajo, pero su visión de la vida cambia una noche cuando aparecen un profesor, su mujer embarazada y su hijo pequeño. Muertos en un violento robo, le dicen al cirujano que les han ofrecido una segunda oportunidad de vivir si éste puede curar sus heridas antes del amanecer.Así comienza una noche de trabajo silencioso, «como si se hubiera sobornado a los grillos», durante la cual el cirujano se da cuenta de que su futuro está más ligado al de la familia muerta de lo que podría haber imaginado. Al amanecer, él y su ayudante han adquirido un conocimiento que ningún mortal debería tener.En esta ingeniosa novela cargada de gravedad filosófica y humor socarrón, Vikram Paralkar aborda la práctica de la medicina en una época en la que el derecho a la asistencia sanitaria es frecuentemente cuestionado. Al abordar la injusticia terrenal y los imaginarios del más allá, se pregunta cómo podemos navegar por las instituciones corruptas para encontrar un centro moral. Abarcando la crítica social y el drama mágicamente irreal, Teatro nocturno es una primera novela tan satisfactoria por su indagación existencial como por su apasionante historia de un médico escéptico que llega a comprender mejor los milagros de la vida.

Desglosando las críticas de beanie feldstein como fanny brice

Reseña: Teatro nocturno’, de Vikram Paralkar La novela de Vikram Paralkar se desarrolla durante una noche llena de acontecimientos en una clínica de un pequeño pueblo de la India, donde tres personas asesinadas se enfrentan a un médico; si puede tratar sus heridas, volverán a vivir.

Primeras líneas. Me encantan. Algunos coleccionan monedas o sellos, yo colecciono primeras líneas. Teatro nocturno tiene una primera línea excelente: «El día que los muertos visitaron al cirujano, el aire de su clínica estaba impregnado de formol». ¿No es una belleza? Esa primera línea tienta al lector, al igual que la premisa. Es el tipo de concepto que daría lugar a un episodio perfecto de la Dimensión Desconocida, o a una gran película de terror de bajo presupuesto. Un irascible médico que trabaja de noche en una pequeña clínica de un empobrecido pueblo indio recibe la visita de tres personas asesinadas. Si puede coser y tratar sus heridas adecuadamente, podrán volver a la vida. Pero sólo tiene hasta el amanecer. Una propaganda en la parte posterior de mi copia me prometía un momento «emocionante». Pero el concepto, aunque emocionante, no se mueve a la manera de un thriller. Hay una sensación de lentitud en todos los procedimientos, a pesar de la necesidad de tres grandes cirugías en el lapso de unas pocas horas. El drama necesario para llevar un escenario tan claustrofóbico no se manifiesta. Parte del problema es que los personajes permanecen siempre a distancia. No llegamos a conocer realmente a las personas expuestas, excepto al cirujano que está en el centro del relato.

«cómo aprendí a conducir» es tan relevante hoy como

En 1937, a la mundialmente conocida cantante de ópera Marian Anderson se le negó una habitación de hotel en Princeton, Nueva Jersey, por motivos de raza. Albert Einstein, activista por la justicia social y admirador de la señorita Anderson, le ofreció una habitación en su casa. El inicio de esta amistad en la vida real entre Einstein y Anderson inspira «My Lord, What a Night», que se representa actualmente en el Teatro Ford. La obra especula sobre las discusiones y decisiones cruciales que podrían haber llenado el salón de Einstein, entrelazando la carta de Einstein-Szilard a FDR sobre la posibilidad de un arma nuclear alemana y la famosa actuación de Marian Anderson en las escaleras del Lincoln Memorial en un par de días en Princeton.

Aunque se enmarca en torno a estas piezas trascendentales de la historia, el espectáculo de la dramaturga Deborah Brevoort puede flotar más cerca de la ficción histórica que de la recreación. Las pequeñas inexactitudes -como el anacronismo de mencionar en 1937 la elección por parte de los estudiantes de primer año de Princeton de Adolf Hitler como el mayor ser vivo en 1939 o la dramática certeza con la que Einstein pronostica el futuro desarrollo y uso de las armas nucleares- pueden perdonarse a la luz de un guión general de buen ritmo.

Línea de Córcega – Tour de Corse 2019: Lo más destacado de las etapas 7-9

Un fascinante entretenimiento de 2003 ideado por el dramaturgo catalán Jordi Galcerán Ferrer (y convertido en una premiada película española dos años después), esta chispeante adaptación inglesa de El método Gronholm explota un subgénero mutante del «whodunit» en la tradición de «Sleuth» o «Deathtrap»: ¿Quién hace qué a quién y por qué?

Cuatro aspirantes a un puesto de trabajo entran en una sala sellada para una entrevista colectiva «final» para un puesto ejecutivo de marketing en una empresa de la lista Fortune 500. Frank (Jonathan Cake) es un competidor feroz, un verdadero creyente en la crueldad empresarial. Rick (Stephen Spinella, ganador de varios premios Tony) parece más ratonero, pero esconde una sutil vena de manipulación magistral. Los más jóvenes Carl (Graham Hamilton) y Melanie (Lesli Margherita) son compañeros de un MBA, que hace tiempo que no están en contacto, pero que son agresivos y astutos. Juntos deben participar en múltiples juegos con oscuras motivaciones, empezando por intentar adivinar quién de ellos es la planta de «Relaciones humanas». Cualquiera puede abandonar en cualquier momento, pero perdería el trabajo.

Futurice

Que levante la mano quien ame una entrevista de trabajo. No creo que sea la actividad preferida de mucha gente. Pero si hay algo más angustioso que enfrentarse cara a cara con un posible empleador, tal vez sea tener que esperar en la recepción con los demás candidatos preseleccionados y saber que lo que ocurre allí es lo que decide.

En la hábil comedia costumbrista del dramaturgo catalán Jordi Galcerán de 2003, trasladada aquí a la suite de un rascacielos de una empresa de la lista Fortune 500 en Nueva York, cuatro desconocidos son arrojados juntos como conejillos de indias en un laboratorio. ¿Cómo van a interactuar? Los estímulos se introducen en forma de instrucciones escritas -entregadas a través de un «buzón» que sobresale brevemente- que impulsan a los aparentes aspirantes al modo de supervivencia.

Digo «aparente» porque todo el mundo mantiene la guardia alta y se sugiere desde el principio que uno de los participantes es una planta de recursos humanos. Es una receta para intensificar la paranoia; si la presión es excesiva, cualquier candidato puede marcharse, pero entonces estará fuera de la carrera. Observamos desde la barrera, pero nos vemos envueltos en el juego de las adivinanzas, preguntándonos a quién creer y cómo nos iría a nosotros mismos.

Por qué el WRC es el campo de pruebas perfecto para los combustibles P1

La obra se desarrolla en una sala de la undécima planta de las oficinas de la empresa y en la primera prueba se revela que uno de los aspirantes es un topo de RRHH y los aspirantes tienen que decidir de cuál de ellos se trata.

La imagen (arriba) hace referencia a otro juego en el que cada aspirante debe elegir un sombrero y argumentar por qué su personaje (un luchador, un payaso, un obispo y un político) debe ser el que utilice el único paracaídas para salvarse de un avión que se estrella.

La obra trata de la ridiculez del uso de los tests psicológicos en la contratación y es muy divertida: pasó la prueba de las seis risas muy rápidamente y su forma resultará familiar a cualquiera que se haya sometido a una entrevista de trabajo que tome un rumbo desconocido.

Está bien interpretada y la última vez que vimos a Pitt-Pulford en este mismo lugar a finales del año pasado en Barnum, Gordon Sinclair es quizás más conocido por la película de los 80 Gregory’s Girl mientras que McHugh fue muy divertido en la comedia de Channel 4 Fresh Meat.

El Metodo -The Method (subt Engl)

Sigue a cuatro personas atrapadas en una sala de juntas, todas ellas luchando por el mismo puesto de trabajo. La traducción de Anne García-Romero y Mark St Germain hace que el escenario neoyorquino resulte totalmente verosímil, con un lenguaje de gestión anodino mezclado con historias de fantasía sobre sus vidas en casa. Y un sólido reparto hace picadillo todos los retos que la historia de Galcerán les plantea. John Gordon Sinclair interpreta a Rick, un paleto fanfarrón con el bolsillo lleno de Tic Tacs. El psicópata mercurial de Jonathan Cake, Frank, está dispuesto a comérselo para desayunar. Greg McHugh es Carl, un graduado de la Ivy League con cara rosada que hace una inesperada petición de aceptación. Y entre los hombres está Laura Pitt-Pulford como Melanie, la única mujer que es muy consciente de ello y que lucha constantemente por mantener su férrea fachada.

Bruce Dickinson – Stranger In A Strange Land A Capppella

El tema de la inmigración encaja en la mentalidad social y política de Teatro Tercera Llamda como compañía, por lo que tiene sentido el abrazo de Bashir Lazhar, una rara producción suya que no surge de un autor hispanohablante.

El personaje es un argelino emigrado a Canadá, un musulmán que se encuentra como extranjero en una tierra extraña. La obra se enmarca en el momento en que Lazhar (Gabe Scott) entra en un aula como profesor sustituto, estableciendo un tono ligeramente cómico mientras lucha por superar los nervios y afianzarse en su nuevo puesto. Pero poco después se revela que Lazhar está sustituyendo a un profesor que se suicidó, y que su propia historia trágica permite establecer un vínculo con el dolor y el trauma de los niños: su mujer fue asesinada, atrapada en el conflicto político de Argelia.

Bashir Lazhar se esfuerza por realizar una mezcla de tracto político y narración personal, y en su mayor parte, consigue filtrar maravillosamente la historia a través de la perspectiva del personaje. Es un texto sutil que revela lentamente la historia de Lazhar a través de flashbacks.

I Woke Up in a Strange Place (en directo en el Teatro Palais)

Estamos de vuelta de nuestro viaje a Nueva York para buscar producciones que te gustaría ver (o no), espectáculos que podrían ir de gira por el sur de Florida y guiones que podrían merecer la pena revivir en nuestros teatros regionales.    Publicaremos reseñas durante la próxima semana entre las producciones locales. Las reseñas incluyen la reposición de American Son, The Prom, King Kong. The Waverly Gallery, Daniel’s Husband, Inner Voices y The Nap. Sólo tienes que buscar «Informe desde Nueva York».

Por lo general, en las comedias de «peces fuera del agua», los peces se sorprenden al encontrarse fuera del agua y pasan la mayor parte de la noche tratando de volver a los climas acuáticos familiares. Pero en el nuevo e hilarante musical «The Prom», los peces saltan fuera de la pecera a sabiendas de que sus singulares habilidades serán una ansiada bendición para los camellos y los beduinos.

La premisa básica del espectáculo, que se estrenó este mes en el Teatro Longacre, es que un cuarteto de divas ensimismadas de Broadway son desechadas por los críticos en su último espectáculo del tallo principal (El musical de Eleanor Roosevelt) por haber pasado su mejor momento y ser demasiado irrelevantes para merecer mucha consideración o atención.

Stranger In A Strange Land/Fox Theater 8/2/19

4de5Desde la izquierda, el director de «Dishwater Dreams», Chay Yew, el escritor e intérprete Alaudin Ullah y el músico de tabla Avirodh Sharma. Las representaciones en el Hartford Stage se prolongan hasta el domingo.Michael Brosilow / Contributed photoShow MoreShow Less

En su original espectáculo unipersonal «Dishwasher Dreams», que invita a la reflexión y que se representará en el Hartford Stage hasta el domingo, se centra en su propia historia como musulmán que vive en el barrio neoyorquino de Spanish Harlem.

En él, se esfuerza por «despertar las mentes, imbuir un sentido de gratitud y centrarse en la humanidad y la belleza del viaje de los inmigrantes y sus sacrificios». Actúa para honrar las historias de sus padres y sus antepasados.

Ullah utiliza la lente de las distintas generaciones para examinar quién es, de dónde viene y, en última instancia, a dónde va. Con humor y un poco de frustración, recuerda cómo su padre llegó a Estados Unidos y luchó por encontrar su camino en una tierra extraña.

Procedente de una familia de Bangladesh, desvela su trayectoria descubriendo deportes como sus queridos Knicks, utilizando el grafiti para crear arte musulmán, tratando de luchar contra el estereotipo de que es un terrorista, yendo a la universidad, persiguiendo sus talentos cómicos y aportando una voz original al teatro estadounidense centrándose en la diversidad.

Joe Jackson «Strange Land», del álbum «Fool», ¡YA!

Hubo un tiempo en el que quería ser policía, un deseo que se encendió al ver las películas policiales de los 90 de Suresh Gopi y Mammootty. Luego, en algún momento, crecí. Aprendí que el trabajo policial en la vida real no es tan glamuroso y emocionante como lo presentaban esas películas. Rajeev Ravi demuestra, con Kuttavum Shikshayum, que le interesan los detalles sin pulir.

Al igual que Unda y Nayattu, muestra el lado humano de los hombres de uniforme. (Sin embargo, en términos de realización cinematográfica, Nayattu y Kuttavum Shikshayum hicieron un trabajo mucho mejor). No hay ningún intento de glorificar esta profesión. No es, para decirlo simplemente, la película de policías de tu abuelo. Y Rajeev ha elegido abrir la película con una escena para dejar claro este punto. El inspector de policía Sajan Philip (Asif Ali) sigue luchando con el recuerdo de aquel día en que utilizó la fuerza letal. Más tarde nos enteramos de que fue el miedo lo que le llevó a hacerlo.

La excusa fue la defensa propia. Sin embargo, esta no es una película que muestre a Sajan despertando de su pesadilla varias veces. Sajan no es el Al Pacino de Insomnia. Y no resulta tan sombrío como Nayattu porque la gravedad del escenario no es tan extrema. Asif interpreta a Sajan como un oficial práctico y sensato. ¡Y qué bueno es ver al actor con el uniforme de policía!

El cierre de la piel de nuestros dientes

NUEVA YORK-Estaba anotando algunas notas entre los actos uno y dos de la reposición en Broadway de «La piel de nuestros dientes» cuando una mujer me preguntó qué estaba haciendo. Cuando le expliqué que era crítico de teatro, me miró a los ojos y me preguntó: «¿Puede explicarme la obra?».

Explicar la obra de Thornton Wilder de 1942 no es una tarea sencilla. En la superficie, trata de una familia que sobrevive a la Edad de Hielo, a la inundación y a una guerra devastadora. También trata de los vínculos entre marido y mujer, y entre padres e hijos.

Hay numerosas referencias históricas y bíblicas, y personajes que rompen la cuarta pared y se dirigen directamente al público. Toda la experiencia es una atractiva e intrigante exploración de la fuerza, la debilidad y la resolución final de la raza humana.

Anunciada como una «comedia fantástica en tres actos», la obra comienza y termina en Excelsior, Nueva Jersey, el hogar de George Antrobus (James Vincent Meredith), inventor de la rueda, el alfabeto y las tablas de multiplicar, además de artículos como la cerveza y la pólvora.

La piel de nuestros dientes lincoln center tiempo de ejecución

Si lo único que conoce de Thornton Wilder es su obra maestra Nuestra ciudad, su otra obra ganadora del Premio Pulitzer, La piel de nuestros dientes, le resultará chocante. Se presentará en el Lincoln Center anticipando una estética contenida (¿tendrán una escalera, o sólo una mímica?) y la pureza de un himno secular. Puede que incluso haya metido en la maleta un pañuelo para las partes tristes. Y entonces -probablemente en el mismo momento en que entra el dinosaurio de cuatro metros- te darás cuenta de que algo pasa.

Si «Our Town» es un himno, «The Skin of Our Teeth» es una pelea de pasteles. Tanto una epopeya como una burla de epopeyas, La piel es una comedia (en el sentido de Dante) de las escapadas por los pelos de la humanidad. También es un lío de diez clases, amontonado con sátiras envejecidas, comentarios sociales dudosos, comentarios sociales punzantes, presciencia, digresión y desesperación. Nueva York vio otra reposición de la obra de 1942 hace relativamente poco, en 2017 en el Theater for a New Audience de Brooklyn, una producción que respondía a las elecciones y al cambio climático. Es una obra difícil y difícil de producir, pero también es el espectáculo que se hace cuando el mundo se acaba.

¿Es la piel de nuestros dientes un musical

Un brontosaurio y un mamut lanudo que se instalan entre los adornos modernos de mediados de siglo de un hogar de clase media de Nueva Jersey tendrán ahora y siempre un impacto teatral -eso, al menos, no ha cambiado desde los tiempos del dramaturgo Thornton Wilder-, pero hay muchas otras cosas que sí, No menos importante es la capacidad de La piel de nuestros dientes, una obra seminal de vanguardia posmoderna ganadora del Premio Pulitzer de 1943, de seducir simplemente por la fuerza de la vanguardia posmoderna de todo ello.

La nueva e importante reposición de la obra por parte del Lincoln Center Theater, dirigida por Lileana Blain-Cruz, con material adicional de Branden Jacobs-Jenkins y los incansables esfuerzos de un reparto ejemplar, proporciona, de hecho, una nueva vitalidad a una obra que a menudo es más admirada que querida. Un ejercicio de resistencia -para el reparto, para el público- La piel de nuestros dientes hace tiempo que pasó la novedad de su viaje en el tiempo y sus florituras alegóricas a los herederos posteriores (y, francamente, menos laboriosos), desde Caryl Churchill hasta Tony Kushner y los Wachowski, por lo que cualquier intento de afrontar y superar los retos inherentes a la obra parecería requerir una visión, tal vez una crueldad y, ciertamente, una firme comprensión de la continua razón de ser de la obra.

Entradas por la piel de los dientes

Escrita durante el período más oscuro de la Segunda Guerra Mundial, esta obra intemporal no ha tenido una producción importante en Nueva York desde 1998. La familia Antrobus por excelencia de Wilder se enfrenta al caos y a las frustraciones de padres e hijos frente a las crisis que amenazan la supervivencia de la humanidad.

La Sra. Arbus no devuelve por completo a «Skin» su brillantez de recién nacida. Pero hace que se aprecie por qué su primer público la apreciaba… Es como una producción de gran alcance que esta ‘Piel’ captura, hace cosquillas y angustia la imaginación. La Sra. Arbus ha reclutado un equipo de producción excelente y un reparto diverso de casi tres docenas de personas para llenar el lienzo de Wilder, de tamaño eterno. La producción los despliega con ingenio y eficacia, al tiempo que conserva un entrañable aire de espontaneidad destartalada».

«Después de haber influido en generaciones de teatro de vanguardia, la narración no lineal y los trucos metateatrales de Wilder han perdido gran parte de su sorpresa, y su simbolismo a menudo se siente pesado. La puesta en escena de Arin Arbus para Theatre for a New Audience hace avanzar esta épica difícil de manejar… Lo que se echa en falta es un sentido más íntimo de la familia central como seres humanos y no como meros arquetipos. Es una delicia ver esta obra seminal en pie… Pero el extraño confort de la obra se ha enfriado un poco».

REMOLQUE TOCAR MARE 16 9

Estaré procesando esto un tiempo. Cambia completamente mi forma de pensar sobre la curación, el arte y la mente inconsciente. Su enfoque de la curación lleva la afirmación de Marinetti «La poesía es un acto» al extremo más fascinante. Su idea de la «fiesta del pánico»… la importancia de un efecto positivo del arte (algo de lo que me habría burlado antes)… Podría resumirlo todo como: «Vivir mejor a través de la metáfora». Realmente excelente para leer como compañero de Psicología y Alquimia de Jung, que leí a principios de este y

Tuve el impulso de leer este libro después de adentrarme en la obra de James Hillman. Hillman comenzó como una disciplina de C. G. Jung, pero acabó rechazando la escuela de pensamiento del «tradicionalismo integral» a la que pertenecía Jung. En cambio, Hillman acabó reconstruyendo la psicología como un sistema oculto que trata la individuación como un proceso alquímico de transformación… que resulta ser un tema recurrente en las películas, cómics y obras de teatro del renacentista chileno-francés Alejandro Jodo

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con personal competente y en instalaciones bien equipadas, están disponibles y son accesibles para las personas con discapacidad, incluidos los supervivientes de las minas, 20 informaron de que se dispone de servicios integrales, pero hay lagunas en los servicios y en la accesibilidad de los mismos, y 3 informaron de que existe una infraestructura de rehabilitación física, pero está experimentando graves trastornos y/o carencias o es deficiente por otros motivos.

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L’Elisabet Bataller nos convida al TMC

Neal tiene una gran capacidad para transmitir con claridad los principios y las teorías del trabajo de IS, y con su increíble sentido del humor, su fuerte base espiritual y familiar, se ha convertido en una luz que guía a muchos practicantes. Ha dedicado su vida a difundir la teoría y la práctica del trabajo del Dr. Rolf a sus numerosos alumnos de todo el mundo. Ha enseñado en China, Taiwán, Japón, Israel, Brasil, Italia, Suiza, Alemania, la República Checa, Polonia y en todo Estados Unidos y Canadá.

Puede que la modestia de Neal con respecto a nuestro trabajo le haya mantenido alejado de los focos de la comunidad de la IS, por lo que poca gente sabe que ayudó a establecer un récord mundial en 2005. Este evento recaudó 50’000 dólares para las víctimas del huracán Katharina.

Nilce ha trabajado tanto de forma individual como junto a los maestros elegidos por el Dr. Rolf en la formación de estudiantes a niveles de practicante y practicante avanzado en los Estados Unidos y Brasil. A través de sus talleres, ha viajado por todo el mundo para enriquecer la calidad del trabajo y la profundidad de la comprensión de los practicantes de IS.

Experiencia en el Pequeño Mundo – Party Pooper

Además, las muy apreciadas acciones Meme, como AMC y GameStop, hicieron que los más fieles se lamieran las heridas al absorber pérdidas del 60% desde hace un año hasta el momento de escribir este artículo. Y los adeptos a las criptomonedas que adoptaron el mantra «HODL», originalmente un error ortográfico de «hold» (aguantar), aprendieron lo que se siente al «Hold On for Dear Life» (aguantar por la vida): las principales monedas, Bitcoin y Ether, perdieron cerca del 40% de sus valores desde noviembre y alcanzaron su punto más bajo en los últimos seis meses, y las más esotéricas (Dogecoin, ¿alguien?), les fue aún peor.

Nada de esto debería sorprender a cualquiera que haya observado el ascenso meteórico de estos activos, pero incluso si no los posee y se limita a las cosas sencillas, debería estar esperando una corrección (definida como una caída del 10% desde el máximo reciente) y quizás incluso un mercado bajista (un descenso de más del 20%). Sé que puede ser difícil, pero quitarle un poco de aire al mercado de valores es algo saludable para los inversores a largo plazo.

Como recordatorio, los retrocesos periódicos son normales en los mercados. No estoy hablando de la aterradora caída de cinco semanas que se produjo en febrero-marzo de 2020, que eliminó un tercio del valor del S & P 500. Ese evento fue más bien como ver un huracán soplando a través de la zona: sabes que el daño va a ser terrible, pero pasará. Me refiero a las caídas periódicas que ayudan a restablecer las valoraciones a niveles razonables. Soportar las correcciones del mercado es el precio de admisión para ser un inversor. El reto será si la actual corrección se convierte en algo más dramático, como un mercado bajista sostenido.

William Thomas Evans – Nazi Party Pooper (Timothy Jerome)

Favoritos del lector8 mejores teclados mecánicos inalámbricos8 mejores teclados mecánicos intercambiables en calienteLas 5 mejores aplicaciones para planificar viajesAplicaciones para compartir tu ubicación con la familia5 mejores lugares para comprar discos de vinilo onlineLos mejores ratones y teclados multidispositivo para usuarios avanzadosLas mejores pilas AA y AAA recargables

A través de la vidaLos medios de comunicación de LIFESAVVYRevisión de la TotePack de Harber London: La capacidad se combina con el estiloExamen de la estufa Solo 2.0: La bandeja de cenizas extraíble facilita la limpieza DE HOW-TO GEEKRevisión de la cámara web NexiGo Iris 4K UHD: Hace honor a lo que diceNothing Phone (1): Un intento de matrimonio entre diseño y función

Los dos últimos años han sido terribles por muchas razones. Pero por el camino, intentamos brevemente un experimento: ¿qué pasaría si las salas de cine se pasaran al streaming? Ahora las cosas están volviendo lentamente al statu quo. ¿Y sabes qué? No hay manera de que vuelva al cine.

Lo digo como antiguo aficionado a las salas de cine, y sí, la experiencia todavía me produce nostalgia. Las salas de cine fueron, durante mucho tiempo, un lugar para escapar de la vida real, tener una cita o simplemente pasar unas horas. Como friki de toda la vida, la era de Marvel (lo siento, DC, pero por favor, inténtalo de nuevo) ha sido un poco como un sueño hecho realidad. Pensaba que siempre estaría entre los primeros de la fila para ver la última película de Star Trek, Star Wars o Los Vengadores. Pero ahora ya no quiero eso. Y lo mejor de todo es que tampoco lo necesito.

Flula Borg & Dan Farber – Party Pooper (Buddymoon OST)

Por lo que los estudiosos han podido reunir, el antiguo dramaturgo griego se formó como boxeador infantil, dejó el atletismo para convertirse en escritor, tuvo un par de matrimonios desastrosos, luego se dejó crecer una larga barba y se refugió en una cueva junto al océano, donde se dedicó a leer, escribir, mirar el mar, rechazar invitaciones a fiestas y ser objeto de burlas públicas por parte de dramaturgos cómicos (como Aristófanes) por ser tan sombrío.

Los escritores contemporáneos de todo el mundo, por ejemplo, no se cansan de «Las troyanas», la obra de Eurípides del año 415 a.C. sobre el reparto de mujeres como esclavas de los guerreros griegos que han matado a sus maridos y hermanos troyanos. Nuevas interpretaciones y adaptaciones han sido lanzadas por Jean-Paul Sartre (Francia), Hanoch Levin (Israel), Femi Osofisan (Nigeria), Sergio Véjar (México), Charles Mee (EE.UU.) y ahora Caroline Bird (Reino Unido).

El aforo es reducido -el Slate Theater está metido dentro de un edificio de inmigración clausurado que solía albergar una prisión propia- y las luces fluorescentes parpadean y zumban por encima. El coro embarazado (Shermona Mitchell) observa junto a nosotros cómo la reina Hécuba (L. Zane Jones), descalza, camina, habla furiosamente y bebe compulsivamente de un refrigerador de agua, haciendo crujir los pequeños vasos de papel de cera y tirándolos en un creciente montón en el suelo.

¡El aguafiestas de la vida real! – S2 Ep13

«…En los mejores momentos de la pieza, puedes ver el vacío detrás de los globos oculares diluidos y temer por las consecuencias de estas almas solitarias, pero también te encuentras lamentando la naturaleza prosaica de tu propia vida (bueno, supongo que debería hablar por mí mismo). Por decirlo de otro modo, «The Wild Party» debería hacer que te apeteciera ir a una fiesta salvaje, y ésta sin duda lo hace. Se crea un ambiente. Uno tiene la sensación de estar presenciando una escena».

«…Imagina las escenas más sórdidas de los bajos fondos de El Gran Gatsby de F. Scott Fitzgeralds y puede que empieces a entender el tipo de mundo en el que te adentrarás al llegar a La fiesta salvaje, la tragedia musical fabulosamente deformada, llena de vapor, en la que todo vale, ambientada en el Nueva York de los locos años veinte y que cuenta con una partitura galvánica de Michael John LaChiusa.»

«… Después de la extravagante e inteligente partitura de LaChiusa, una de las cosas más importantes de esta Fiesta Salvaje es la lista de invitados. Conocemos a Jackie, la decadente WASP; a Phil y Oscar, la pareja de homosexuales negros que bailan juntos como «hermanos»; a Dolores, la diva envejecida pero extremadamente dura; a Nadine, la joven de 14 años deslumbrada por Broadway; a Sally, el apéndice aturdido por las drogas de la animadora lesbiana Madelaine; y, por supuesto, a Gold y Goldberg, aspirantes a productores y «judíos sin judíos» que están tan confundidos sobre sus identidades deculturadas que olvidan sus nombres. (La representación de G&G es tan cruda que puede ser leída como antisemita por algunos, pero estos tipos no salen peor parados que el resto de los trágicos e hilarantes invitados). El Queenie de Danni Smith, el Burrs de Matthew Keffer y el Black de Patrick Falcon son particularmente fascinantes, pero luego todas las actuaciones son agudas, y el espectáculo en su conjunto vibra tan rápida y vertiginosamente como el corazón de un cocainómano».